lunes, diciembre 31, 2007

PERSONAJES DEL TEBEO (5)


JOSÉ PEÑARROYA


José Peñarroya Peñarroya (Forcall, Castellón, 1910-Barcelona, 1975) fue un guionista y dibujante de historietas español, creador de célebres personajes como Don Pío, Gordito Relleno y Don Berrinche.

Durante la guerra civil española fue combatiente en el ejército republicano. En la primera posguerra trabajó en los estudios de animación Chamartín, donde participó en la creación de varios cortometrajes. En 1947 comienza a colaborar con la Editorial Bruguera, para la que crea a Don Pío (1947), Calixto (1947), Gordito Relleno (1948) y Don Berrinche (1948).

Colabora en varias revistas de la editorial, sobre todo Pulgarcito y El DDT. En 1957 se asocia con los también dibujantes de Bruguera, Cifré, Conti, Escobar y Giner para crear una empresa autogestionaria, D.E.R., editora de la revista Tío Vivo. Dado que los derechos de sus personajes los posee Bruguera, Peñarroya crea nuevas series, entre las que destaca La familia Pi (1957), que tiene evidentes similitudes con su Don Pío. La empresa fracasa y tanto Peñarroya como sus compañeros optan por volver a trabajar para Bruguera. En su segunda etapa en la editorial destacan las series Pepe, el hincha (1962), fruto de su pasión por el fútbol; Pitagorín (1966), protagonizada por un niño superdotado; y Rudesindo el bucanero, un tipo de cuerpo entero (1966).


DON PÍO

Don Pío apareció por primera vez en 1947 en la revista Pulgarcito. Posteriormente apareció también en otras revistas de la editorial.

El personaje encarna las miserias y las frustraciones de la clase media urbana de la posguerra española. A través de sus historias autoconclusivas con situaciones familiares, domésticas y laborales desde una óptica humorística a la que no le falta una irónica visión social, nos vemos inmersos en los problemas y avatares típicos del hombre cuarentón matrimoniado, principalmente en interacción con su jefe y su esposa.

Apocado y dominado por su esposa, doña Benita, obsesionada por medrar socialmente, Don Pío no consigue nunca lo que se propone, ya que es un buenazo pero que la mayoria de las veces su buena fe le lleva a diversos desastres. Todas sus historias terminan frustrando cruelmente sus esperanzas de mejorar.

Don Pío es un hombre apocado y tímido tiranizado tanto por su jefe en la oficina, como por su esposa, más grande y fuerte que él. El infeliz debe hacer horas extras para satisfacer los caprichos de su mujer y aguantar sus berrinches por no haber sabido darle una vida más cómoda. En el poso de la historieta queda la crítica humorística de una institución tan intocable como el matrimonio en el régimen franquista , y, siempre, el testimonio de una realidad muy concreta en un momento crucial en la vida de tantos españoles.

Don Pío había nacido en una época ya lejana, y las circunstancias de entonces estaban cambiando: el progreso de las clases medias hacia una sociedad de consumo en la época del desarrollismo. Las historietas de Don Pío reflejaron los esfuerzos del ciudadano medio por adaptarse a los nuevos tiempos. Otra época, otras necesidades: los plazos del televisor, la lavadora, el coche... serán los nuevos retos a afrontar por el sufrido Don Pío para contentar a su esposa. Por otra parte, si bien en la oficina es el antiguo empleado de confianza, no termina de conseguir el ascenso definitivo.

Personajes:

Don Pío es de corta estatura, calvo, y lleva un pequeño bigotito. Viste con corrección. Es característico su bombín. Su apariencia física recuerda un poco a la de Charlot. Trabaja como oficinista, pero su sueldo es siempre insuficiente para su esposa.

Doña Benita es una mujer entrada en kilos, morena (rubia a partir de los años 50), que contrasta físicamente con su enclenque esposo, al que llega incluso a maltratar físicamente.

Luisito, sobrino de Don Pío, niño bueno y modosito que adquiere el rol del hijo que los Pío no han tenido nunca y como tal, actúa como elemento conciliador de la pareja, no ya únicamente en la ficción, sino también de cara a la censura, que no podía consentir en aquella época desavenencias matrimoniales ni tiranías femeninas.

Doña Vinagreta y Doña Culebrina, vecinas de la pareja.


GORDITO RELLENO

Gordito Relleno apareció en 1948 para la revista Pulgarcito, y posteriormente en varias revistas de la Editorial Bruguera durante las décadas de 1950 y 1960.

Pacífico, panzudo y luciendo frecuentemente un bombín, Gordito Relleno es un ejemplo típico de personaje de la escuela Bruguera. Sus buenas intenciones terminaban siempre en catástrofes. Inocente hasta decir basta, era víctima frecuente de timos y estafas de todo tipo por parte de desalmados. Gordito Relleno es un personaje, una especie de antihéroe perdedor, apacible e inocente, de formas redondeadas y pensamientos nobles que finalmente no le deparan demasiadas satisfacciones en su contacto con el prójimo.

Gordito Relleno, es el hombre bueno por definición, tan inocente, que constantemente se ve arrastrado hacia situaciones equívocas en las que sus buenas intenciones hacia el prójimo redundan en su propio prejuicio. Peñarroya acentúa el carácter del protagonista al dotarle gráficamente de una gordura extrema, vertiendo en él los tópicos de bondad, inocencia y candor que se suponen a las personas obesas. Por su debilidad de carácter, el sino de Gordito es perder.

Durante una temporada (1949), apareció en las historietas de Gordito Relleno otra creación de Peñarroya, Don Berrinche, antítesis de Gordito, misántropo de tomo y lomo, quien se esforzaba a conciencia por hacerle la vida imposible. En estas ocasiones era Don Berrinche el que solía salir malparado. Eterno cabreado y símbolo del descontento social, va cargado con un garrote con un pincho que vaya como dejará al pobre que le arree un zurriagazo.

Don Berrinche es el otro gran personaje de Peñarroya en esta etapa inicial, pero, a diferencia de los anteriores, es un arquetipo de personaje “malo”, al menos en apariencia, con las cejas siempre fruncidas, los dientes apretados y un garrote al hombro, atravesado de un clavo descomunal, que no duda en descargar contra cualquiera de sus semejantes. Su expeditiva acción rara vez encuentra castigo, y por ello un posible análisis es el de un individuo malvado; pero una lectura más detenida puede revelar que esa maldad, se queda simplemente en mal genio, en un berrinche, causado muy probablemente por la impotencia ante la dura vida cotidiana .

“Nitroglicerina y retropropulsión!” “Vendetta y carcoma!”... “trolebuses y filibusteros!”....”Si usted, enclenque empleadillo, me dice que no, le pulverizo!”

La vida de Don Berrinche fue azarosa, pues fue saltando de una publicación a otra: en 1949 pasó al Pulgarcito , formando pareja con Gordito Relleno, en 1951 al DDT, hasta que a mediados de 1954 y a instancias de la censura la serie desaparece para titularse Brr.. ¡como está el deporte!

Por Don Berrinche, reporter titulado y malhumorado, que ya no tiene nada que ver con la historieta inicial, nuevamente con la cabecera Don Berrinche pasa a Ven y Ven y al suplemento de historietas de El DDT en 1959, y de nuevo al DDT en 1963, donde al año siguiente formó un dúo con Pepito, para reanudar después su andadura en solitario, ya como una inofensiva reliquia del pasado, en otras publicaciones de la casa como Gran Pulgarcito, Mortadelo Extra o la última etapa de Pulgarcito antes del cierre de la editorial.

Pero para entonces el personaje había cambiado definitivamente: su apariencia física se ha normalizado, cambiando su antiguo frac negro por una americana corriente, y el descomunal garrote con clavo es ahora un bastón normal. Además, todos conocen a Don Berrinche y lo tratan como a un excéntrico. La esencia del personaje pues, ha desaparecido por más que la editorial se empeñe en mantenerlo en plantilla en virtud de una tradición ya completamente desfasada. El caso de Gordito Relleno es algo distinto. Su bondad e ingenuidad permanecen intactas. El mundo cambia a su alrededor, tiene otros amigos, otros conflictos, pero Gordito es el mismo, y lo seguirá siendo siempre. Es el buenazo tontorrón al que todo le sale mal por querer ayudar a los demás. La censura no tenía nada que decir ante un personaje así .


