miércoles, mayo 28, 2014

THE STROKES

The Strokes son una banda de rock originaria de Nueva York, Estados Unidos, formada en 1998. Tras el lanzamiento de su aclamado álbum de debut Is this it en 2001, muchos críticos nombraron al grupo como "Los salvadores del rock", llegando a ser premiados como mejor banda extranjera en los Brit Awards de 2002. A partir de entonces, la banda ha sumado y mantenido una gran cantidad de seguidores y ha disfrutado de un gran éxito. Su álbum Is this it fue posicionado en el número 199 de la lista de Rolling Stone de Los mejores 500 álbumes de la historia, y en el número 8 de Los 100 mejores álbumes de debut de la historia.

Se puede afirmar que The Strokes es una banda que revive la música característica de los 70, mezclando el rock propio de los 60 y 70 (de bandas como The Who o los Jam de Paul Weller, propias de la onda modernista) con el punk primitivo propio, especialmente, de bandas como The Clash, los norteamericanos The Ramones o el punk salvaje de Sex Pistols, resucitando el término americano de "rock garage". El grupo tiene influencias marcadas como The Stooges, The Velvet Underground, John Lennon y Buddy Holly. El sentimiento bohemio y transgresor de la ciudad está presente en la mayoría de sus canciones. Su estilo musical es una mezcla de sonidos ásperos y dulces mezclados con riffs repetitivos, tienen melodías pegadizas y van desde las baladas hasta el punk, realizando fusiones de estilos, pero siempre conservando su sonido tan particular que los caracteriza, y para eso Casablancas aporta lo suyo con su voz rasgada y quebrada, sonando nostálgico y desafiante.

Julian Casablancas, vocalista del grupo, hijo de John Casablancas, fundador de la famosa agencia de modelos Elite Model Management, y de Jeanette Christiansen, modelo danesa, y biznieto del empresario sabadellense Ferran Casablancas, y Nikolai Fraiture, bajista, eran amigos desde que ambos coincidieron en el Liceo Francés de Nueva York. Nick Valensi, guitarrista principal, y Fabrizio Moretti, baterista, se conocieron cuando asistían a un concierto de Dragon Force. En el Instituto Le Rosey, en Suiza, Julian Casablancas (a quien su padre había enviado por problemas de conducta) y Albert Hammond Jr., guitarrista rítmico, se conocieron por el hecho de que los dos eran estadounidenses y hablaban el mismo idioma, aunque no eran muy amigos.

Años después, Casablancas se encontraría en las calles de New York con Hammond Jr., lo que resultaría en el comienzo de esta banda. Casualmente los dos vivían en apartamentos en la misma calle, uno enfrente del otro, ya que Hammond se había trasladado a Nueva York para acudir a la Escuela Tisch de Artes de la Universidad de Nueva York. Albert y Julian empezaron a compartir apartamento y en 1999 se convirtieron en una banda oficialmente, y tocaron por pequeños bares de Nueva York. Su popularidad creció rápidamente, especialmente en la Lower East Side de Nueva York, donde tocaron en The Spiral y el Luna Lounge. Empezaron a tocar en la popular Sala Lounge de Manhattan, donde Ryan Gentles era el encargado de la gestión de los espectáculos. Gentles estaba tan impresionado con la banda que dejó su trabajo para convertirse en su primer manager, buscándoles actuaciones con aforos más amplios.

Empezaron a ensayar duramente manteniendo sus trabajos diurnos (Casablancas era camarero, mientras Hammond trabajaba en Kim's Video) y formaron un repertorio de entre 10 y 12 canciones, entre las cuales estaban Last nite, The modern age, This life (actualmente titulada Trying your luck), New York City cops, Soma y Someday, entre otras. La mayoría de estas canciones tienen letras distintas en la actualidad. Durante ese tiempo también dejaron de tocar algunas canciones de su repertorio, que incluía Sagganuts, In her prime, Rhythm song, A minor 4-4 y tres canciones de título desconocido.

Gordon Raphael, un pequeño productor de rock de la escena musical de Nueva York, asistió a uno de sus primeros conciertos donde eran teloneros de Dragon Force, cuando realmente había ido a ver a la otra banda que tocaba esa velada, como confesó meses después. Raphael dio a Albert su número de teléfono, diciendo que podría grabar una maqueta para ellos. Después de llamarle un par de días más tarde, la banda y Raphael finalmente se reunieron.

El EP The modern age fue lanzado en 2001 por el sello Rough Trade, no suscitando gran atención al principio en su país de origen, aunque sí en Inglaterra, que mantuvo gran interés por la banda debido, posiblemente, a la necesidad de rock fresco, retro y alternativo y, al mismo tiempo, actual. El single The modern age llegó al número 78 de las listas británicas, y ya se había puesto a disposición vía sitio web de la revista británica NME la descarga gratuita de la canción Last nite justo una semana antes de la publicación del EP The modern age.

Después del éxito en Inglaterra, empezaron a sonar con fuerza en Estados Unidos, y se desató una guerra de pujas entre las discográficas, por ser, según ellas, la banda de rock and roll más grande que había surgido en años. A partir de entonces, empezaba el rápido ascenso de The Strokes hacia el estrellato. La crítica británica no tardó en colgarles la etiqueta de “the next best thing” y proclamarles como “los salvadores del rock'n'roll” o un puñado de niños ricos con nombres copados copiando a The Velvet Underground. Las dos bandas eran bastante parecidas, por el estilo vocal de Casablancas y Lou Reed que son bastante similares, y el estilo de cambiar quién toca la guitarra principal y quien la rítmica de Valensi y Hammond, que es bastante cercano al de Lou Reed y Sterling Morrison. El grupo estaba teniendo mucho más éxito en Inglaterra que en su país natal. Una gira por Reino Unido como teloneros de Doves acabaría de convencer al público británico de que el grupo iba a convertirse en la banda del año 2001, y el número de portadas que ocuparon en los semanarios musicales británicos es buena prueba de ello.

The Strokes lanzaron su primer disco Is this it en Estados Unidos en octubre de 2001 a través del sello RCA, después de algunos retrasos producidos por la portada del disco europeo (una foto en blanco y negro de una mano enguantada sobre un trasero desnudo femenino que se mostraba en semi-perfil, y que pertenecía a la novia del fotógrafo Colin Lane; la portada americana fue reemplazada a con una imagen de colisiones de partículas en la Big European Bubble Chamber), que había sido lanzado al mercado en agosto de 2001, y la eliminación del tema New York City cops. Ésta contenía la frase "New York City cops, they ain't too smart" (los policías de Nueva York no son muy inteligentes) en el coro, lo que el sello RCA encontró "políticamente incorrecto" estando tan cercanos los ataques del 11 de septiembre. El nombre de la canción fue cambiada por When it started.

El melódico garage-rock del disco recibió muy buenas críticas tanto de publicaciones independientes como de la industria musical, incluyendo una puntuación de 5 estrellas por la revista Rolling Stone, y apareció en varias listas de los mejores discos del año, siendo nombrado mejor disco del año por Entertainment Weekly y Time. La influencia setentera fue mencionada por muchos críticos, mostrando sonidos sucios, intensos ritmos y refrito de herencias sónicas en temas que denotan influencias de los Stooges, la Velvet Underground, Television e incluso del primer Tom Petty.

Después del lanzamiento de Is this it la banda recorrió exhaustivamente el mundo mediante giras, presentándose en Japón, Australia, Nueva Zelanda, Europa y Estados Unidos como teloneros de los Rolling Stones. La banda lideró el Reading Festival en Reino Unido en 2002, detalladamente redactado en crónicas en un mini-documental relativamente difícil de encontrar titulado In transit, publicado por los miembros del club de fans Alone, Together. En agosto de 2002 la banda tocó en el Radio City Music Hall (Nueva York) junto con The White Stripes. En esa presentación, Jack White se unió a The Strokes en escena para tocar el solo de guitarra en la canción New York City cops. Durante la actuación, Julian debió permanecer sentado, debido a una lesión sufrida en una rodilla. Lo mismo ocurrió en el Reading Festival. Durante tal período, la banda también fueron invitados musicales en Saturday Night Live (interpretando Last nite y Hard to explain), The Tonight Show with Jay Leno, Late Night with Conan O'Brien y The Late Show with David Letterman.

Is this it produjo cantidad de singles y videoclips, los cuales fueron todos dirigidos por Roman Coppola (hijo de Francis Ford Coppola), como Hard to explain o Last nite, canción con clara influencia de Lust for life de Iggy Pop. En 2009, NME nombró a Is this it el Mejor álbum de la década, y fue situado en 2º lugar en una lista similar recopilada por Rolling Stone, en cuya lista de Las 100 mejores canciones de la década de 2000 incluyó las canciones Hard to explain y Last nite, en los puestos 59 y 16, respectivamente.

El grupo empezó a grabar su segundo álbum en 2002 con el productor Nigel Godrich (conocido por su trabajo con Radiohead), pero más tarde se separaron de su producción a favor de Gordon Raphael, el productor de Is this it. Las grabaciones con Godrich nunca fueron reveladas. En agosto de 2003, la banda visitó Japón, tocando las canciones Reptilia, Meet me in the bathroom, The way it is, Between love & hate (también conocida como Ze Newie) y 12:51 (también conocida como Supernova). También tocaron My way de Paul Anka en japonés.

Room on fire es el segundo álbum de la banda, que sigue la misma línea del anterior Is this it, y aunque no fue tan aclamado como el primero, se pueden encontrar canciones de un nivel compositivo similar como Reptilia, 12:51, The end has no end, I can't win o Under the control, un corte casi soul a lo Marvin Gaye, mientras evoca también grupos como The Cars, Bob Marley y Blondie. Varios medios acusaron a éste cómo una repetición de su primer disco.

Lanzado en octubre de 2003, el álbum mostraba la evolución de la banda manteniendo sus ya familiares puntos de referencia. El primer single de Room on fire fue la canción 12:51, con los característicos sonidos de sintetizadores de guitarra (en los que se nota la influencia de The Cars), distintivos de la guitarra de Valensi, y se nota la evolución del trabajo de guitarras, con los riffs ahora sonando entrelazados. El vídeo fue dirigido por Roman Coppola e inspirado en la futurística apariencia de Tron. También en 2003, la revista británica NME lanzó un CD llamado Hanging with The Strokes, que consistía en 17 temas de los artistas que sirvieron de inspiración a los cinco neoyorkinos, entre los que se encuentran Ramones, Peter Tosh, Blondie, Black Rebel Motorcycle Club o The Velvet Underground, entre otros. Por esta época, Fabrizio Moretti comenzó su relación con la actriz Drew Barrymore, que finalizó en enero de 2007, lo que les reportó atención adicional de los medios de comunicación.

Durante la gira 2003/2004 Room on Fire Tour, la banda tocó con Kings of Leon y My Chemical Romance. Durante esta gira, Regina Spektor y The Strokes grabaron la canción Modern girls & old fashion men, lanzado como cara B del single Reptilia, canción que aparecería en el videojuego Guitar Hero III: Legends of Rock y en el videojuego Rock Band. También, la banda incluyó un cover de Clampdown de The Clash, que fue lanzado como cara B de The end has no end. Ya en 2004, The Strokes reveló sus planes de lanzar un álbum en vivo. El LP Live in London fue planeado para ser lanzado en octubre de 2004, pero fue abandonado, según se informa debido a los problemas de calidad de la grabación, que fue efectuada durante su actuación en el legendario Alexandra Palace del norte de Londres.

En febrero de 2005, Julian Casablancas se casó con su gran amiga y mánager asistente de la banda, Juliet Joslin. The Strokes desarrollaron una minigira de 3 conciertos en América del Sur en octubre de 2005, en Brasil, Chile y Argentina. Sus conciertos en Argentina y Chile incluyeron un cover de A salty salute, una canción escrita por la banda Guided by Voices.

En septiembre de 2005 fue lanzado Juicebox, primer single de First impressions of Earth en la tienda iTunes Music Store como una exclusiva de este servicio. El single llegó a los primeros puestos en diversas listas de popularidad tanto en Reino Unido como en Estados Unidos. First impressions of Earth, producido por David Kahne y Andy Wallace salió oficialmente en enero de 2006 y rápidamente llegó al puesto número 1 del ranking de Reino Unido y al 4 en Estados Unidos. En Japón consiguió Disco de oro en la primera semana de lanzamiento, y fue el álbum más descargado en atunes durante dos semanas. Aunque la prensa lo ha visto como un paso adelante de las dos grabaciones anteriores, la recepción de la crítica fue mixta, ya que el característico estilo musical de la banda se vio disminuido.

Durante noviembre y diciembre de 2005, The Strokes hicieron una gira de promoción para el aún no publicado álbum First impressions of Earth, presentándose en Tokio, Sydney, Londres, París, Amsterdam, Ghana, Berlín, Milán, Madrid, Chicago, Río de Janeiro, Los Ángeles, Buenos Aires y Santiago de Chile. Aproximadamente 600 entradas se dispusieron a cada función. Los fans incluso resistieron a los distintos factores climáticos acampando fuera de las taquillas de ventas de entradas en pleno invierno europeo. Estos conciertos atrajeron celebridades visitantes como Oasis, Franz Ferdinand, y Jarvis Cocker.

Cuando se pidió un comentario sobre el álbum, Julian dijo: "Es como una sandía sin semillas. Me gusta". En una posterior entrevista, Nikolai Fraiture contribuyó a la declaración de Julian agregando que el álbum era "como una brecha científica". Ya lanzado el disco, la banda reveló que habían construido su propio estudio en Hell's Kitchen (Nueva York), oficialmente llamado Red Carpet Studios.

La banda actuó por segunda vez en Saturday Night Live en enero de 2006, tocando dos canciones: Juicebox y You only live once. A finales de ese mismo mes interpretaron el primero de una gira de 18 conciertos con entradas agotadas por Reino Unido, la cual incluyó dos citas en el Hammersmith Apollo, donde The Strokes interpretó un cover sorpresa de Life's a gas de The Ramones. A finales de febrero de 2006, The Strokes fueron nominados como Mejor Banda Internacional por la revista NME. Julian agradeció a la revista diciendo que "era aún la mejor revista musical". Ya en marzo de 2006, The Strokes regresaron a Estados Unidos con su hasta en ese momento más larga gira, con 3 conciertos de entradas agotadas en el Hammerstein Ballroom en Nueva York.

El segundo single de First impressions of Earth fue Heart in a cage, lanzado en marzo de 2006, canción que recordó a los críticos a The passenger de Iggy Pop. El tercer single que se editaría sería You only live once, e incluía una versión de Mercy mercy me de Marvin Gaye en la que participaron Eddie Vedder, líder de Pearl Jam, y Josh Homme, de Queens of the Stone Age, poniéndose a la venta en julio de 2006.

First impressions of Earth supuso un cierto despegue del estilo de sus dos primeros álbumes, mostrando gran madurez en cada uno de los instrumentos y también gran calidad en las letras de las canciones. Otro cambio que se puede apreciar en este disco es que Casablancas demuestra mucha más concentración en lo que hace, demostrando que sus problemas con el alcohol son cosa del pasado.

Durante el verano de 2006, The Strokes tocaron en numerosos festivales en Europa, incluyendo los festivales Hultsfred en Suecia, Roskilde en Dinamarca, Oxegen en Irlanda, Montreux Jazz en Suiza, FIB en Benicàssim, Fuji Rock y Pentaport Rock en Corea del Sur. Después recorrieron Australia y México en agosto y septiembre, seguido por otra gira por Estados Unidos, donde actuaron como teloneros de Tom Petty & The Heartbreakers en 5 shows durante su gira Highway Companion Tour.

A principios de 2007, la banda de Casablancas se separó momentáneamente para que cada integrante se dedicase a sus carreras solistas, con el fin de realizar proyectos personales que tenían pendientes desde hace un tiempo; Casablancas colaboró haciendo segundas voces para Queens of The Stone Age, y Hammond Jr. se adentró en la grabación y promoción de su primer disco solista Yours to keep, que fue publicado a finales de 2006 en Reino Unido, y un año más tarde en Estados Unidos. Su segundo album, ¿Cómo te llama?, se publicó en julio de 2008, y un EP, AHJ, en 2013.

Durante un concierto en Estados Unidos en 2007, Julian Casablancas anunció que necesitaban un descanso y que se ausentarían momentáneamente, además de que querían probar a realizar trabajos como solistas. Más tarde un correo mandado por el mánager de The Strokes, Ryan Gentles, confirmó que necesitaban "romper" y descansar. En mayo de 2007 salió la página oficial del grupo The Strokes, con un vídeo inédito llamado You only live once dirigido por Wareen Fu. En 2007 la canción You talk way too much apareció en un anuncio comercial de Ford Sync. En 2007 la nueva asistente de mánager de The Strokes pasó a ser Aleksandra Cisneros.

Mientras la banda continuaba posponiendo el lanzamiento de su siguiente disco, sus miembros individuales continuaron trabajando su propio material. Moretti formó Little Joy con el cantante y guitarrista de Los Hermanos, Rodrigo Amarante, y la vocalista y guitarrista Binki Shapiro, publicando el LP Little Joy a finales de 2008, y más tarde trabajaría con Har Mar Superstar y Devendra Banhart; Fraiture había lanzado un LP en solitario como Nickel Eye a principios de 2009, Time of the assassins, con colaboraciones de Regina Spektor y Nick Zinner de Yeah Yeah Yeahs, y Casablancas debutó en solitario con Phrazes for the young (2009). Nick Valensi aportó vocales de acompañamiento al álbum de Little Joy de su compañero Moretti, y colaboró con Devendra Banhart.

Desde que se reunieron en febrero de 2009, comenzaron a componer un nuevo material de un álbum inspirado en Thin Lizzy, A-Ha y Elvis Costello. En una entrevista para la revista Rolling Stone, Julian Casablancas explicó que “el grupo se encuentra atrapado entre el rock de los 70 y la música del futuro”, y que “la comunicación y honestidad entre nosotros ha mejorado mucho”. En un artículo de NME, Pharrell Williams expresó su interés en producir este álbum, a lo siguió la noticia de que Casablancas había colaborado con Williams y Santigold en My drive thru, una canción para conmemorar el centenario del calzado Chuck Taylor All-Stars de Converse, que estuvo disponible como descarga gratuita en la web oficial de Converse. Finalmente se grabó en los estudios Avatar en NYC con Joe Chiccarelli (U2, The White Stripes, My Morning Jacket) como productor y Gus Oberg como ingeniero, y en la composición de los temas participaron todos los miembros del grupo, si bien Casablancas escribió la gran mayoría de las canciones.

Angles, que estaba previsto ser publicado a finales de 2009, por desacuerdos en la preparación de las canciones su lanzamiento a nivel mundial se demoró hasta marzo de 2011, y llevó al grupo a hacer una gira mundial tras el lanzamiento. The Strokes, junto con Arctic Monkeys y Portishead, fueron los primeros en confirmar su aparición en la edición 2011 en el FIB (Festival Internacional de Benicàssim) en España. Su primer single, Under cover of darkness, fue editado en febrero de 2011 en su página oficial como descarga gratuita solo durante 2 días y después como descarga en iTunes Store, con You’re so right en la cara B. Taken for a fool fue su segundo single, acompañado por un vídeo dirigido por Laurent Briet.

El bajista Nikolai Fraiture reveló que el álbum sería "un retorno a lo básico". Rolling Stone elogió Angles, diciendo: "es el mejor álbum desde Is this it". En el mismo artículo, Albert Hammond, Jr. explicaba el título del álbum, Angles: "Es como el disco suena. Viene de cinco personas diferentes". El single de la canción Machu Picchu apareció en el videojuego FIFA 2012.

En 2010, The Strokes actuaron en varios festivales, como Isle of Wight, Lollapalooza, Roskilde, Hurricane, Splendour In The Grass, Rockness, Outside Lands Music and Arts, On The Bright Side y Austin City Limits. El año siguiente, The Strokes fueron anunciados como las estrellas de los festivales de Coachella Valley Music and Arts y el Heritage de Jazz de Nueva Orleans en mayo, FIB de Benicàssim, Oxegen, Paléo, Peace & Love y Super Bock Super Rock en julio, y Reading y Summer Sonic en agosto. También fueron cabezas de cartel junto con Pulp en el festival de Leeds en agosto. En junio de 2010, la banda tocó en Dingwalls, Londres, en un espectáculo secreto bajo el nombre de Venison ante un aforo de unas 500 personas.

A principios de 2013, en la página de internet oficial de The Strokes se anunció un nuevo single, One way trigger. Dicha canción anunciaba la llegada ya muy próxima del nuevo álbum Comedown machine. One way trigger se pudo descargar gratuitamente en la página oficial solo durante unos días. Las personas que descargaron recibieron en su correo electrónico la canción One way trigger y unos días después el mail con el título del nombre de su nuevo álbum y el día que saldría a la venta. Comedown machine se lanzó a nivel mundial en marzo de 2013. Desde el mes de febrero, se podía escuchar y descargar su primer single oficial del álbum All the time, con Fast animals en la cara B, acompañado de un videoclip. El single fue descrito como un retorno a los sonidos clásicos de The Strokes de sus primeros álbumes Is this it y Room on fire.

En octubre de 2013, la banda reveló que estaban buscando “volver a escena” en 2014 con un álbum de continuación de Comedown machine. En diciembre de 2013, Albert Hammond, Jr. dijo que estaría interesado en tocar en solitario como telonero de The Strokes, si anunciaban una nueva gira: “Definitivamente, me gustaría preguntar a los chicos si podía abrir para ellos, lo que sería increíble”.