PEPE EL HINCHA

Seguidor acérrimo del Pedrusco F.C. , Pepe el hincha, creado en los años 60, es un seguidor futbolero, una de las pasiones del autor valenciano y de la sociedad española en general, lo que convirtió a las historias autoconclusivas de este personaje en uno de los más populares de Peñarroya.

Pepe el hincha es un gran aficionado al Pedrusco F.C., un desastre de equipo que siempre pierde por goleada. Dicen que éste personaje salió de su gran afición al fútbol, lo cual hace pensar que todos sus personajes son parte de su forma de ser, quien sabe si de niño era pródigo como Pitagorín, o se ha sentido solo ante el peligro como Gordito Relleno, o ha tenido una esposa a la que quería mucho con la que compartía todas sus inquietudes como Don Pío, y quien sabe también si Don Berrinche no es ese lado oscuro que todos tenemos pero que él nunca sacaba.

Pepe, el hincha, es un nuevo alter ego del autor. Su gran afición al fútbol le llevó a inventar un personaje con el que expresar su forma de sentir este deporte y pronto se convirtió en una serie de éxito. Pepe, como Don Pío, está a medio camino entre la serie familiar y las peripecias oficinescas, lugares donde se libran partidos tan importantes como en el terreno de juego: por un lado, Pepe ha de soportar a los compañeros, forofos del equipo rival Menisco F.C., por otro, la sufrida esposa y los hijos, le acusan de quedar relegados a un segundo plano, después del fútbol. Haga lo que haga, el destino de Pepe es perder, igual que su adorado Pedrusco semana tras semana.


PITAGORÍN

En Pitagorín, encontramos a un niño prodigio, siempre con su amigo Pepito, capaz de lo impensable para solucionar algo o desenmascarar a un timador. Comportándose como un niño mas, con sus juegos y amigos, es un personaje con carácter humilde pero muy inteligente.

Pitagorín, como Luisito, el sobrino de Don Pío, es un niño bueno, que pretende ayudar a todos con sus inventos. Es un personaje único en la Escuela Bruguera: caracterizado por su inteligencia, es un auténtico niño prodigio. Es también, la antítesis de los niños bruguerianos como pueden ser Pepito (sobrino de Rigoberto), los hermanos Zipi y Zape de Escobar o el Angelito de Manuel Vázquez, caracterizados por sus travesuras.

Pero, precisamente por su status de niño listo y autosuficiente, es un personaje tan marginado como otros de Bruguera: Si Carpanta o Morfeo Pérez son incapaces de hacer lo que todos hacen, Pitagorín es capaz de hacer lo imposible; Y por tanto está tan alejado del mundo como aquellos. Con esas características tan inverosímiles y antinaturales, Pitagorín siempre fue un niño extraño que no obtuvo el respaldo del público .


LA FAMILIA PI

La gran aportación de Peñarroya a Tío Vivo es su serie La familia Pi, donde vuelve a insistir en la problemática de una familia de clase media. De hecho, es una versión enriquecida de su Don Pío (nótese la similitud entre los dos nombres), con personajes complementarios (aparte del matrimonio, dos hijos mayores, chico y chica, dos mellizos de corta edad, la criada y el tío Victorino) que le dan a la serie una mayor complejidad. La base de la historieta es la problemática nacida de la escasez de sueldo, la lucha por la vida cotidiana de una familia numerosa. A pesar de su indudable interés, la serie desapareció con la vuelta de los dibujantes a Bruguera, dejando la impresión de que nunca se desarrollaron plenamente sus posibilidades estéticas y testimoniales.

Como dicen mis compañeros de checheche.net, pregunta para el militante: ¿qué aficionado autóctono se sentiría ahora como Pepe el Hincha, y qué club podría compararse ahora mismo al Pedrusco FC?

jueves, diciembre 27, 2007

THE SOUND

El post musical de la semana de Navidad es muy especial. A pesar de que en mi perfil conste que mis grupos favoritos son Kraftwerk, The Mission y New Order, en realidad hay un cuarto: los Sound de Adrian Borland, y la carrera en solitario de éste. En estas dos semanas voy a recordar lo que fue y significó aquel grupo y aquel genio de la música:

Adrian Borland inició su carrera musical en 1976 formando un grupo punk, junto a su compañero de colegio Adrian Janes, llamado Syndrome, nombre que un año después cambiarían por The Outsiders. Su primer concierto tuvo lugar en la sala Roxy de Londres como teloneros de los míticos Generation X (el grupo de Billy Idol cuya canción Dancing with myself se convirtió en todo un himno para muchos jóvenes de aquella época). Mientras interpretaban una canción de su admirado Iggy Pop, en pleno concierto, ante la sorpresa del grupo, el propio Iggy subió de repente al escenario y cantó con ellos. Esos momentos quedarían para siempre grabados en la memoria de Adrian.

The Outsiders grabaron dos discos financiados con el dinero de los padres de Adrian, Calling on youth (1977) y Close up (1978). Calling on youth pasaría a la historia como el primer disco de punk británico producido íntegramente con dinero de la propia banda.

Borland quiso cortar lazos con el movimiento punk, fijándose en el miembro original de los Buzzcocks, Howard Devoto, quien dejó su banda tras Spiral scratch. Como Devoto, que había fundado la banda post-punk, Magazine, Borland miró a su alrededor, y decidió que el sonido de su banda debía ser más profundo y variado, con diferentes atmósferas, tensiones y giros poco familiares, en el intervalo en que debía conseguir los instrumentos adecuados para ello. Las letras fueron otra historia. No contento con las simples críticas al gobierno y a la sociedad en que vivía, y a los exabruptos sobre materias triviales, sociales, Borland se convirtió en uno de los letristas post-punk cuyos textos tenían gran valor analítico.

En 1979, tras la salida del grupo del bajo Bob Lawrence y del batería Adrian Janes, la banda cambió también de nombre, después de una ardua deliberación en un pub de Kingston-upon-Thames, adoptando definitivamente el de The Sound, hasta su desintegración en 1987.

El grupo estaba formado por Adrian Borland (vocales, guitarra), Benita "Bi" Marshall (teclados, saxo, clarinete), Graham Bailey (bajo), y Mike Dudley (batería). El estilo punk de The Outsiders evolucionó hacia una onda más sosegada y tenebrosa. Algún crítico musical ha dicho que The Sound representan el eslabón perdido entre Joy Division y Echo and the Bunnymen, dos de los símbolos máximos del género.

Las comparaciones suelen ser odiosas, y en este caso además fueron perniciosas, pues The Sound nunca pudo sacarse de encima la alargada sombra de sus compadres Bunnymen: a pesar de su calidad innegable, Adrian Borland siempre fue alguien apocado frente al carisma arrogante de su "rival" y vecino Ian McCulloch. Por si fuera poco que les compararan contínuamente con los Bunnymen, también tuvieron que soportar estar bajo las lupas de la escala de Joy Division, majestuosa banda tótem insuperable contra la que se tenía que medir cualquiera que se colgara una guitarra del pescuezo a principios de los 80.

The Sound hicieron sus primeras grabaciones en el comedor de la familia Borland, ya que su padre era el ingeniero de sonido. Como quedó demostrado en Propaganda, una publicación de 1999 de esta colección de sesiones, la banda estaba gradualmente dejando el estilo Stooges/Velvet, y comenzaba a aplicar toques que desarrollarían un sonido propio.

Recibieron los primeros apoyos de Stephen Budd, un seguidor del grupo desde los tiempos de The Outsider, y que había grabado y publicado material para Bailey y Borland en su proyecto Second Layer. El sello de Budd, Tortch-R, consiguió beneficios con Second Layer, pero optó por volver a la primera publicación de The Sound. Budd se convirtió en el manager del grupo, logrando que el grupo hiciese sus grabaciones en el estudio de Nick Robbins, Elephant Studios, y contratando actuaciones para el grupo.