Fuentes: http://es.wikipedia.org, http://en.wikipedia.org, http://ca.wikipedia.org, http://rockclasico1.blogspot.com.es, http://perso.wanadoo.es, http://www.alohacriticon.com, http://www.lahiguera.net, http://suite101.net, http://www.sonorate.com, http://thestrokes.lacoctelera.net, http://www.rockandball.com.ar, http://www.allmusic.com, http://www.contactmusic.com, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

THE STROKES

Is this it, The modern age, Soma, Barely legal, Someday, Last nite, Hard to explain, New York City cops (Is this it)

What ever happened?, Reptilia, Automatic stop, 12:51, Between love & hate, Meet me in the bathroom, The end has no end, I can't win (Room on fire)

You only live once, Juicebox, Heart in a cage, On the other side, Electricityscape, Killing lies, 15 minutes, Ize of the world (First impressions of Earth)

Machu Picchu, Under cover of darkness, Two kinds of happiness, You're so right, Taken for a fool, Games, Metabolism (Angles)

Tap out, All the time, One way trigger, 80's comedown machine, 50/50, Chances, Happy ending (Comedown machine)

JULIAN CASABLANCAS

Out of the blue, Left & right in the dark, 11th dimension, Ludlow St., River of breaklights, Glass, Tourist, I wish it was Christmas today (Phrazes for the young)

LITTLE JOY (proyecto alternativo en que participaba Fabrizio Moretti)

The next time around, Brand new start, No one's better sake, Shoulder to shoulder, Keep me in mind, How to hang a warhol, Don't watch me dancing (Little Joy)

NICKEL EYE (proyecto alternativo en que participaba Nikolai Fraiture)

Intro (everytime), You and everyone else, Back from exile, This is the end, Brandy of the damned, Where the cold wind blows, Another sunny afternoon, Hey, that's no way to say goodbye (The time of the assassins)

ALBERT HAMMOND JR.

Cartoon music for superheroes, In transit, Everyone gets a star, Bright young thing, Back to the 101, Scared, Hard to live in the city (Yours to keep)

Bargain of a century, In a room, GfC, Rocket, Victory at Monterey, You won't be fooled by this, Spooky couch (¿Como te llama?)

St. Justice, Strange tidings, Cooker ship (AHJ EP)

Vídeos:

Last nite, The modern age, Hard to explain, Soma, Is this it y Someday, de su primer álbum Is this it:

Last nite - The Strokes


The modern age - The Strokes


Hard to explain - The Strokes


Soma - The Strokes


Is this it - The Strokes


Someday - The Strokes


Reptilia, 12:51 y The end has no end, de su álbum Room on fire:

Reptilia - The Strokes


12:51 - The Strokes


The end has no end - The Strokes


Juicebox, You only live once y Heart in a cage, del álbum First impressions of Earth:

Juicebox - The Strokes


You only live once - The Strokes


Heart in a cage - The Strokes


Under cover of darkness, Taken for a fool y Machu Picchu, del álbum Angles:

Under cover of darkness - The Strokes


Taken for a fool - The Strokes


Machu Picchu - The Strokes


All the time, One way trigger y Chances, del álbum Comedown machine:

All the time - The Strokes


One way trigger - The Strokes


Chances - The Strokes


De Julian Casablancas en solitario, 11th dimmension y Glass de su álbum Phrazes for the young:

11th dimmension - Julian Casablancas


Glass - Julian Casablancas


De Little Joy, proyecto alternativo de Fabrizio Moretti), Brand new start de su álbum Little Joy:

Brand new start - Little Joy


De Nickel Eye, proyecto alternativo de Nikolai Fraiture), Brandy of the damned de su álbum The time of the assasins:

Brandy of the damned - Nickel Eye


De Albert Hammond Jr en solitario, In transit de su álbum Yours to keep, GfC de su álbum ¿Como te llama?, y St. Justice de su EP AHJ:

In transit - Albert Hammond Jr.


GfC - Albert Hammond Jr.


St. Justice - Albert Hammond Jr.

domingo, mayo 25, 2014

Grandes álbumes: ALISON KRAUSS & ROBERT PLANT - Raising sand

Raising sand es un álbum de colaboración entre el cantante de rock Robert Plant y la cantante de bluegrass-country Alison Krauss, que fue lanzado en octubre de 2007 por Rounder Records. Raising sand ganó el premio de Disco del año en los premios Grammy de 2009. El álbum fue recibido con elogios de la crítica de música contemporánea. Fue clasificado en el puesto número 24 en la lista de Rolling Stone de los Top 50 álbumes de 2007. Being There lo mencionó como "uno de los mejores álbumes del año". JamBase consideró el álbum "sutil, enfocado y lleno de vida" y dijo que era "altamente recomendado". Village Voice comentó sobre el álbum, diciendo que era "poderosamente evocador y totalmente exterior, extrañamente familiar y profundamente gratificante". La salida del recopilatorio Mothership de Led Zeppelin eclipsó un poco el estreno del disco de Robert Plant, la voz del legendario grupo británico, y la primera dama del bluegrass, Alison Krauss.

Gone, gone, gone (done moved on) fue lanzada como single y ganó el premio de Mejor colaboración pop con vocales en el 50º certamen de los premios Grammy. La canción Killing the blues fue clasificada en el número 51 en la lista de Rolling Stone de Las 100 mejores canciones de 2007.

Bajo la mano de T-Bone Burnett, el talentoso productor que ideó la banda sonora de O brother y asistió artísticamente a grupos como Counting Crows o The Wallflowers, Raising sand está compuesto de viejas versiones que oscilan entre el folk, el country, el blues y el R&B. A pesar de que los trece temas elegidos por Krauss y Plant son canciones de artistas tan dispares como Tom Waits, Sam Philips, Townes Van Zandt, Gene Clark, los Everly Brothers e incluso algunos temas del disco que Plant grabó junto a Jimmy Page hacía más de diez años, este trabajo tiene un color muy propio. Las canciones parecen ser composiciones hechas a medida. El resultado es un álbum con un ambiente particularmente tranquilo de ritmos lentos y casi hipnóticos. La foto de la portada, en blanco y negro y con un grano generoso, añade un sentimiento de nostalgia a esta sensación de bienestar que se queda al escuchar Raising sand. Raising sand es un álbum de profunda y oscura cultura americana, un mosaico relumbrantemente hilvanado de country, R&B y cantautores que representa lo que Plant describe como "la América que siempre he amado musicalmente".

Aparte de la influencia en los estilos vocales de Plant y Krauss, el productor del álbum, T-Bone Burnett, fue acreditado como la persona que proporcionó al álbum su esquelético estilo musical, y quien efectuó la recopilación de canciones que formaron el setlist del disco. Entertainment Weekly describió la selección de las canciones versionadas que componían el álbum como "ecléctica", y Village Voice dijo que "T-Bone Burnett hace alarde de su típico genio de conservación con un conjunto de tonos de '¿nos hemos conocido antes?'" La calidad instrumental del álbum también fue elogiada; BBC describió el violín de Krauss como "fulgurante y puro", y Music Box dijo que "Krauss sobrepasa todas las expectativas". Los instrumentistas invitados también fueron elogiados, con BBC mencionando que "los músicos colaboradores hacen de este álbum una asombrosa, oscura y melancólica colección, comparable al magistral trabajo de Daniel Lanois en Time out of mind de Dylan".

La génesis del álbum provenía de cuando varios años atrás, Plant persuadió a Krauss a unirse a él en un homenaje a Leadbelly para la inducción de la leyenda del blues en el Rock and Roll Hall of Fame. Posteriormente, Krauss sugirió al productor T-Bone Burnett que supervisase su colaboración.

Lo que parecía ser una improbable vinculación entre el ex-vocalista de Led Zeppelin, Robert Plant, y la estrella del bluegrass Alison Krauss, se convirtió en realidad en uno de los dúos con sonido más espontáneo en la música popular moderna. El puente para este encuentro fue el productor T-Bone Burnett y el grupo reunido para este viaje: el baterista Jay Bellerose, el recto bajista Dennis Crouch, los guitarristas Marc Ribot y el propio Burnett, con Greg Leisz en guitarra steel, y otros colaboradores invitados, como la leyenda del folk Norman Blake. Krauss, una reconocida violinista, sólo toca su instrumento en dos canciones.

Los críticos elogiaron la armonización vocal entre Krauss y Plant, con un crítico escribiendo que "la clave de la magia es la deliciosa armonía vocal de este improbable dúo". Varios críticos musicales describieron la voz de Alison Krauss como "fascinante, dulce como la miel, emocional, empalagosa y evocadora". Por otro lado, los vocales de Robert Plant a veces de lamento fueron descritos como "orgásmicos y serpenteantes", con respecto a su papel protagonista.

Plant abandonaba sus típicos gritos roqueros para unir su voz a la de Krauss, en un disco de tonos suaves y tranquilos, que recrean una atmósfera entre mística y relajante. Plant canta con una pureza que remueve su marca registrada de teatralidad. Nunca ha sonado más encantadoramente afectado, especialmente en la melodía de Gene Clark (The Byrds) Polly come home y la exquisita joya de Dillard-Clark, Through the morning, through the night. El álbum hace referencias a la adoración de Plant por el rock de los 50 y 60 (Gone, gone, gone de los Everly Brothers, el hit pop de los 60 Fortune teller) y a las inclinaciones country de Krauss (Stick with me baby de Mel Tillis, una interpretación elevada de Nothin' de Townes Van Zandt).

Por su propia cuenta, la voz atronadora de Robert Plant y el encanto del contemporáneo bluegrass de Alison Krauss están entre los iconos más respetados en sus respectivos campos. Ella enlaza con el country y él es la esencia del rock and roll. Su fuerte identificación con formas tan dispares de música hacía su reto de estudio inusual para el álbum Raising sand tan inquietante como extraño. Sin embargo, su debut discográfico, con el apoyo de la radio comercial marginal, resultó en un sorprendente éxito.

El productor T-Bone Burnett sabía algo acerca de conseguir esas "casualidades", que había conseguido un éxito multiplatino con la banda sonora de O brother, where art thou? y se merece algo del crédito por los sorprendentes resultados de Raising sand. No sólo grabó las sesiones en Nashville usando su propia colección privada de equipo analógico oscuro, sino que también había montado la banda y sugirió la mayoría de las canciones folk y blues tradicionales en las que Plant y Krauss podrían estar de acuerdo.

"Cuando me llamaron la primera vez diciendo que querían grabar un disco", recuerda Burnett desde Los Angeles, "Robert estaba de gira por Europa, Alison estaba en Nashville, y yo estaba en British Columbia, así que empecé a hacer conferencias telefónicas y envíos de ida y vuelta tratando de decidir las canciones para hacer la música. Robert eligió algunas de las cosas de Nueva Orleans, Alison tenía algunas ideas propias y traté de unir los dos mundos. Una vez que teníamos el repertorio elegido, el resto fue fácil". No fue tan simple para Plant. Cantando canciones que nunca había cantado antes con Krauss y un grupo de músicos que no conocía, Plant no podía estar más fuera de su elemento en Nashville.