La primera publicación era poco pretenciosa. El EP indie Physical World fue positivamente recibido en New Musical Express por Paul Morley, y el DJ John Peel se interesó por él, haciendo un par de actuaciones para su influyente programa de la BBC.

La banda firmó con el sello post punk de Warner Bros., Korova Records, al que pertenecían, entre otros, Echo and The Bunnymen, y grabaron Jeopardy. Korova escuchó los remixes que habían registrado previamente, e hizo los arreglos. Reportajes en New Musical Express, Sounds y Melody Maker le otorgaron cinco estrellas. Comparándolos con los Bunnymen, Teardrop Explodes y Joy Division en los reportajes, sólo escuchando la canción más floja del album, uno se daba cuenta que The Sound ya pertenecían a la clase alta.

Bi Marshall deja la banda y es reemplazada por (Colvin) Max Mayers antes de ponerse el grupo a trabajar con el productor Hugh Jones, que ya había producido a los Teardrops y los Bunnymen, para el siguiente album. From the lion's mouth se valió del sonido ambiental de la banda, de su capacidad para cubrir sus accesibles canciones con touqes de buena producción, que no ocultaban el rock sólido donde fueron construidas. Con este disco tocaron su techo compositivo. Otra ronda de reportajes positivos y otra ronda de indiferencia general del público, aunque se estaba gestando su definición como grupo de culto.

El éxito de crítica obtenido por From the lion's mouth hizo que la discográfica presionara a los integrantes del grupo para que su siguiente disco fuese más comercial y, así, obtener también un éxito en las ventas.

Pero no sucedió así. Trabajando de nuevo con Nick Robbins, se le exigía a la banda un sonido más pop. Ante estas presiones, en el tercer disco All fall down, premeditadamente, sacaron toda su vena experimental y anticomercial, lo que supuso en definitiva el final de la relación con Korova, quien se negó a promocionarlo. No importaba que el disco fuese notable: las ventas eran ridículas y la banda no se dejaba domesticar, así que no había más vueltas que darle al asunto. Criticado por ser demasiado distante, con la perspectiva del tiempo, es un disco con mucho que descubrir. Aunque no fue el mejor momento de la banda, se sintieron avergonzados en adelante, y decidieron reconsiderar su dirección.

Tras esta ruptura, les invadió un período de adormecimiento, y frustró su entusiasmo por hacer y tocar música. A pesar de ello, muchas discográficas estaban interesadas en firmarlos, y fue Statik quien lo consiguió (donde también habían estado los Chameleons; otra banda con la que compararlos). El grupo decidió que les iría mejor con una independiente pequeña, aunque, sorprendentemente, trabajaron durante un corto período con A&M para publicar material en Estados Unidos.

Shock of daylight, un EP de seis canciones, fue publicado en 1984. El tiempo que estuvieron sin discográfica, les sirvió para recargar las pilas, provocando el resultado de buenas y elaboradas canciones, con un sonido más luminoso.

Ello les llevó al cuarto album en estudio, Heads and hearts, que contiene varias de las mejores canciones del grupo, como Total recall, One thousand reasons y Love is not a ghost. Dos actuaciones en el Marquee durante el mes de agosto fueron grabadas para publicarlas el el doble album directo In the Hothouse, publicado en 1986.

Para su album final, Thunder up (1987), publicado en Play it again Sam en Bélgica, y Nettwerk en Canadá, el grupo siguió con la oscuridad de All fall down, y el escalofrío y la desolación quejosa de Winter, del album Shock of daylight. Quizá demandaban más atención, pero The Sound publicaron un album, que alguno de sus miembros consideró el canto del cisne del grupo, con mucha variedad en un solo trabajo. Casi una década de colaboración y poco éxito comercial habían erosionado la flexibilidad de la banda, por lo que decidieron una parada, en principio corta, tras su publicación.

Fue también en aquella época cuando empezaron los problemas de salud de Adrian. Comenzó a beber para aguantar la presión del trabajo, de las giras constantes que comenzaron a hacer por Holanda, Alemania y España. Pero no fue hasta pasados unos años, poco antes de la desintegración del grupo, cuando comenzaron a presentarse los síntomas del trastorno esquizoafectivo, la enfermedad que le arrastraría inexorablemente hacia la muerte.
Borland tuvo una crisis nerviosa en un concierto en el local The End de Vitoria (España), en el primer concierto de su gira de 1987. El resultado sería la cancelación de la gira, y la separación provisional del grupo a finales del año, auqnue debieron dar una serie de conciertos en Holanda por obligación contractual.

Borland continuó en el mundo de la música en las siguientes dos décadas, produciendo y publicando en solitario, y como miembro de grupos como The Honolulu Mountain Daffodils y White Rose Transmission. Graham Bailey se trasladó a New Orleans, donde vivió durante 16 años, hasta su vuelta a Reino Unido en 2007. Dudley y Mayers dejaron la música. Mike Dudley se desinvolucró de la industria musical, y vive en el Sur de Londres. Max Mayers falleció a principios de los 90, víctima del Sida. Borland también falleció el 26 de abril de 1999.

A partir de entonces se inicia una tímida pero creciente reivindicación de su legado, se reeditan remasterizados los discos de The Sound en 2004 gracias al sello Renascent Records, y reciben encendidos elogios de la crítica, grupos como Interpol o Editors recogen su influencia.

Las canciones de Adrian y The Sound eran (y son) auténticos poemas con un alto contenido existencialista, estaban llenas de palabras oscuras emitidas por un ser atormentado con una sensibilidad extraordinaria; tenían un fuerte componente literario, eran complejas, intensas y elaboradas, en algunos casos crípticas hasta lo inextricable. Bastan como ejemplo algunos de sus títulos: Sense of purpose, Silent air, New dark age, Brittle heaven, Restless time, Beautiful ammunition, Golden soldiers o Iron years.

El exceso de matices literarios en las letras y la tendencia experimentadora de su música, no coincidía demasiado con las exigencias del mercado. Por eso, los momentos de gloria de The Sound no duraron demasiado y el grupo se disolvió en el año 87.

La última reunión de la banda fue en junio de 2006, en que ofrecieron un concierto llamado The Sound of Adrian Borland con miembros de notables bandas británicas, y varios cantantes invitados que habían sido amigos de Borland (como Mark Burgess de The Chameleons). También en 2006, I can't escape myself fue versionada en bossa-nova (retitulada Escape myself) por Nouvelle Vague.


Canciones recomendadas:

No salvation, Cost of living, Physical world, Words fail me, One more escape, Missiles (Propaganda)

I can't escape myself, Heartland, Hour of need, Missiles, Heyday, Jeopardy, Night versus day, Resistance, Unwritten law (Jeopardy)

Winning, Sense of purpose, Contact the fact, Skeletons, Judgement, Fatal flaw, Possesion, The fire, Silent air, New dark age (From the lion's mouth)

All fall down, Party of the mind, Monument, In suspense, Where the love is, Song and dance, Calling the new tune, Red paint, Glass and smoke (All fall down)

Golden soldiers, Longest days, Counting the days, Winter, A new way of life, Dreams then plans (Shock of daylight)

Whirlpool, Total recall, Burning part of me, Love is not a ghost, Wildest dreams, One thousand reasons, Restless time, Temperature drops (Heads and hearts)

In the hothouse (In the hothouse)

Acceleration group, Hand of love, Barria Alta, Kinetic, Prove me wrong, I give you pain, You've got a way (Thunder up)

Varios vídeos de muestra de la música de los Sound. Empezando por Unwritten law y Missiles, del album Jeopardy; cuatro canciones de From the lion's mouth, el mejor album de The Sound, Sense of purpose, Winning, The fire y la preciosa Silent air; Golden soldiers, del album Shock of daylight; One thousand reasons y Wildest dreams, del album Heads and hearts; Heartland, versión en directo que aparece en In the hothouse, y cuya versión original aparecía en Jeopardy; y, finalmente, un vídeo resumen de la carrera de este grupo al son de Counting the days, canción del album Shock of daylight:




Unwritten law - The Sound

Missiles - The Sound

Sense of purpose - The Sound

Winning - The Sound

The fire - The Sound

Silent air - The Sound

Golden soldiers - The Sound

One thousand reasons - The Sound

Wildest dreams - The Sound

Heartland - The Sound

Counting the days - The Sound


En cuanto a los mp3, empezamos por Cost of living, del album Propaganda; seguimos con I can't escape myself del album Jeopardy; de From the lion's mouth, Contact the fact, Fatal flaw y Possession (magníficos esos bajos y esos crecendos de guitarra); Where the love is, del incomprendido All fall down; A new way of life, del album Shock of daylight; Total recall y Temperature drops, de Heads and hearts; y You've got a way, canción epílogo de su último album, Thunder up:

Cost of living

I can't escape myself

Contact the fact

Fatal flaw

Possession

Where the love is

A new way of life

Total recall

Temperature drops

You've got a way

viernes, diciembre 21, 2007

CACTUS WORLD NEWS

Cactus World News es una banda de rock irlandesa formada en Dublin a finales de 1984, siendo su promotor el guitarrista Frank Kearns, quien se desplazó desde Londres, contactando con el cantante Eoin McEvoy, y añadiéndose más tarde Wayne Sheehy (batería) y Fergal MacAindris (bajo). Sus primeras influencias fueron The Clash, The Ramones, Talking Heads, U2, The Waterboys y R.E.M.

Su primera grabación y canción más conocida fue The bridge, producida por Bono (U2), a quien el grupo le había mandado una demo, y que los convenció rápidamente para grabar el EP, y publicada por el sello Mother Records. La canción fue compuesta por otro músico y la tocaron en una de sus actuaciones. Se hizo popular, y la grabaron, convirtiéndose en un hit, no apareciendo su autor real en los créditos. Fue una de las canciones que tocaron en el concierto Self Aid en Dublin de mayo de 1986.

La banda publicó su primer album, Urban beaches, en 1986, y obtuvo éxitos menores con sus tres singles, Years later, Worlds apart y una re-grabación de The bridge. La voz multimodal y apasionada de Eoin McEvoy, y el sonido de la guitarra eléctrica de Frank Kearns, parecían reminiscencias de los primeros U2, especialmente en Worlds apart y The bridge.

Urban beaches parecía que iba a ser un debut rompedor, sin embargo, a pesar de la gran atención mediática, incluso con una actuación en MTV, fue incapaz de vender discos en Estados Unidos.


Después de la publicación frustrada de su segundo album No shelter en 1989, pues tras ser publicado, su discográfica anuló su puesta en distribución, la banda dejó su sello discográfico e introdujo algunos cambios: MacAindris y Sheehy dejaron el grupo en 1989, y McEvoy y Kearns continuaron un par de años con varios miembros entrando y saliendo continuamente del grupo, como Chris McGoldrick (bajo), John Doyle (bajo) y JJ Collier (batería), disolviéndose posteriormente. El album sería posteriormente distribuido en 2004.

Tras dejar Cactus World News, Sheehy tocó con los grupos Hinterland (apareciendo en el album Kissing the roof of heaven), Dave-Id Busarus, Leslie Dowdall (apareciendo en Out there) y Hothouse Flowers (apareciendo en Live).

El guitarrista Kearns publicó un ambum en solitario, Walking the waves, en 2005, bajo el nombre de Francis Xavier). En el album colaboraron Sheehy en la percusión, y McEvoy en los vocales. MacAindris está actualmente tocando en la banda londinense Cloudbase.


Canciones recomendadas:

Worlds appart, In a whirlpool, Promise, The bridge, State of emergency, Years later, Church of the cold, Pilots of Beka, Jigsaw street, Maybe this time (Urban beaches)

Town like this, Taste of mercury, Window to your world, Rebound, On the road, Furious love, Say goodbye (No shelter)


Cuatro muestras en vídeo de canciones del primer album, Urban beaches; Years latery versiones en directo de Worlds apart, del single The bridge, y de Maybe this time:

Years later - Cactus World News

Worlds apart - Cactus World News

The bridge (Live) - Cactus World News

Maybe this time (Live) - Cactus World News


Y varias canciones en mp3: del album Urban beaches, Church of the cold, Pilots of Beka, dedicada a los pilotos israelíes que patrullan por dicho valle, la excelentísima State of emergency, con ese punteo tranquilo hasta mitad de canción, en que se produce una explosión guitarrera y vocal que rompe la canción; y del album No shelter, Say goodbye, un buen himno para despedir el blog sobre este estupendo grupo:


Church of the cold

Pilots of Beka

State of emergency

Say goodbye

miércoles, diciembre 19, 2007

Simian Mobile Disco - Hustler

Esto es lo que os puede pasar si os excedéis con las comilonas navideñas (excusa perfecta para alegrar el cuerpo mirando curvas exhuberantes):

Hustler - Simian Mobile Disco

Aunque las chicas (antes de su transfiguración) tienen un parecido asombroso a éstas:

Satisfaction - Benny Benassi

Prefiero el segundo vídeo (y mis amigos PKDOR y little seguro que también)...

lunes, diciembre 17, 2007

PERSONAJES DEL TEBEO (4)

ENRICH

Enrich es el pseudónimo con que solía firmar sus trabajos Enric de Manuel González (Venissieux, Francia, 1930). Se dedicó fundamentalmente a la historieta humorística.
Sus inicios como profesional de los tebeos tuvieron lugar en los inicios de los años 50. Colaboró con la revista Trampolín, para la que creó el personaje Ciriaco Majareto (1950). Otra creación suya es El pirata Malapata, para la revista Alex. Durante esa misma década colaboró en otras publicaciones, como Jaimito y Nicolás.

Empezó a trabajar para Editorial Bruguera en su departamento de publicidad, pero en 1957 se incorporó a la revista Tío Vivo, fundada por varios dibujantes que habían decidido abandonar la tutela de Bruguera.
En Tío Vivo, Enrich creó al que acaso sea su personaje más recordado, El caco Bonifacio, un ladrón desesperadamente incompetente. La serie comenzó como un chiste de una sola viñeta en la contraportada de la revista, pero su éxito hizo que llegase a tener serie y página propias. Otras series de Enrich para la primera etapa de Tío Vivo fueron El doctor Perejil y Boliche. También fue director artístico de la revista durante dos años.
En 1961 dirigió la revista Rififí, de corta vida. Continuó trabajando para Bruguera durante la década de los 60, con personajes como Tontáinez (1965) o Don Inocencio (1968), para Pulgarcito, y Don Toribio, conserje (1966) o la parodia de ciencia-ficción 1-X-2 el invasor (1969), para la segunda etapa de Tío Vivo. Colaboró también en la revista Gina, con la serie Montse, amiga de los animales (1978).
Dibujó, tras la muerte de su creador, Guillermo Cifré, varias historietas de El repórter Tribulete, que por imposiciones de la editorial no podía firmar.

EL CACO BONIFACIO
El caco Bonifacio nació como chiste de una sola viñeta en la contraportada de la revista Tío Vivo en 1957, publicada por la editorial independiente D.E.R. (Dibujantes Españoles Reunidos). Posteriormente, el chiste inicial se transformó en una historieta completa de una página. Cuando el semanario Tío Vivo fue adquirido por Editorial Bruguera, El caco Bonifacio continuó publicándose, y permaneció en sus páginas por espacio de dos décadas.
El protagonista de la serie es el personaje homónimo, Bonifacio, ladrón de profesión pero paradójicamente honrado, bonachón y hasta cándido. Alto y llamativamente cabezón, lleva el uniforme de su "oficio": gorra, antifaz y pañuelo anudado al cuello. Sus actividades le llevan con frecuencia a la cárcel, o, peor aún, termina siendo engañado por sus supuestas víctimas.
Otros personajes:
El ladrón Pancracio.