"A la hora de entrar en el estudio Sound Emporium donde T-Bone había establecido su equipo de músicos", declaró Plant, "fue como dejar caer un poco de agua en la portada interior de In through the out door (de Led Zeppelin), aparecían de repente todos los colores". "Hubo ese sonido increíble, muy pantanoso y desolado. Comenzamos con la canción Polly, que tenía que cantar frente a toda esta gente a la que no conocía. Una decisión difícil y sentí cierto temor, pero no habría aceptado el proyecto si no hubiera habido algún riesgo involucrado. Quería ir a lugares en que no había estado y probar cosas que no había hecho, sólo para ver si podía hacerlo".

Contrariamente a lo que muchos esperaban, Raising sand no es cualquier tipo de álbum de duetos convencionales de estilo convencional donde el hombre canta un verso, la mujer canta una respuesta y se reúnen en armonía en el estribillo. En cambio, se escucha cantar a Plant con Krauss prestando soporte y viceversa, pero con muy poca armonización real. Está más cerca en espíritu a una grabación de Isobel Campbell y Mark Lanegan que a cualquier country clásico.

"Hay una buena razón por la que no había ninguna armonía de referencia para cantar en el álbum: que jamás he cantado con nadie, nunca, y no había armonizado con nadie", continuaba Plant. "La canción Thank you de Led Zeppelin II contenía una pequeña parte de armonía, pero creo que Jimmy Page sólo trajo a uno de sus roadies para eso. Tengo una voz característica que la gente puede reconocer, pero nunca he sido entrenado en técnicas apropiadas de vocales y cantar armonías nunca ha sido parte de mi mundo".

"Más allá de la increíble gama y tono de Alison, me encanta la calidad de su voz y su enfoque completo, que es un gran contraste con mi estilo, así que pueden pasar cosas interesantes sin tener que criticarlas. Desde que John (Bonham) falleció, tuve que llevar el peso del espectáculo, así que es maravilloso dar un paso atrás y dejar que otra persona lo haga".

Con otros proyectos de dúo entre hombres y mujeres, el éxito depende más de la química entre los socios cantantes que de sus habilidades individuales, y también ayuda si la audiencia cree que puede haber algo más entre los dos fuera del escenario. "Me pregunto si deberíamos hacerlo," reía Plant. "No, sólo estoy bromeando. No sé qué es lo que tenemos, pero sea lo que sea, es in­fec­cioso, porque las mujeres siguen gritando emocionadas en nuestros espectáculos. La otra noche, Alison tenía esa mirada de interrogación y me preguntó, '¿por qué gritan tanto todas las damas y por qué apenas llevan ropa?' Le dije, 'deben ser fans de Union Station, querida. Han venido a verte'. Alison disfruta dándome lecciones sobre lo que he hecho en el pasado, las cosas que estoy haciendo ahora y lo que podría venir a la vuelta de la esquina".

En febrero de 2009, el álbum ganó los cinco apartados para los que fue nominado en los 51º premios Grammy: Álbum del año, Mejor álbum contemporáneo de Folk/Americana, Grabación del año (por Please read the letter), Mejor colaboración pop con vocales (para Rich woman), y Mejor colaboración country con vocales (por Killing the blues). Raising sand fue el segundo de los tres álbumes de country que han ganado el premio de Álbum del año, tras Taking the long way de Dixie Chicks, y posteriormente Fearless de Taylor Swift. El álbum también fue nominado para el premio Mercury 2008 en Reino Unido.

En diciembre de 2009, Rhapsody colocó el álbum en el número 2 en su lista de Los mejores álbumes de country de la década. El servicio de música online también lo mencionó como uno de sus álbumes de covers favorito de todos los tiempos.

El álbum debutó en el número 2 en Billboard 200, vendiendo unas 112 mil copias en su primera semana, la posición más alta de la lista conseguida por ambos artistas en sus trabajos en solitario, aunque Plant previamente había alcanzado el número 1 varias veces con Led Zeppelin. Raising sand fue certificado Disco de platino por la RIAA en marzo de 2008. Tras el éxito del álbum en los premios Grammy de 2009, el álbum encabezó las listas Billboard Top Rock Albums y Top Internet Albums por primera vez a finales de febrero de 2009. El álbum también llegó al número 1 en el Top Country Albums canadiense y también alcanzó el número 2 en Billboard Top Country Albums. El álbum entró en el Top 5 en la lista de álbumes británica, pasando a alcanzar el número 2 en enero de 2008. Fue número 1 en Noruega, número 2 en Suecia y Bélgica (Valonia), y número 3 en Nueva Zelanda.

Según Ken Irwin de Rounder Records y el productor Burnett, el dúo comenzó a trabajar en un segundo álbum en 2009. En una entrevista en 2010, Plant indicó que estas sesiones resultaron finalmente infructuosas.

Las dos canciones escritas por Gene Clark, Polly (come home) y Through the morning, through the night, fueron grabadas originalmente por Dillard amp; Clark para su álbum de 1969, Through the morning, through the night. Rich woman fue grabada por primera vez por McKinley Millet (como L'il Millet) y sus Creoles en 1955, para Specialty Records. Please, read the letter fue grabada por primera vez para el álbum de Page y Plant, Walking into Clarksdale, en 1998. Gone, gone, gone fue originalmente grabada por los Everly Brothers para Warner Music en 1964. Trampled rose fue originalmente escrita y grabada por Tom Waits y apareció en Real gone en 2004.

Sister Rosetta goes before us de Sam Phillips es una pieza central de este conjunto, que se entrega como una alucinación malhumorada que proviene de la estela de una angustia devastadora con su escenario desolado, con un fondo de pesada percusión tarantela, que podría haber llegado desde un disco de Tom Waits que no fuese tan intrincado melódicamente, y el swing zíngaro del violín de Krauss es un toque precioso, así como las armonizaciones vocales de Krauss y Plant. Es el tono más orgánicamente atmósferico del conjunto, no en términos de producción, sino por el contenido lírico y compositivo, dolorosamente entregado por Krauss contra un telón de fondo espartano de banjo y su propio violín.

La propia obsesión de Plant con viejas melodías de rockabilly y blues se sintió satisfecha con la canción inicial del conjunto, Rich woman, de Dorothy LaBostrie y McKinley Miller. La armonía vocal de Krauss subraya el discreto canturreo de Plant como un espejo. Killing the blues de Rollie Salley es un retrato de belleza otoñal que muestra guitarras suaves, amortiguada percusión y sonido atmosférico de dormitorio. No obstante, los dos vocalistas hacen una canción brillante que cobra vida con su dolor compartido. Plant, declarado fan de Clark, introdujo Polly come home y Through the morning, through the night, del segundo álbum de Dillard & Clark de 1969, Through the morning, through the night. La primera es una balada inolvidable elaborada en el estilo del viejo mundo folk, de la que Clark habría estado orgulloso. Refleja el mismo espíritu y carácter de su propio disco White light, pero con Plant y Krauss, el espíritu del estilo celta-apalachiano que influyó en el bluegrass, y el blues del Delta que influyó en el rock, se incumplen. Through the morning, through the night es una canción country de amor perdido contada desde el punto de vista de un forajido. Plant tiene su oportunidad rock con Gone, gone, gone (done moved on) de los Everly Brothers, una referencia que, por extraño que parezca, tiene sentido, teniendo en cuenta no sólo que su ex-compañero de banda Jimmy Page presuntamente contribuyó en la guitarra a la incursión de los The Everly Brothers de 1966 Two yanks in England, sino también que la combinación de música rural y rock and roll que empleaban los Everlys es lo que se encuentra en el corazón del plan de juego de Burnett, Krauss y Plant. Mientras que no suena nada como el original, la voz de Plant se eleva sobre las guitarras distorsionadas, introduciendo su pequeña improvisación blues típica entre los versículos.

Please, read the letter fue escrita por Plant, Page, Charlie Jones y Michael Lee. Las lentas, trabajosas, casi arrastrándose, armonías vocales de Krauss nos llevan a la siguiente etapa, agregando el tipo de profundidad solitario que hace de esta una canción susurrada bajo un cielo sin estrellas en lugar de otra canción de amor perdido. Trampled rose de Waits y Kathleen Brennan, es otra bella balada. El piano de juguete de Patrick Warren suena más como una marimba, y su órgano agrega naturaleza percusiva a este himno receloso de las profundidades. Cuando Krauss canta "You never pay just once/To get the job done", esta banda esquelética aumenta. El dobro de Ribot suena como un banjo desvencijado y tartamudea justo delante del bombo y la percusión en el conjunto de Bellerose. Fortune teller de Naomi Neville muestra a Burnett en su mejor momento como productor, dejando que la voz de Plant fuese fluyendo y los ritmos tambaleándose sintiéndose como una combinación del blues del Delta, Nueva Orleans de segunda línea y ritmos de tambor africanos. La guitarra está distorsionada, y los toques con su brillo metálico son un buen complemento a los bombos. La voz de Krauss muda en el fondo creando un espacio agradable para esa serie incesante de ritmos para interpretar.

Las siguientes tres melodías son reservadas, incluso para este conjunto ecléctico. La impresionante balada de Mel Tillis, Stick with me baby, suena más a Dion & The Belmonts cantada en la esquina de la calle. No hay ningún doo-wop, sólo la dulce melodía con los vocales fluyendo como un hechizo con una sección rítmica discreta pero pronunciada. Esta pequeña joya es seguida por una lectura de Nothin' de Townes Van Zandt elaborada en el estilo crepuscular de Led Zeppelin. Los lamentos del violín de Krauss sobre la pandereta, indistintos y distorsionados; las guitarras eléctricas de bajo tono y el encantador banjo haciendo ecos son una convincente manera de mover y rescatar la melodía desde el desorden sónico. La parte final de la trilogía es Let your loss be your lesson de Little Milton Campbell, un discordante country-rock de estilo Neil Young. Krauss hace aquí su propia imitación de Plant, con la banda haciendo una fenomenal interpretación. El inquietante, Your long journey de A.D. and Rosa Lee Watson, con su autoharp (interpretada por Mike Seeger), el banjo de Riley Baugus, el gran bajo de madera de Crouch y la guitarra acústica de Blake, componen una manera susurrante de enviar este conjunto de canciones de amor roto a través la noche. Las dos voces se funden juntas perfectamente; no siendo engullidas incluso cuando la producción es más grande que la canción; no se disparan, no claman, simplemente cantan canciones que ofrecen diferentes matices de significado como resultado de esta bienvenida colaboración.

Raising sand no es un disco fácil para recibir con los brazos abiertos, sin embargo es imposible perderse en su encanto hipnótico. T-Bone Burnett, Robert Plant y Alison Krauss combinaron sus talentos para grabar el disco, y la atmósfera íntima que crearon es simultáneamente escalofriante y cálida, aterradora y encantadora, inquietante y sensual. Los seguidores de Plant probablemente lamentarían el hecho de que los arreglos carecen de la furia atronadora e infernal de Led Zeppelin, mientras que los del bando de Krauss indudablemente se quejan de que las texturas bluegrass y pop por las que se la conoce son apenas reconocibles. Sólo los fans de Burnett, particularmente los de su trabajo en A boot and a shoe de Sam Phillips y su propio trabajo The true false identity, encontrarían el aire de familiaridad necesaria para captar el conjunto convenientemente.

En cierto sentido, Raising sand es un bebé de Burnett, quien hizo un magnífico trabajo para encontrar las canciones adecuadas y esculpir los arreglos perfectos para las interpretaciones de Plant y Krauss. En el transcurso de los últimos 15 años, Plant había evolucionado hasta convertirse en un cantante más completo, y a lo largo de Raising sand (que se basa considerablemente en su trabajo sobre Dreamland) muestra una interpretación gloriosamente inspirada que se erige como un espectáculo finalmente de contención contundente. Krauss, también supera todas las expectativas, convirtiendo las líneas de su violín en gritos de dolor, su voz en un murmullo fantasmal. Juntos, hacen una pareja perfecta. Inspirados, quizás, por la unión de Isobel Campbell y Mark Lanegan en Ballad of the broken seas, Plant y Krauss utilizan su reputación como su ventaja, enfrentando la luz contra la oscuridad, la inocencia contra la experiencia, la delicadeza contra el coraje.

En última instancia, sin embargo, Raising sand hace un boceto del lugar donde la América antigua y rara choca con el nuevo Estados Unidos más raro todavía. Las carreteras físicas y digitales que se han establecido a lo largo del siglo pasado pueden haber hecho del país (y del mundo) un lugar más pequeño, pero las distancias, una vez separados los habitantes de las comunidades rurales, aún resuenan a través de los filamentos separados y desconectados de la sociedad moderna. En la elaboración de Raising sand, Burnett, Plant y Krauss se atrevieron a imaginar cómo habrían sonado The basement tapes de Bob Dylan y Music from big pink de The Band si hubiesen sido grabados no como anticipación del Apocalipsis sino como resultado de sus consecuencias. En consecuencia, Raising sand es tan espeluznante como relajante; es tan hermoso como desconcertante.

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://www.allmusic.com, http://www.nowtoronto.com, http://www.jambase.com, http://www.villagevoice.com, http://www.ew.com, http://www.musicbox-online.com, http://www.ojosdepapel.com, http://www.rollingstone.com, http://www.theguardian.com, http://rincondesconexion.blogspot.com

Listado de canciones:

1.-   Rich woman
2.-   Killing the blues
3.-   Sister Rosetta goes before us
4.-   Polly come home
5.-   Gone gone gone (done moved on)
6.-   Through the morning, through the night
7.-   Please read the letter
8.-   Trampled rose
9.-   Fortune teller
10.- Stick with me baby
11.- Nothin'
12.- Let your loss be your lesson
13.- Your long journey

Vídeos:

Rich woman - Alison Kraus & Robert Plant


Killing the blues - Alison Kraus & Robert Plant


Sister Rosetta goes before us - Alison Kraus & Robert Plant


Polly come home - Alison Kraus & Robert Plant


Gone gone gone (done moved on) - Alison Kraus & Robert Plant


Through the morning, through the night - Alison Kraus & Robert Plant


Please read the letter - Alison Kraus & Robert Plant


Trampled rose - Alison Kraus & Robert Plant


Fortune teller - Alison Kraus & Robert Plant


Stick with me baby - Alison Kraus & Robert Plant


Nothin' - Alison Kraus & Robert Plant


Let your loss be your lesson - Alison Kraus & Robert Plant


Your long journey - Alison Kraus & Robert Plant

miércoles, mayo 21, 2014

RUSH

Rush es una banda canadiense de rock progresivo formada en agosto de 1968 en Sarnia, cerca de Toronto, Canadá. La formación se mantiene estable desde 1974, cuando Neil Peart reemplazó al baterista original, John Rutsey, antes de su primera gira estadounidense. Está integrada por el bajista, teclista y cantante Geddy Lee (Gary Lee Weinrib), el guitarrista Alex Lifeson (Alexander Zivojinovich) y el batería y letrista Neil Peart.

Desde el lanzamiento de su álbum debut homónimo en marzo de 1974, han sido reconocidos por su maestría musical, por sus complejas composiciones y por la ecléctica temática de sus letras, dominadas por la ciencia ficción, la fantasía, la filosofía libertaria y desarrollando también temas humanitarios, sociales, emocionales y medioambientales. Rush han sabido combinar la energía y la fuerza del heavy rock con el virtuosismo y la inteligencia del rock progresivo. Sus mayores virtudes siempre han sido la evolución constante, evitando conformarse con los triunfos anteriores, además de la fidelidad con la que interpretan en concierto su material tan cuidadosamente arreglado en el estudio.

Musicalmente, su estilo ha evolucionado a lo largo de los años; en sus primeros álbumes muestran una influencia del heavy metal inspirado en el blues muy semejante a los primeros trabajos hechos por Budgie. Después desarrollaron hard rock y rock progresivo, además de un período en el que predominó el uso de sintetizadores. Han influenciado a numerosos artistas y bandas, como Metallica, The Smashing Pumpkins y Primus, además de bandas de metal progresivo como Queensrÿche, Dream Theater y Symphony X.

Rush siempre ha sido una banda que ha llamado la atención de público con diversos gustos musicales. Con sus trabajos editados en forma continuada desde la década de 1970, a través de los años han sido valorados por amantes del metal, el rock progresivo y la música alternativa. Además, toda su trayectoria se ha caracterizado por sus importantes producciones en vivo, intercaladas entre una cierta cantidad de discos en estudio. Lo importante de los discos en vivo de Rush es que, de alguna forma, representan una manera de dar vuelta la página, de dar fin a una etapa para entrar en una nueva. Pocas bandas pueden jactarse de haber manejado tanta variedad musical a lo largo de 25 años de carrera y prácticamente ninguna podría haberlo hecho tan bien.

Han recibido seis premios canadienses Juno, además de entrar en el Canadian Music Hall of Fame en 1994. Han sido nominados siete veces al Grammy, cinco de ellas a Mejor actuación de rock instrumental, las dos últimas en 2008 y 2009. Sus miembros son considerados habilidosos instrumentistas y han recibido individualmente reconocimientos de prestigiosas revistas. En abril de 2013 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock. Además, Lee, Lifeson y Peart han sido condecorados con la Orden de Canadá, con el grado de Oficiales.

Se formaron originalmente en Sarnia, Ontario, Canadá, por Alex Lifeson, Jeff Jones (bajista y cantante) y John Rutsey (baterista). Dos semanas después de su formación, justo antes de su segundo concierto, Jones fue reemplazado por Geddy Lee, un amigo del colegio de Lifeson que era quien les prestaba el amplificador para que Jones pudiera tocar. Consistían en una banda especializada en versiones de Jimi Hendrix, Grand Funk, Iron Butterfly y Cream. Empezaron a tocar en fiestas escolares y en el circuito de pequeños pubs donde, gracias a una nueva ley que rebajaba de 21 a 19 años la edad necesaria para el consumo de alcohol, muchos muchachos tuvieron la posibilidad de conocerlos y apreciarlos. El joven promotor local Ray Daniels les brindó su primera gran ocasión: ser teloneros de New York Dolls para un concierto de éstos en Toronto. El hermano mayor de Rutsey fue quien sugirió el nombre del grupo, Rush, debido a la rapidez con que se manejaban los componentes del grupo.

Afianzada la formación y afinadas sus habilidades en los bares locales, en 1973 lanzaron su primer single, Not fade away, una versión del tema de Buddy Holly. La cara B era una composición original, You can't fight it, compuesta por Rutsey y Lee. El single tuvo un recibimiento tibio y, debido a diferencias con la compañía discográfica, formaron su propio sello independiente, Moon Records. El éxito obtenido en el circuito local convenció a Daniels para invertir un poco de dinero en la producción del primer álbum del grupo, ayudado por Terry Brown, un productor ya destacado por sus trabajos con otras bandas canadienses de fama, como April Wine, Thundermug y Procol Harum. Con la ayuda de Daniels y el ingeniero de sonido Terry Brown, en 1974 lanzaron su álbum de debut. Rush (1974), con grandes influencias de Led Zeppelin, y con canciones destacadas como Finding my way, In the moon o Working man, tuvo una limitada popularidad local hasta que la emisora de radio de Cleveland, WMMS, comenzó a radiarlo. Donna Halper, disc jockey y directiva de dicha emisora de radio, seleccionó la canción Working man como uno de sus temas habituales. La temática obrera de la canción ayudó a que gustara entre los seguidores del hard rock y a que el álbum se relanzara a través de Mercury Records en Estados Unidos, llegando al puesto 105 en Billboard 200 y consiguiendo Disco de oro.

Después del lanzamiento de su primer álbum, Rutsey abandonó el grupo en julio de 1974 debido a su diabetes y a su poca disposición para tocar en directo. Para sustituirlo, el resto del grupo llevó a cabo una serie de audiciones y, finalmente, contrataron a Neil Peart para reemplazar a Rutsey. Peart se unió oficialmente en julio de 1974, dos semanas antes de su primera gira estadounidense. Hicieron su primer concierto juntos, como teloneros de Uriah Heep y Manfred Mann ante más de 11 mil personas en el Civic Arena de Pittsburgh en agosto. Las críticas fueron adversas, pero un hecho era indiscutible: el suyo era el álbum de debut más vendido por Mercury de un grupo canadiense. Además de convertirse en el batería, Peart se convirtió en el principal letrista, en detrimento de Lee, que mostraba poco interés en escribir, a pesar de haber firmado las letras del álbum debut. El propio Lee, junto a Lifeson, se centró en los aspectos musicales.

Fly by night (1975), el primer álbum después del reclutamiento de Peart, incluyó por primera vez una pequeña historia épica, llamada By-Tor and the snow dog, repleta de complejos arreglos y de formatos multisección. La temática de las letras sufrió grandes cambios con Peart, debido a su interés por la literatura fantástica y la ciencia ficción. Aun así, a pesar de estas diferencias, parte de la música y de las canciones tenían similitudes con el estilo de blues que usaron en el álbum debut. En el álbum también se incluía la canción Rivendell, nombre extraído de El señor de los anillos de Tolkien, y Anthem, inspirada en la novela homónima de 1939 de Ayn Rand. Esta última procuró los primeros problemas a Rush en cuanto a sus conexiones con los textos de Rand, escritor ruso emigrado a Canadá y considerado, por algunos, de derechas; de ésta y de algunas otras canciones derivó una fama de banda "ambigua" en cuanto a su ideología. Se editaron como singles Fly by night y Making memories, y el álbum llegó al 113 en Billboard 200 y fue certificado Disco de platino por la RIAA.