1-X-2 EL INVASOR

Deudor del éxito de la serie Los invasores (del mítico creador televisivo Quinn Martin que tiene en su haber la producción de, además, Los intocables, El fugitivo y Cannon, por citar algunas), 1X2, el invasor, de Enrich, inicia su trayectoria en el Tío Vivo a principios de 1969, sustituyendo al anterior personaje del dibujante, el conserje Toribio (que, a su vez, había sustituido al anterior –y favorito de su creador- Caco Bonifacio).
Con la advocación al título de la serie televisiva de éxito y la inspiración más que evidente en la mini-saga de Vázquez (casi desconocida por el público) Arturito el marcianito, Enrich consigue mantener en cartel a su “extraterrestre hippy” (pues como ellos, lleva flores en la cabeza) durante todo el año 1969.
Las intenciones invasoras de este extraterrestre, explícitas en el título de la serie, marcan la principal distancia con su precedente vazquiano (que en ningún momento pretende invadir nada) y al mismo tiempo, contradicen el mensaje pacifista que transmite la flor con la que Enrich ha sustituido la antena de Arturito (ese mensaje pacifista que los hippys pretendían asumir con su actitud y revelar mediante las flores con las que se adornaban las cabelleras).
No obstante esta importante disparidad de intenciones de ambos protagonistas, las semejanzas entre las dos series (Arturito, el marcianito y 1-X-2, el invasor) arrojan, sumadas, un resultado que convierte a la segunda, prácticamente, en una versión de la primera. El diseño de los dos personajes principales coincide en un elevado porcentaje y también la relación de subordinación que hay establecida entre ellos.
La elección de la apariencia totalmente antropomórfica ya permitiría establecer un vínculo entre ambas series, pero es que los detalles de la complexión y apariencia de unos y otros personajes, no dejan resquicio a la duda. Incluso algunas historietas son bastante similraes, rayando la identidad.

jueves, diciembre 13, 2007

RADIOHEAD

Los cinco miembros de Radiohead se conocieron en un colegio privado masculino de Abingdon, una pequeña localidad a las afueras de Oxford. Thom Yorke (1968, Wellingborough, Inglaterra; voz, guitarra) recibió su primer instrumento, una guitarra española, de manos de su madre a los ocho años. Formó su primer grupo dos años después, y más tarde se unió a un grupo punk del colegio, TNT.

Al cantar por primera vez, se dio cuenta de que necesitaría miembros más comprensivos para su grupo, y creó lo que más tarde se convertiría en Radiohead con sus compañeros del colegio, Ed O'Brien (1968, Oxford, Inglaterra; guitarra), y Colin Greenwood (1969, Oxford, Inglaterra; bajo). Todos provenían de familias de clase media y empezaron a tocar en el salón de música de la escuela, tomando el nombre del único día de la semana en que podían ensayar: On a Friday.Compartían su interés por Joy Division y The Smiths, y otros grupos como Magazine, Queen, R.E.M., Roxy Music y Elvis Costello, y se ganaron la simpatía de Yorke entrando en TNT después que él.

El apacible batería Phil Selway (1967, Hemmingford Grey, Inglaterra; batería) se unió a On a Friday. La adhesión del hermano de Colin y fanático del jazz, Jonny Greenwood (1971, Oxford, Inglaterra; guitarra/teclados) completó la alineación, originalmente con la armónica, después de agobiar sin descanso a su hermano mayor y a los amigos de éste para que le dejaran entrar en el grupo. En 1987, una semana después de su primer ensayo con el grupo, On a Friday hizo su debut en la ya desaparecida Jericho Tavern de Oxford. Con un canon musical que recordaba a unos jóvenes Talking Heads, añadieron dos hermanas que tocaban el saxofón para completar la alineación. Pero el grupo fue dejado temporalmente de lado mientras sus miembros terminaban sus estudios en un intento de apaciguar a sus ya frenéticos progenitores (Jonny terminó sus estudios).

Colin era oficial de festejos del Peterhouse College de la Universidad de Cambridge y ayudó a que sus amigos se reunieran allí para actuaciones esporádicas. En la Universidad de Exeter, Yorke tocaba la guitarra en un grupo techno, Flickernoise, mientras que Selway tocaba la batería en diversas producciones teatrales (Blood Brothers, Return to the Forbidden Planet) mientras estudiaba en la Politécnica de Liverpool.

El grupo se volvió a reunir en Liverpool en el verano de 1991, pero sin la sección de instrumentos de latón. On a Friday comenzó a lanzar demos, entre ellos el demo Manic Hedgehog, y volvieron a tocar conciertos. La popularidad de la banda en la región de Oxfordshire creció hasta el punto de aparecer en la portada de Curfew, una revista local de música. Aunque Oxfordshire y la región del valle del Támesis habían tenido una escena de música independiente activa a finales de los años ochenta y comienzos de los noventa, esta se centró en bandas de shoegazing como Ride y Slowdive. Radiohead no era visto como un grupo que encajara en este género, y comentaron que habían perdido rastro de este cuando habían regresado de la universidad.

A medida que los conciertos de On a Friday comenzaron a aumentar, varias discográficas empezaron a mostrar interés por la banda. Finalmente, el grupo firmó un contrato por seis discos con EMI. A instancias de la empresa la banda cambió su nombre al de una canción de los Talking Heads del álbum True Stories (1987), llamada Radio Head. El EP debut de la banda, Drill, fue producido por los managers de la banda Chris Hufford y Bryce Edge. Su primera actuación comercial fue consecuencia de que Prove yourself, del EP Drill, fuera elegida “Happening track of the week” por Gary Davies en la BBC Radio 1.

Con el lanzamiento de su primer sencillo, Creep, a finales de 1992, con una letra de autodesprecio ("soy repelente, soy un bicho raro, este no es mi sitio") que se extiende sobre unas guitarras arrastradas que, en un momento dado, simplemente explotan, la banda comenzó a recibir atención de la prensa musical británica, aunque no siempre favorable. NME los llamó "una imitación cobarde de una banda de rock", mientras que Creep fue retirada de BBC Radio 1 por considerársela "muy depresiva".

La banda lanzó en 1993 Pablo Honey, comenzó una gira por Norteamérica y lanzó el irreverente sencillo Pop is Dead (que no formaba parte del álbum). El grupo estuvo a punto de separarse cuando Creep se convirtió inesperadamente en un éxito repentino en Estados Unidos. Canciones del álbum como Anyone can play guitar, Stop whispering, Thinking about you, hicieron que a la banda se le reconociera como los Nirvana británicos. La gira de promoción de Pablo Honey duró casi dos años, y la popularidad del álbum creció internacionalmente, gracias principalmente al éxito de Creep, que se mantiene como la canción de mayor éxito de la banda a nivel mundial.

My iron lung EP (1994) contenía la canción del mismo nombre y fue lanzado mientras la banda estaba de gira, marcando una transición entre el pop-rock de Pablo Honey y los sonidos más profundos de su tercer álbum.

Tras estos dos años de actividad promocional, la banda comienza a trabajar en su siguiente disco, editándose The Bends en marzo de 1995. Con la presión de repetir éxito, el proceso de grabación no fue fácil. Tras no haber grabado apenas una nota en dos meses, las presiones dentro de la banda estaban muy altas, debido a que se sentían sofocados por el éxito de Creep y a la necesidad de hacer otro hit igual, o mejor. El productor John Leckie mandó salir del estudio a todos excepto a Yorke, y dijo al cantante que "se dejaran de joder y tocaran". Las canciones surgieron, y él y el resto del grupo se trasladaron a Abbey Road Studios para terminar el álbum en apenas tres semanas. The Bends no decepcionó, con una vibrante gama de estados de ánimo estimulados por las prosaicas y, sin embargo, conmovedoras letras de Yorke: "When your insides fall to pieces, you just sit there wishing you could still make love" (cuando tus entrañas se caen en pedazos, simplemente te quedas ahí deseando aún poder hacer el amor).