Poco después del lanzamiento de Fly by night, sacaron al mercado Caress of steel, también en 1975, un álbum de hard rock de cinco temas con dos canciones de múltiples partes, The necromancer y The fountain of Lamneth, y otras más cortas como I think I'm going bald o Bastille day. Algunos críticos dijeron de Caress of steel que desentonaba, pero que era un movimiento audaz, debido al lanzamiento de dos álbumes consecutivos tan dispares, y por sus canciones, más dedicadas a las historias y atmósferas. Rush se estaban convirtiendo en algo más que una simple banda de hard rock; los temas estaban a años luz de la iconografía típica del heavy. Caress of steel fue número 148 en Billboard 200 y recibió Disco de oro, y aunque la intención era que el álbum fuera el pistoletazo de salida de la banda, vendió menos de lo esperado y la gira de promoción, Down the Tubes Tour, se tuvo que desarrollar en recintos pequeños.

En vista de esto, su discográfica les presionó para que su siguiente trabajo fuese más asequible para el público y más cercano a las modas de la época. Pero, ignorando estas peticiones, realizaron el álbum 2112, el cual se convirtió en su primer éxito comercial, número 61 en Billboard 200, y logró su primer Disco de platino en Canadá. El álbum describe la lucha de un hombre solo contra un mundo gobernado por los despóticos "curas del templo de Syrinx", en una sociedad gobernada en base a la lógica y en la que la música estaba fuera de la ley. Algunos críticos se enfurecieron ante la historia e intentaron interpretarla en base al logotipo del grupo: un hombre desnudo que se alejaba de una estrella roja. El álbum contaba con la canción 2112 de 20 minutos de duración, dividida en siete secciones, y otras destacables como The twilight zone, Something for nothing o Lessons. Su gira de promoción culminó con tres actuaciones en el Massey Hall de Toronto, que fueron grabadas para el lanzamiento del álbum All the world's a stage en directo. El crítico de allmusic.com, Greg Prato, lo señaló como el álbum que marca los límites entre sus primeros años y la siguiente era de su música.

Después de 2112, se establecieron en Reino Unido para grabar A farewell to kings (1977) y Hemispheres (1978), en los estudios Rockfield de Gales. Estos álbumes sirvieron para que expandieran el uso de elementos progresivos en su música. “Como nuestros gustos se estaban volviendo más oscuros”, declaraba Geddy Lee en una entrevista reciente, “descubrimos bandas más basadas en el rock progresivo como Yes, Van der Graaf Generator y King Crimson, y estábamos muy inspirados en esas bandas. Nos obligaron a hacer nuestra música más interesante y más compleja, e intentamos mezclarlo con nuestra propia personalidad para ver lo que nos podríamos inventar”. Sellos de identidad como el uso de sintetizadores, largas canciones conceptuales y complejos cambios de tempo se convirtieron en el nexo de sus composiciones. Para conseguir un registro de sonidos más amplio y progresivo, Alex Lifeson comenzó a experimentar con guitarras clásicas y de doce cuerdas, mientras que Geddy Lee añadió sintetizadores con pedal y Minimoogs. Asimismo, la percusión de Peart se tornó más diversa con triángulos, glockenspiel, temple blocks, cencerros, timbal de concierto, gong y campanas tubulares. Además de las adiciones instrumentales, siguieron los pasos del incipiente movimiento del rock progresivo componiendo canciones largas y conceptuales con temas de fantasía o ciencia ficción. Sin embargo, a medida que se acercaba la nueva década, comenzaron a alejarse de este estilo en favor de arreglos más cortos y, a menudo, más suaves. Las letras hasta este punto, mayoritariamente escritas por Peart, estaban fuertemente influidas por la poesía clásica, la literatura fantástica, la ciencia ficción y los escritos de la novelista Ayn Rand, como en su canción de 1975 Anthem de su álbum Fly by night, y específicamente reconocible en 2112. A farewell to kings fue el primer álbum oficialmente distribuido en Inglaterra y, además, el que señalaba el comienzo de las colaboraciones de Rush con los estudios Hypgnosis (los mismos de Pink Floyd y Led Zeppelin) para sus portadas, fue número 33 en Billboard 200 y logró Disco de platino.

Muchas de sus canciones recibieron muy poca exposición a causa de su duración, que en algunos casos era superior a los 10 minutos. Una notable excepción fue Closer to the heart, de 3 minutos, del álbum A farewell to kings, que fue escuchada ampliamente en las emisoras de radio, convirtiéndose posteriormente en la canción emblemática de la banda. Xanadu, del mismo disco, también se convirtió en una canción emblemática para los fans de Rush. El álbum Hemispheres seguiría el estilo más puro del rock progresivo, incuyendo una segunda parte de la canción Cygnus X-1 (cuya primera parte aparecía en el álbum anterior), una de las obras musicalmente más complejas de la banda, y la magistral composición instrumental La Villa Strangiato, con líneas de guitarra flamenca. Sería su último álbum épico, a pesar de que siguieron publicando canciones que podrían catalogarse dentro del rock progresivo. Hemispheres fue número 47 en Billboard 200 y consiguió Disco de platino.

Permanent waves (1980) cambió drásticamente su estilo musical con la inclusión de reggae y new wave. Aunque aún era evidente su estilo hard rock, se introducían cada vez más sintetizadores. Además, en parte por la poca radiodifusión que recibieron las largas canciones compuestas hasta el momento, optaron por canciones más cortas que retuviesen su tradicional complejidad y eficiencia musical en un formato más concentrado y arreglos más suaves. Aunque las canciones largas también tuvieron apariciones en este período, como Jacob’s ladder, Natural science y The camera eye, Rush ya no produciría temas largos en lo sucesivo, aunque muchas de las canciones de la banda tenían una duración de 5 a 6 minutos, lo que aún se encontraba fuera de lo convencional y acostumbrado en el mercado. Permanent waves incluyó canciones más cortas como The spirit of radio (que recibía su nombre en honor de la emisora de radio de Toronto, CFNY, y que llegó al número 51 en Billboard Hot 100) o Freewill, que ayudaron a que se convirtiese en su primer álbum en entrar en el Top 5 de Estados Unidos (número 4) y consiguiese 5 Discos de oro; ambas canciones siguen sonando en las radios de rock clásico de Canadá y Estados Unidos hoy en día. Mientras tanto, las letras de Peart pasaron a ser menos fantásticas o alegóricas para acercarse más a temas como el humanismo, lo social, lo emocional y lo metafísico. En julio de 1980, Rush se reunió con la banda de Toronto Max Webster para grabar Battle scar, que aparece en el disco Universal juveniles. Durante una gira conjunta, ambas bandas se unían en el escenario para tocar la canción, que servía de transición entre la actuación de Max Webster y la de Rush, y de precalentamiento para Peart. Además, el letrista de Max Webster, Pye Dubois ofreció a Rush una canción en la que había estado trabajando. La banda la aceptó y se convertiría, después del trabajo de Peart, en Tom Sawyer.

La popularidad de Rush llegó a lo más alto con Moving pictures (1981), una continuación de Permanent waves, donde proporcionaron al público canciones más accesibles y comerciales de rock-pop progresivo que les ayudaron a ganar en popularidad. La canción principal, Tom Sawyer, número 44 en Billboard 100, es seguramente la más conocida de la banda (incluso Geddy Lee lo califica como “el tema tradicional de Rush”), además de Limelight, que también recibió una buena acogida de seguidores y de emisoras de radio, y YYZ y Subdivisions, clásicos en sus conciertos. Moving pictures fue el último álbum en tener una canción larga, The camera eye, de diez minutos y medio. El tema contiene también varios sintetizadores, lo que daba pie a pensar que el estilo de la agrupación volvía a dar un giro. Moving pictures llegó al puesto número 3 de la lista Billboard 200 de álbumes y ha sido certificado cuádruple Disco de platino por la RIAA por ventas de más de 4 millones de copias.

Siguiendo el éxito de Moving pictures y sus otros cuatro álbumes, se lanzó su segundo álbum en directo Exit...Stage left (1981), el cual muestra todo el período más progresivo de Rush con grabaciones en directo de las giras de Permanent waves y de Moving pictures. Al igual que con su primer álbum en directo, Exit...Stage left, significó un punto de inflexión para un nuevo cambio en su sonido. Sufrieron un drástico cambio de estilo con el lanzamiento de Signals.

Los sintetizadores que tocaba Lee aparecieron en la música de la banda a finales de los años 70, como se aprecia en canciones como Countdown o Subdivisions, donde los teclados irrumpieron en las líneas melódicas abandonando el contrapunto de fondo. Estas canciones contienen líneas principales de sintetizador con acordes y solos de guitarra minimalistas, con la inclusión de otras adiciones instrumentales desconocidas hasta entonces, como en Losing it, con la colaboración de Ben Mink tocando el violín eléctrico.

Signals (1982) también representó una drástica transformación en su estilo. El álbum contiene su único single en entrar en el Top 40 de Estados Unidos, New world man, mientras que otras canciones más experimentales como Digital man, The weapon y Chemistry expandieron el uso del ska, el reggae o el funk. Aunque decidieron de forma consciente moverse en esta dirección, se sintieron poco satisfechos con el tratamiento que Terry Brown, su productor desde hacía tiempo, le dio a Signals, ya que éste no se sentía cómodo con el uso incrementado de los sintetizadores, y decidieron prescindir de él en 1983.

Para el siguiente álbum Grace under pressure (1984), siguieron el estilo y la producción de Signals. Fue Peart quien le puso el título, tomando prestadas las palabras que utilizó Ernest Hemingway para contestar a una pregunta de la bibliógrafa Dorothy Parker, para describir lo que pasó después de tomar la decisión de echar a Terry Brown. Contrataron al productor Steve Lillywhite, afamado por sus trabajos con Simple Minds y U2, para su producción, aunque en el último minuto, se echó atrás, a pesar del enfado de Lee, Lifeson y Peart. Lee dijo que "Steve Lillywhite realmente no es un hombre de palabra....después de aceptar hacer nuestro álbum, recibió una oferta de Simple Minds, cambió de idea, y se marchó... dejándonos en una posición terrible". Finalmente contrataron a Peter Henderson para la coproducción y para que ejerciese de ingeniero de sonido. Grace under pressure fue númeo 10 en Billboard 200 y consiguió Disco de platino.

Musicalmente, aunque el uso de los sintetizadores de Lee siguió siendo la piedra angular de la formación, su enfoque hacia las nuevas tecnologías, se vio complementada con la adaptación de las baterías y la percusión electrónica por parte de Peart. Las contribuciones de Lifeson se vieron ampliadas con respecto a su minimalista contribución en Signals. Aun así, muchas de sus texturas de guitarra se mantuvieron con acordes de reggae, funk y de new wave en canciones como Distant early warning, Red lenses, Red Sector A o The enemy within.