La banda finalmente alcanzó el éxito en Gran Bretaña (en medio del éxito de Oasis) y se ganó nuevos fans gracias a las densas atmósferas sobrecargadas de guitarras, que recuerdan curiosamente al disco The unforgettable fire de U2, como también el expresivo canto, a menudo en falsete, de Thom Yorke. El álbum produjo los singles Fake plastic trees, Just y High and dry, pero el mayor éxito vino con el último single, Street spirit (Fade out), que alcanzó el Top 5 en Gran Bretaña. A finales de 1995, The Bends había sido ensalzado universalmente, lo suficiente para ser nominados para los BRIT Awards (los Grammy británicos) como mejor grupo del año.

En otoño de 1995 Radiohead fue de gira con R.E.M., una de sus mayores influencias y, por aquel entonces, una de las bandas de rock más importantes del mundo. Después de que R.E.M. elogiara a Radiohead, los dos grupos continuaron una relación cercana y a menudo Michael Stipe actuó como mentor para su amigo Yorke. El ruido provocado por tener como fans a los R.E.M. y la rotación de videos como Just, contribuyó a hacer conocido a Radiohead fuera de Gran Bretaña.

Phil Selway comenta que cuando se publicó The Bends todo el mundo decía que era muy anti-comercial, y doce meses después ya se lo consideraba el disco un clásico del pop. También dice que la discográfica estaba preocupada por no tener ni siquiera un hit en el álbum, y que terminaron teniendo cinco Top 30. Sin embargo, aunque aclamado por la crítica, en el resto del mundo no logro tener el mismo éxito comercial que Creep. Destacó igualmente la colaboración tocando el violonchelo de Caroline Lavelle.

Después de The Bends, Yorke dijo que el próximo álbum querían producirlo ellos mismos. Ya tenían una canción para éste: Lucky, la cual fue grabada en septiembre de 1995 para un álbum de caridad: The Help Album, de la ONG, War Child.

Radiohead también compuso dos canciones para la adaptación de 1996 al cine del clásico Romeo + Julieta: Talk show host y Exit music (for a film). La primera era una remezcla de una cara B de Street spirit (Fade out). La segunda era una canción nueva, para ser incluida eventualmente en un nuevo álbum.

Con la ayuda de Nigel Godrich, Radiohead produjo su siguiente disco comprando su propio equipo de grabación y comenzando a trabajar a comienzos de 1996. Hacia julio ya habían grabado cuatro canciones con el coproductor Godrich, en su estudio de ensayo, Canned Applause, un cobertizo cerca del pueblo de Didcot, en Oxfordshire. Su plan era mantenerse alejados de los lugares convencionales de grabación.

Habiendo aprendido con The Bends, la banda decidió interpretar y perfeccionar sus canciones tocando en vivo, saliendo de gira brevemente como banda de apoyo de Alanis Morissette, antes de completar el álbum. El resto de éste fue grabado en la mansión del siglo XV de la actriz Jane Seymour. Las sesiones de grabación fueron relajadas, con la banda tocando todo el tiempo, grabando las canciones en los diferentes cuartos y escuchando a todo volumen a DJ Shadow, Ennio Morricone y la canción de los Beatles, I am the Walrus para inspirarse.
Desafortunadamente, un poco de la misma tensión de las sesiones de The Bends apareció de nuevo durante la etapa de selección de las canciones que compondrían el disco. Hacia finales de año el álbum estaba listo y en febrero/marzo de 1997 fue mezclado y masterizado.

Radiohead lanzó OK Computer en junio y julio de 1997, alcanzando un aún mayor favor de la crítica, que no tardó en considerarlo como una de las cumbres del rock en la última década, junto a discos tan importantes de los 90 como Nevermind, de Nirvana. Un álbum de rock melódico y sonidos hipnóticos con varios toques de electrónica y experimentación, y una voz que desgarra las letras; en OK Computer, Radiohead introduce elementos musicales poco comunes, experimentando con sonidos de ambiente, ruidos y electrónica. El disco incluye los singles Paranoid Android, Karma Police y No surprises; además de otra canciones favoritas del público como Let down (cuyo lanzamiento como single estaba planeado, aunque luego se canceló). OK Computer ganó un Grammy al mejor disco de rock alternativo y fue nominado a disco del año.

OK Computer estuvo acompañado por un tour mundial, llamado Against Demons, el más grande de la banda hasta el momento. Grant Gee, el director del vídeo de No surprises, acompañó a la banda en su gira y la filmó, para luego hacer el documental Meeting people is easy, lanzado en 1999. El documental muestra la mala voluntad de la banda con la industria de la música y el agotamiento que sufrieron sus integrantes luego de casi un año de gira (desde mediados de 1997 hasta mediados de 1998).

Radiohead también lanzó una compilación de sus videos musicales (7 Television Commercials, a principios de 1998) y dos EPs: No surprises/Running from demons (1997) y Airbag/How am I driving? (1998) durante este tiempo. El más notable es el segundo, que marcó una transición entre el rock alternativo progresivo de OK Computer y sus próximos trabajos, de un sonido más "atmosférico".

Agotados por la fama y la interminable gira de OK Computer de 1997 y 1998 la banda pasó el año siguiente en relativa calma. Thom Yorke después admitiría que durante ese período la banda estuvo cerca de separarse y que él mismo había desarrollado un tipo de depresión. La única aparición de Radiohead en los escenarios en 1998 fue a fines de ese año, para el concierto de Amnesty International en diciembre en París. En 1999 Thom y Jonny tocaron solos en el Tibetan Freedom Concert (concierto por la liberación del Tibet) en Amsterdam, interpretando además, una nueva canción: Egyptian song (la cual luego sería Pyramid song). Posteriormente presentarían en una transmisión por internet la también inédita Knives out. Ninguna de estas canciones se vería editada comercialmente sino hasta 2001.

A principios de 1999 Radiohead empezó a trabajar en un sucesor para OK Computer, pero de una manera menos organizada que con los anteriores discos. A pesar de que ya no había ninguna presión o un plazo límite de la discográfica, las tensiones durante este período fueron altas. Los diferentes integrantes tenían distintas visiones sobre el futuro de la banda y Yorke estaba experimentando un bloqueo creativo. Finalmente todos los miembros siguieron la nueva dirección hacia la cual se encaminaba la banda, redefiniendo sus lugares en ésta.

Por primera vez la banda grabó sin considerar tocar en vivo previamente; apartándose con el director Nigel Godrich en una serie de lugares que van desde estudios en París y Copenhague, hasta su propio estudio recién construido en Oxford para crear aproximadamente 40 nuevas canciones, de las cuales 30 luego formarían los siguientes discos de la banda y acompañarían las caras B de los singles. La banda se negó a crear una especie de secuela estilizada de OK Computer. El resultado fue un estilo más minimalista y texturado, con menos guitarras y más variedad de instrumentos musicales (como el Ondas Martenot, beats electrónicos, cuerdas y claxons de jazz), pero manteniendo algo de las letras y los ganchos musicales de sus anteriores discos. Finalmente el álbum estuvo terminado a principios de 2000, después de casi 18 meses.

Kid A, lanzado en octubre de 2000, fue el primero de los dos discos que salieron de esas grabaciones. Kid A muestra un salto hacia una experimentación electrónica más profunda: claustrofóbico, a veces exuberante y abrasivo y con letras aún más complejas; el álbum sorprendió tanto a la industria musical como a los fans de Radiohead debido a la salida de las convenciones del pop, y a la diferencia con sus anteriores trabajos. La banda se negó a lanzar ningún single, aparentemente sugiriendo que el álbum debía ser escuchado como una totalidad (sin embargo, la canción Optimistic, fue pasada ocasionalmente en las radios). En vez de singles, una serie de Video blips o Antivídeos de 30 segundos fueron creados por los directores de videos musicales Chris Bran y Shynola. Estos videos de animación parecen encajar con el estilo anti-comercial del disco.