Con un nuevo productor, Peter Collins, se lanzó Power windows (1985) y Hold your fire (1987). La música de estos dos álbumes pone más énfasis y prominencia en el trabajo de múltiples capas del sintetizador de Lee. Aunque los seguidores y los críticos consideraron el trabajo de guitarra de Lifeson menguado, su presencia seguía palpable en The big money, single que entró en listas de ventas, con destellos en Grand designs, Middletown dreams y en Marathon. Lifeson, como muchos guitarristas de finales de los 80, experimentaba con procesadores que reducían su instrumento a acordes con reverberación y con finos punteos. Otras canciones destacables de Power windows fueron Territories, Mystic rhythms y Manhattan Project. Power windows fue número 10 en Billboard 200 y Disco de platino.

Hold your fire representa una modesta extensión de su estilo guitarrístico en Power windows, y, según el crítico de Allmusic, Eduardo Rivadavia, la culminación de esta época. En este álbum aparece el hit Time stand still, y otras canciones destacadas, como Prime mover o Turn the page. Mientras que los cinco álbumes previos de Rush fueron al menos Disco de platino, Hold your fire sólo llegó a ser certificado Disco de oro en noviembre de 1987, aunque llegó al puesto número 13 en la lista Billboard 200.

En 1989 se lanzó el tercer álbum en directo y en formato vídeo, A show of hands, a través de Mercury, tras las giras de Power windows y de Hold your fire, siendo una buena muestra de esta época de los años 80, que, aunque cambió el estilo del grupo bastante (más elegante, complaciente y producido), nunca se dejó atrapar por modas y estilos influyentes del momento, siempre manteniendo su individualidad. A show of hands fue bien recibido, aunque el crítico de la revista Rolling Stone, Michael Azerrad, dijo que sólo era "músculo musical", y que sus seguidores veían a su power trio favorito como "La Santa Trinidad". No obstante, A show of hands superó la certificación de Disco de oro, llegando al número 21 de la lista Billboard 200. Llegados a este punto, decidieron cambiar de discográfica, pasando de Mercury a Atlantic Records. Después de finalizar su contrato en 1989, Mercury lanzó un recopilatorio doble titulado Chronicles (1990).

Rush comenzaron a desviarse de su estilo de los 80 con los álbumes Presto (1989) y Roll the bones (1991), ambos producidos por el ingeniero y músico Rupert Hine, en los que llegan a coquetear con el jazz fusión. Estos dos álbumes ocultan el sonido saturado de teclados de producciones anteriores. Con el álbum Presto (número 13 en Billboard 200 y Disco de oro) se optó por unos arreglos más orientados a la guitarra que en sus dos previos álbumes de estudio, con temas destacables como Show don’t tell (número 1 en Billboard 200), The pass, Superconductor y War paint. Aunque aún utilizaban sintetizadores en muchas de sus canciones, el instrumento dejó de ser el centro de sus composiciones. Siguiendo este estilo, Roll the bones se enfocó básicamente en los tres instrumentos estándar del rock, dejando incluso menos lugar para los sintetizadores que su predecesor, destacando temas como Roll the bones o Dreamline. Mientras que musicalmente los dos álbumes no se alejan mucho de un sonido pop rock, Rush siguieron incorporando detalles de estilos musicales diversos. Roll the bones, por ejemplo, tiene elementos de funk y hip hop, mientras que la canción instrumental Where's my thing? contiene varios elementos de jazz. Esta vuelta a la base de tres instrumentos ayudó a cimentar los pilares de lo que serían sus álbumes de mitad de los años 1990, mucho más orientados hacia el rock. Roll the bones devolvió a Rush al Top 5 en Estados Unidos (número 3 en Billboard 200).

La transición de sintetizadores hacia arreglos instrumentales más orientados a la guitarra y a la fórmula de rock con contundente batería común siguió con su álbum Counterparts (1993), y su continuación Test for echo (1996), ambos producidos en colaboración con Peter Collins. Musicalmente, Counterparts y Test for echo son dos de los álbumes más orientados a la guitarra de Rush. Aunque la música en general no llega a ser rock progresivo, algunas canciones tienen un formato muy dinámico. Por ejemplo, Time and motion contiene múltiples cambios de tempo y uso de teclados, mientras que el tema instrumental Limbo, consiste en varios complejos pasajes musicales repetidos a lo largo del tema. Test for echo tiene mucho del estilo de hard rock/alternativo del álbum previo. El estilo de interpretación de Lifeson y Lee permanece casi igual; aunque, se aprecia una modificación en la técnica de Peart debido a su aprendizaje de jazz y swing con el instructor de batería Freddie Gruber entre Counterparts y Test for echo. De estos dos discos destacan temas como Cold fire, Stick it out (número 1 durante cuatro semanas en la lista Billboard Mainstream Rock) y Leave that thing alone (que obtuvo una nominación al Grammy por Mejor instrumental) de Counterpasts (el álbum llegó al número 2 en Billboard 200), y Resist y Test for echo (número 1 en Billboard Mainstream Rock) de Test for echo (el álbum fue Disco de oro y número 5 en Billboard 200). Entre ambos álbumes, Peart trabajó en un álbum de tributo al baterista Buddy Rich, y Lifeson trabajó en colaboración con Les Claypool de Primus y otros músicos bajo el nombre de Victor, publicando el álbum Victor (1996). En octubre de 1996, promocionando Test for echo, la banda se embarcó en una gira estadounidense, la primera sin teloneros, llamada An Evening with Rush. La gira se dividió en dos partes; una de ellas entre octubre y diciembre de 1996 y la otra entre mayo y julio de 1997, con un descanso entre ambas.

Después de terminar la gira de promoción de Test for echo en 1997, pararon durante cinco años debido en parte a las tragedias personales que vivió Peart. La muerte de su hija Selena en un accidente de coche en agosto de 1997 y la muerte de su esposa Jackie Taylor de cáncer en junio del año siguiente, provocó que Peart se retirara para entrar en un proceso de restauración personal, que el mismo denominó "una travesía sanadora", y se dedicase a viajar en una motocicleta por Estados Unidos, recorriendo 88.000 km. En algún momento del viaje, Peart decidió volver y después escribió el libro Ghost rider: Travels on the healing road como crónica de su viaje. En él cuenta cómo les dijo a sus compañeros en el funeral de Selena, "consideradme retirado". Durante este período, Geddy Lee grabó su álbum de debut en solitario My favourite headache (2000).

En noviembre de 1998 se lanzó un triple CD en directo llamado Different stages, dedicado a la memoria de Selena y Jacqueline. Mezclado por Paul Northfield y con ingeniería de Terry Brown, contiene tres discos con grabaciones de las giras de Counterparts, Test for echo y A farewell to kings, convirtiéndose en el cuarto álbum en directo de la banda. En él figuran grandes versiones de temas como Driven, Animate, Bravado, Show don’t tell y también los infaltables clásicos Tom Sawyer, Closer to the heart y Freewill, entre muchos otros. Con esto, Different stages suponía una retrospectiva definitiva del trabajo en vivo del grupo y de cómo su sonido fue cambiando a través de los años sin perder su poder y magia características.

Después de un tiempo de reflexión y de una visita al fotógrafo de la banda Andrew MacNaughtan en Los Angeles, Peart conoció a la que sería su segunda esposa, la fotógrafa Carrie Nuttall, con quien se casó en septiembre de 2000. A comienzos de 2001 anunció a sus compañeros de banda que estaba preparado para volver. Con la ayuda del productor Paul Northfield, Rush volvieron en mayo de 2002 con Vapor trails, compuesto y grabado en Toronto. Para anunciar el regreso y llamar la atención de sus seguidores, salió al mercado el primer single extraído del álbum, One little victory (número 10 en Billboard Mainstream Rock), lleno de tempos rápidos de guitarra y batería, e incluía la canción Ghost rider, basada en la travesía de Peart, y Peaceable kingdom, que cita los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York. Vapor trails, producido por Paul Northfield, es su primer álbum de estudio que no incluye ni un sólo sintetizador, órgano o teclado desde principios de los años 70. El álbum (número 6 en Billboard 200), bastante moderno y con un rock pesado, contiene mucha guitarra, aunque carece de solos de guitarra convencionales, una decisión tomada por Lifeson durante el proceso de composición. Según la banda, el proceso de creación de Vapor trails fue muy exigente y llevó casi catorce meses completarlo, el álbum que más tiempo les llevó componer y producir. Recibió buenas críticas y dio lugar a la primera gira de la banda en seis años, incluyendo los primeros conciertos de la banda en el Foro Sol de la Ciudad de México ante más de 60 mil personas, y en Brasil, donde tocaron ante numeroso público.

En octubre de 2003 se lanzó un triple CD/DVD llamado Rush in Rio que incluye el último concierto íntegro de la gira Vapor Trails Tour, grabado en el Estadio Maracaná de Rio de Janeiro, Brasil, en noviembre de 2002. Para la celebración de su 30º aniversario lanzaron en junio de 2004 un EP llamado Feedback, grabado en los suburbios de Toronto y que contiene ocho covers de artistas como Cream, The Who, Buffalo Springfield y The Yardbirds, bandas que los miembros de Rush citan como inspiración. En el verano de 2004, Rush comenzaron la gira 30th Anniversary Tour, tocando en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Italia, Suecia, República Checa y Holanda. En septiembre de 2004 grabaron un concierto en el Festhalle de Frankfurt, Alemania, para un DVD llamado R30: Live in Frankfurt, lanzado en noviembre de 2005.

En junio de 2006 fue lanzado Rush replay X 3, un boxset que consistía en la reedición digital de tres grabaciones originales de giras anteriormente editadas durante la década de los 80: Exit… Stage left, Grace under pressure y A show of hands, remasterizadas todas para DVD, y que incluía además un disco compacto con el audio de Grace Under Pressure Tour.

Durante las entrevistas promocionales del DVD R30: Live in Frankfurt, se reveló la intención de componer material nuevo a comienzos de 2006. En enero de 2006, mientras se encontraban en Toronto, Lifeson y Lee comenzaron el proceso de composición. Mientras tanto, Peart comenzó a escribir las letras en su residencia del sur de California. Para septiembre, Rush contrató al productor estadounidense Nick Raskulinecz para coproducir el álbum. La banda entró en los estudios Allaire, en Shokan, Nueva York, en noviembre de ese mismo año para grabarlo, llevándoles cinco semanas de trabajo. Las sesiones de grabación terminaron en diciembre. En febrero de 2007 se anunció en su página web el título del nuevo álbum, Snakes & arrows. El primer single, Far cry, fue lanzado en las emisoras de radio de Estados Unidos en marzo de 2007 y llegó al puesto número 2 de las listas Mediabase Mainstream y Radio and Records.