A pesar de ser un álbum poco común, Kid A ubicó a Radiohead en lo más alto de los charts mundiales, debutando en el número 1 en varios países, a pesar de que su antecesor había alcanzado como mucho el puesto 22. El éxito de Kid A es atribuido a lo esperado que era el álbum después de OK Computer, y a que todas las canciones estuvieran tempranamente disponibles en la red de internet de intercambio de archivos Napster, acostumbrando a los fans a su nuevo estilo musical.

Al igual que su predecesor, Kid A ganó el premio Grammy al mejor disco alternativo y una nominación a disco del año; apareciendo, además, en varias listas de los mejores discos del año. Pero mientras la prensa seguía marcando a Radiohead como una de las más importantes bandas de rock, Kid A no inspiró sólo elogios. Jonny Greenwood explicó que la mayor parte de la gente estaba esperando una especie de combinación entre OK Computer y The Bends, con más guitarras. Sin embargo el disco cimentó la imagen del grupo como la de una banda misteriosa e innovadora. Mientras que muchos fans quedaron perplejos u horrorizados, otros ven en Kid A, uno de los mejores trabajos de Radiohead.

Inspirados en Naomi Klein y su manifiesto anti-globalización la banda realizó una gira europea en una gran tienda libre de logos corporativos, realizando sólo tres fechas en pequeños teatros en Norteamérica. Las entradas para estos shows se vendieron prácticamente al instante y atrajeron a muchas celebridades. Junto con canciones de Kid A (que fueron modificadas para tocarlas en vivo tras haberse terminado el álbum), la banda interpretó canciones que habían sido compuestas, pero no lanzadas. También lanzaron una edición especial de Kid A, con la forma de un libro para niños e incluyendo arte adicional hecho por Stanley Donwood y Tchock (el seudónimo de Thom Yorke).

El siguiente álbum de Radiohead, Amnesiac, fue lanzado en junio de 2001 y contiene más canciones de las mismas sesiones de grabación de Kid A. Concebidos como álbumes complementarios, los dos discos son similares en estilo e influencias. Amnesiac muestra al sonido de la banda, aun más que antes, como una especie de fusión entre música electrónica, jazz avant-garde y art-rock; aunque, a diferencia de Kid A, presenta canciones algo más accesibles, como la balada de piano Pyramid song (el primer single de Radiohead desde 1997) y el single guitarrero Knives out.

Amnesiac es visto a veces por los críticos como el menos “consumado” de los dos discos y ha sido criticado por su falta de cohesión. Sin embargo, a pesar de no compararse en ventas con su predecesor, obtuvo cierta consideración de la crítica y tuvo un moderado éxito comercial. Después del lanzamiento de Amnesiac la banda se embarcó en una gira de varios meses, tocando principalmente en grandes lugares al aire libre, y visitando Europa, Japón y Norteamérica; sin embargo, el tour fue mucho más corto que el de OK Computer, cuatro años antes. Radiohead también participó en su propio mini festival veraniego en South Park, Oxford, junto con artistas como Beck, Sigur Rós, Supergrass, y Humphrey Lyttelton (que tocó la trompeta en Life in a glasshouse, la canción que cierra Amnesiac).

I might be wrong, tema planeado originalmente para ser el tercer single de Amnesiac, se convirtió finalmente en el primero y hasta ahora único, disco de la banda en vivo. Lanzado en noviembre de 2001, I might be wrong: Live recordings contiene material de Kid A y Amnesiac de recitales en Berlín, París y Londres, entre otros lugares, además de incluir una canción que no había sido incluida antes en un álbum: True love waits, una de las favoritas de los fans. En este mini álbum las interpretaciones de The National Anthem, I might be wrong y Like spinning plates son bastantes diferentes que en sus respectivas versiones de estudio.

Mientras realizaban la gira de Amnesiac la banda compuso nuevo material entre julio y agosto de 2002. Usando esa oportunidad para terminar sus canciones ante sus fans, la banda completó el álbum en tan solo dos semanas, en un estudio de Los Angeles con Nigel Godrich; realizando solo unas grabaciones adicionales posteriormente en Oxford. De acuerdo a unas entrevistas, la banda estaba buscando bajar sus tendencias perfeccionistas y lograr un sonido más “en vivo”.

La banda lanzó su sexto álbum, Hail to the thief, en junio de 2003. El disco es considerado como un intento de destilar sus sonidos más electrónicos y experimentales y combinarlos con el rock guitarrero de sus primero álbumes. Con 14 canciones y casi una hora de duración, es el disco más largo de Radiohead. Hail to the thief recibió, en general, buenas críticas; sin embargo se opinó que el álbum cortaba con la tendencia de redefinir géneros que había iniciado OK Computer, y que Radiohead había mostrado con sus dos discos posteriores. Fue nominado al Grammy por mejor disco alternativo, la quinta nominación de la banda en ese rubro (contando el EP Airbag/How am I driving?)

El título de Hail to the thief fue considerado por la prensa como un comentario acerca de las controvertidas elecciones presidenciales de 2000 en Estados Unidos, pero Thom Yorke negó esto, diciendo que el título del álbum tiene un sentido más amplio y que si sólo se refiriera a esas elecciones sería bastante superficial. La banda ha comentado que temían una represalia en los Estados Unidos por el título y las letras políticas del disco, y que se sintieron aliviados cuando ésta no ocurrió.

Hail to the thief debutó en el puesto 3 en el chart Billboard en Estados Unidos, siendo el cuarto álbum consecutivo de la banda en debutar en el número 1 en Gran Bretaña. El primer single, There, there, llegó hasta el puesto 4 en los charts británicos; siguiéndoles Go to sleep y 2+2=5 (alcanzando los puestos 12 y 15, respectivamente).

Después del lanzamiento del disco la banda se embarcó en una gira mundial de alrededor de un año, pero estuvo marcada por largos descansos: ya para esta época la mayoría de los miembros de Radiohead tenían familias e hijos. A muchos les pareció que la banda estaba mucho más relajada que en sus anteriores giras, riendo en sus entrevistas y bailando en el escenario. Después de terminar la gira (a mediados del 2004) la banda comenzó a componer nuevo material, pero posteriormente se tomaron un descanso debido al nacimiento del hijo de Ed O’Brien. Libre de cualquier obligación por contrato Radiohead pasó el resto de 2004 descansando y trabajando en proyectos en solitario, grabando juntos esporádicamente. También lanzaron un DVD: The most gigantic lying mouth of all time.

Radiohead volvió al trabajo a principios de 2005. Como resultado del trabajo de la banda, Thom y Jonny estrenaron una nueva canción: Arpeggi en marzo de 2005. Poco después Thom interpretó un set acústico con Nude (apodada Big ideas), una vieja canción en la cual llevaban trabajando más de diez años, y que había sido tocada antes solamente en presentaciones en vivo; House of cards, una nueva canción; reviviendo Reckoner (que tampoco había salido en un disco) y Last flowers [to the hospital], un tema que quedó del período de OK Computer. Radiohead no tocó en vivo en el 2005.

En septiembre de 2005 la banda grabó una nueva canción (I want none of this) para el álbum de caridad de War Child, Help: A day in the life, una secuela del compilado de 1995 para el cual Radiohead colaboró con Lucky. El álbum se vendió mucho por internet y la canción de Radiohead fue la más descargada del disco.

Radiohead retornó a los estudios a fines de 2005, posteando de vez en cuando sus avances en su blog Dead Air Space. Las grabaciones continuaron a principios de 2006, pero esta vez la banda eligió a Mark “Spike” Tent como productor en vez de Nigel Godrich, con quien habían trabajado desde los tiempos de OK Computer. Según Ed O’Brien el cambio se realizó en buenos términos y se debió a que se sentían muy cómodos trabajando con Godrich, y que querían desafiarse a ellos mismos. Sin embargo, Nigel siguió de cerca sus sesiones de grabación y trabajará con la banda en el futuro.

Se desconoce si volverán a firmar con la discográfica EMI o con alguna otra compañía o si siquiera volverán a firmar un contrato, debido a que la banda parece estar disfrutando de su actual libertad creativa. En una entrevista en abril de 2006, Thom Yorke dijo que planean firmar con una compañía eventualmente, pero bajo sus propios términos y no saben si volverá a ser con EMI.

Desde mayo a junio de 2006 la banda tocó en Inglaterra y en grandes ciudades de Europa y Norteamérica, regresando a Europa para dar más conciertos en agosto de 2006. Thom también mencionó que tienen planeado el lanzamiento de un nuevo DVD en 2007 con su actuación en el recital de Bonnaroo.

El día 1 de Octubre de 2007, después de casi 4 años de espera, Radiohead anunció en su web que su nuevo álbum, In rainbows, estaba terminado y podía efectuarse una pre-compra del mismo en formato digital para descarga o en formato físico como envío postal. Esta decisión se tomó sin haber concretado aún con ninguna firma discográfica para la distribución de los discos, posible causa del particular método usado. El formato físico del álbum comprende dos CDs y dos discos de vinilo, así como extras en forma de fotografías digitales y librillo de letras. La mayor novedad del otro sistema de distribución, la descarga, ha sido que el usuario-comprador puede poner su propio precio a In rainbows, adquiriéndolo incluso gratuitamente desde la web In rainbows. La descarga se activó desde el 10 de octubre de 2007.

El disco es excelente. Un compendio de canciones sobre las que ha trabajado el grupo los últimos años, y en algún caso, como Nude, canciones de más antigüedad (no entró en el corte de OK Computer). Agradable de escuchar.

Trabajos Solistas

A finales de los 90, Ed O'Brien compuso algunas partes del soundtrack del show televisivo británico Eureka Street. El soundtrack fue lanzado en formato CD por la BBC. O’Brien contribuyó tocando la guitarra en varias canciones de Enemy of the enemy, un álbum de la Asian Dub Foundation en el que también participa Sinéad O'Connor.

En 2003, Jonny Greenwood lanzó Bodysong un soundtrack instrumental que el compuso para el documental del mismo nombre, dirigido por Simon Pummell. El soundtrack incluye diversas sonidos orquestales, la mayoría procesada electrónicamente, abarcando desde cuartetos de cuerdas a pianos y el ondas martenot. Éste fue el primer álbum de un miembro de Radiohead como solista, aunque el hermano de Jonny, Colin, participa tocando el bajo y programando. El ingeniero de Radiohead, Graeme Stewart también colaboró en el proyecto. Greenwood también aparece en el álbum de los Pavement, Terror Twilight tocando la armónica y la guitarra en varias canciones. Jonny Greenwood también aparece en el soundtrack de la película Harry Potter 3, compartiendo el escenario con el vocalista de la aclamada banda británica Pulp, Jarvis Cocker con el sencillo This is the nigth.

El primer álbum solista de Thom Yorke, intitulado The Eraser fue lanzado en julio de 2006 por XL Records (el mismo sello de los White Stripes) en Gran Bretaña y un día después en Estados Unidos. Inicialmente planeado como un álbum de electrónica instrumental, Yorke intenta “purgar sus tentaciones electrónicas” con canciones de corte artesanal y alejándose del formato “común” de canciones. Acerca de las sesiones de grabación Yorke dijo: “Me sentía como un niño en el aula cuando el maestro le da la espalda... Sentía esa sensación de placer y de juego". Otra cosa apasionante en la grabación de este disco fue la ausencia de un futuro planificado: no había una carrera proyectada, sino solo la libertad de hacer”. Yorke también aclara que es injusto hablar del disco como un “trabajo solista”, ya que eso “no suena bien”, y que contó con gran ayuda por parte del productor del disco Nigel Godrich. De las canciones de The Eraser solo Cymbal rush y The clock fueron tocadas en vivo por Radiohead.

Portadas y arte de discos

Además de su música, Radiohead se caracteriza por un curioso arte en su discos. El artista gráfico Stanley Donwood es otro colega de la banda, habiendo producido junto con Yorke (quien a menudo aparece bajo el pseudónimo Tchock, Tchocky, Dr. Tchock, o The White Chocolate Farm) todo el arte visual de la banda (excepto los video-clips) desde My Iron Lung.

Para Radiohead, Donwood ha creado arte que va desde pinturas al oleo a imágenes creadas por computadora y hasta collages (como los que aparecen en OK Computer). Donwood prefiere trabajar en el mismo lugar en el que la banda está grabando para así encontrar un "equivalente visual" a su sonido. Así el trabajo de Stanley ha influido en la imagen pública de la banda y es responsable de varios de los logos o imágenes con los cuales se identifica a Radiohead. Los temas que aparecen en su arte aparecen como un catalizador de los temas que trata Yorke en sus letras; y junto con este ganó un Grammy en 2002 por una edición especial de Amnesiac con forma de libro. La relación entre Yorke y Downwood se arrastra desde los tiempos en que ambos estudiaban arte en la Universidad de Exeter.



Canciones recomendadas:

You, Creep, How do you?, Stop whispering, Anyone can play guitar, I can't, Lurgee (Pablo Honey)

My iron lung, The trickster, You never wash up after yours (My iron lung)

Planet telex, The bends, High and dry, Fake plastic trees, Bones, (Nice dream), Just, My iron lung, Bullet proof...I wish I was, Black star, Sulk, Speed spirit (fade out) (The bends)

Airbag, Paranoid android, Subterranean homesick alien, Exit music (for a film), Let down, Karma Police, Climbing the walls, No surprises, Lucky, The tourist (OK Computer)

Everything in its right place, Kid A, The National Anthem, How to dissappear completely, Optimistic, Idioteque (Kid A)

Packt like sardines in a crushed tin, I might be wrong, Knives out, Dollars and Lewis (Amnesiac)

2 + 2 = 5, Sit down stand up, Backdrifts, Go to sleep, The sloaming, There there, Scatterbrain, Where I end and you begin (Hail to the thief)

The eraser, Analyse, The clock, Black swan, Atoms por peace, Cymbal rush (The eraser - Thom Yorke)

15 step, Bodysnatches, Nude, Weird fishes/Arpeggi, All I need, Reckoner, House of cards, Jigsaw falling into place, Videotape (In rainbows)


Os dejo una buena muestra de vídeos de este extraordinario grupo. Comenzando por el album Pablo Honey, su canción más emblemática, la que los dio a conocer en el mundo musical, Creep, con ese famoso riff a mitad de una canción melódica para imprimirle una fuerza sorpresiva:

Creep - Radiohead





Del album The bends, extraordinario, sus dos canciones más conocidas, bellísimas ambas, Street spirit y Fake plastic trees:

Street spirit - Radiohead

Fake plastic trees - Radiohead





Del album OK Computer, tres de sus mejores canciones, Karma Police, todo un himno musical, de lo mejor de la historia de la música; la balada No surprises, y Paranoid android:

Karma Police - Radiohead

No surprises - Radiohead

Paranoid android - Radiohead


Del rompedor Kid A (para el grupo fue como un Achtung baby U2siano, rompió con los moldes de sus trabajos anteriores) las dos mejores, sin duda. Everything in its right place, canción de la que el que escribe se enamoró a la primera audición (ese inicio de piano, y esa voz de Yorke en falsete); y Idioteque, más movida. Ambas son versiones no oficiales de vídeo, pues nunca se publicaron como single:


Everything in its right place - Radiohead




Idioteque - Radiohead



Del album Amnesiac, la melódica Knives out:

Knives out - Radiohead


Del album Hail to the thief, su single There there:

There there - Radiohead



Del album en solitario de Thom Yorke, The eraser, la canción Black swan:

Black swan - Thom Yorke



Y del último album publicado este mismo año, In rainbows, Jigsaw falling into place, Weird fishes/Arpeggi y Nude:

Jigsaw falling into place - Radiohead

Weird fishes/Arpeggi - Radiohead

Nude - Radiohead


En formato mp3 os dejo enlazadas dos de sus primeras canciones, Lurgee, del album Pablo Honey, y My iron lung, de The bends:

Lurgee

My iron lung