El sitio web de Rush, rediseñado en marzo para apoyar el álbum, también anunció que comenzarían una gira ese verano de 2007. Snakes & arrows se lanzó en mayo de 2007 en Estados Unidos, debutando en el puesto número 3 de la lista Billboard 200 con unas 93 mil copias vendidas en su primera semana. Este trabajo contiene 13 temas con un estilo musical que se acerca mucho al de los álbumes de la década de los 70, sin sintetizadores y conteniendo mucho sonido acústico. Para coincidir con la época de huracanes del Océano Atlántico, se lanzó la canción Spindrift como segundo single del álbum a principios de junio de 2007, mientras que The larger bowl (a pantoum) se lanzó como single a finales del mismo mes. The larger bowl entró en el Top 20 de las listas Mainstream Rock y Media Base Mainstream, aunque Spindrift no llegó a entrar en ninguna lista comercial de importancia. Otras canciones destacables fueron Malignant narcissism (nominada para un Grammy en la categoría de Mejor interpretación instrumental rock) o Far cry (número 22 en Billboard Mainstream Rock). La gira promocional Snakes and Arrows Tour comenzó a mediados de junio de 2007 en Atlanta, concluyendo a finales de octubre del mismo año en el Hartwall Arena de Helsinki, Finlandia.

La parte de la gira de 2008 dio comienzo en abril en San Juan, Puerto Rico, y terminó en julio en Noblesville, Indiana, en el Verizon Wireless Music Center. En abril se lanzó un doble álbum en directo que documenta la primera parte de la gira, Snakes & arrows Live, de las actuaciones a mediados de octubre en el Ahoy Arena de Rotterdam, Holanda, y que fue lanzado en noviembre en DVD y Blu-Ray. El vídeo también incluye metraje extraído de la segunda parte de la gira de 2008, grabado en el Verizon Wireless Amphitheater de Atlanta.

Cuando se acercaba al final de la gira de Snakes & arrows, anunciaron su primera aparición televisiva en Estados Unidos desde hacía treinta años. Stephen Colbert les entrevistó y tocaron Tom Sawyer en el programa The Colbert Report en julio de 2008. También hicieron una aparición en la película de comedia I love you, man.

En febrero de 2009, Lifeson comentó que la banda iba a comenzar a trabajar en un nuevo disco a finales de ese mismo año, nuevamente con el productor Nick Raskulinecz. En marzo de 2010, CBC colgó una entrevista con Lee y Lifeson donde hablaron de su inclusión en el Canadian Songwriters Hall of Fame en marzo de 2010, en el Toronto Centre for the Arts. Se les reconoció por las canciones Limelight, Closer to the heart, The spirit of radio, Tom Sawyer y Subdivisions. Además de comentar sobre esto, Lee y Lifeson hablaron sobre su futuro. Durante la entrevista, Lee dijo "... Hace un mes y medio no teníamos canciones. Ahora hemos estado componiendo y tenemos unas seis que nos encantan...". A finales de marzo de 2010, en una entrevista para The Globe and Mail, Lifeson confirmó que tenían media docena de canciones nuevas y que tenían planeado dos giras, una en verano de 2010 y otra para el verano del año siguiente. En aquel momento habló de primavera de 2011 como fecha del lanzamiento del nuevo disco. Poco después, Peart confirmó que nuevamente sería el coproductor Nick Raskulinecz.

En abril de 2010, Rush entraron de nuevo en los estudios Blackbird de Nashville junto a Raskulinecz para grabar Caravan y BU2B, dos nuevas canciones para el disco Clockwork angels. La mezcla corrió a cargo del ingeniero Richard Chycki en Sound Kitchen en Franklin, Tennessee. Caravan comenzó a sonar a principios de junio en las emisoras de radio y a través de descarga digital junto a BU2B. El sitio web de la banda y PR Newswire anunciaron que la banda iba a comenzar la gira Time Machine Tour. La primera parte de la gira comenzó a finales de junio en Albuquerque, Nuevo Mexico y terminó en octubre en Santiago, Chile. Durante la gira tocaron el álbum Moving pictures al completo, además de Caravan y BU2B. En principio Rush iban a volver al estudio después de completar el Time Machine Tour para publicar Clockwork angels en 2011; sin embargo, Rush anunciaron en noviembre que iban a prolongar el Time Machine Tour; la segunda parte de la gira comenzó a finales de marzo de 2011 en Fort Lauderdale y concluyó a principios de julio en George, Washington.

En noviembre de 2011, publicaron Time machine 2011: Live in Cleveland, un concierto que se editó en DVD, Blu-ray y doble CD del concierto de abril de 2011 en el Quicken Loans Arena de Cleveland, Ohio. Rush entró en los estudios Revolution Recording de Toronto, poco después de terminar la gira, para finalizar la grabación de Clockwork angels. El segundo single, Headlong flight, se lanzó en abril de 2012.

Clockwork angels se publicó en Estados Unidos y Canadá en junio de 2012 y el grupo comenzó una gira de promoción poco después. En agosto de 2011, Rush cambiaron su distribuidora estadounidense Atlantic Records y se pasaron a la subsidiaria de Warner Brothers, Roadrunner Records. No obstante, Anthem/Universal Music sigue distribuyendo sus lanzamientos en Canadá. Clockwork angels ganó el premio Progressive Music en el apartado Álbum del año 2012.

Durante la rama europea del tour Clockwork Angels, su show de junio de 2013 en el festival Sweden Rock fue su primera aparición en un festival en 30 años. Las actuaciones de la banda en Phoenix y Dallas a finales de noviembre fueron grabadas para un CD/DVD/Blu-ray vivo que fue lanzado a mediados de noviembre de 2013 con el título de Clockwork Angels Tour.

El estilo musical de Rush ha cambiado mucho a lo largo de los años. Su álbum de debut está fuertemente influenciado por el blues rock británico: una amalgama de sonidos y estilos de bandas como Cream, Led Zeppelin y Deep Purple. En los primeros álbumes su estilo era básicamente hard rock, con influencias de The Who y Led Zeppelin, y comenzaba a estar influido por el movimiento de rock progresivo británico de la época. En la tradición del rock progresivo, Rush compuso canciones largas con tempos irregulares y diversos combinados con letras inspiradas en la ciencia ficción y la fantasía; aunque no bajaron la intensidad de su sonido. Esta fusión de hard rock y rockprogresivo continuó hasta finales de los años 70. En los años 80 fusionaron su sonido con la moda de la época, experimentando con el new wave, el reggae y el pop rock. Este período incluyó el uso de gran diversidad de instrumentos como sintetizadores, secuenciadores y percusión electrónica. Con la llegada de los años 90 y con su sonido aún intacto, la banda transformó nuevamente su estilo para acoplarse al movimiento del rock alternativo del momento. En el nuevo milenio han regresado a sus raíces de rock and roll, aunque con producciones elaboradas. En palabras de Geddy Lee, "Rush no pueden seguir siendo considerados una banda heavy metal, si alguna vez lo fueron; tampoco es exacto describirlos como una banda pomposa o progresiva. Sólo somos tres hombres que empleamos nuestros propios y diferentes gustos personales. Tenemos muchos intereses e influencias e intentamos manifestarlos todavía por mucho tiempo".

Más de treinta años de actividad les han dado la posibilidad de diversificar su estilo a lo largo de su carrera. Como muchas bandas conocidas por su experimentación, dichos cambios han originado inevitables diferencias entre crítica y seguidores. La gran mayoría de su música ha incluido usualmente instrumentación sintética de una u otra forma, siendo amplia fuente de controversia, sobre todo la fuerte dependencia de sintetizadores y teclados en los años 80, visible en los álbumes Grace under pressure, Power windows y Hold your fire.

Los miembros del grupo han dicho que la gente "o los adoran o los odian", teniendo grandes detractores y una base de seguidores fieles. En julio de 2008, la revista Rolling Stone comentó que "los seguidores de Rush son los Trekkies/trekkers del rock". Desde la posibilidad que tuvieron en 1998 de conseguirlo, no fueron nominados durante muchos años para entrar en el Salón de la Fama del Rock and Roll de Estados Unidos. La negativa a incluirles puede ser una consecuencia de su insistencia en apartarse del orden establecido a la hora de promocionarse, en favor de mantener su independencia como banda. En 2013 finalmente fueron introducidos al Salón de la Fama del Rock and Roll.

Han sido citados como influencia por varios artistas musicales, incluyendo Anthrax, Foo Fighters, Metallica, Primus, Rage Against The Machine y The Smashing Pumpkins, así como por bandas de metal progresivo como Dream Theater y Symphony X. Trent Reznor considera a Rush una de sus bandas favoritas en el documental de 2010 Rush: beyond the lighted stage, y particularmente ha citado el álbum Signals como una influencia importante sobre cómo incorporar teclados y sintetizadores en hard rock.

Sus seguidores mencionan logros como su longevidad, su competencia e influencia, además de sus ventas comerciales y certificaciones RIAA. No obstante, Lifeson ha expresado su indiferencia diciendo "me importa un bledo, mira quiénes están nominados, es una broma". De todas formas, Rush se han ganado un reconocimiento en la cultura popular.

El alto registro vocal de Geddy Lee, ha sido siempre una de las firmas del grupo; y a veces un foco para las críticas, especialmente durante los primeros años de su carrera, cuando su voz era aguda, con gran similitud con otros vocalistas de la época como Robert Plant de Led Zeppelin. Aunque su voz se ha suavizado con los años, a menudo es descrita como "gemido". Sus habilidades instrumentales, por otro lado, rara vez han sido criticadas. Su estilo, técnica y habilidad tocando el bajo, han sido una influencia para el rock y el heavy metal, inspirando a músicos como Steve Harris de Iron Maiden, John Myung de Dream Theater, Les Claypool de Primus y Cliff Burton de Metallica, entre otros. Además, es reconocido por su habilidad en tocar varios instrumentos de forma simultánea. Hecho que muestra en sus actuaciones en directo, donde toca el bajo, canta, toca el teclado y usa un pedal MIDI, como en Tom Sawyer. Debido a esto, ha de quedarse estático en un sitio mientras se tocan las canciones de compleja instrumentación.

Lo más destacado de Alex Lifeson como guitarrista son sus riffs, efectos electrónicos y procesados, sus estructuras de cuerda poco ortodoxas y el uso de un copioso arsenal de equipamiento a lo largo de los años. A pesar de estas consideraciones, a menudo parece que queda relegado tras los otros miembros debido a las habilidades multiinstrumentales de Lee y el estatus como batería de Peart.

Durante su adolescencia fue influido por Jimi Hendrix, Pete Townshend, Jeff Beck, Eric Clapton y Jimmy Page. Por versatilidad, Lifeson incorporó guitarras españolas y clásicas al sonido enfocado a la guitarra de la banda en la década de los años 70. En los años 80 la guitarra se relevó a un segundo plano, debido a los teclados, mientras que a partir de los años 90 la guitarra de Lifeson volvió a liderar la banda, especialmente en el álbum Vapor trails. En las actuaciones en vivo, utiliza muchos efectos, procesadores y sintetizadores, además de hacer coros.

Neil Peart es comúnmente reconocido por los seguidores, críticos y músicos contemporáneos como uno de los mejores baterías de rock de todos los tiempos. Además, se le reconoce como uno de los que mejor utiliza los solos de batería en los conciertos. Inspirado inicialmente por Keith Moon, Peart absorbió la influencia de otros baterías de rock de las décadas de 1960 y 1970 como Ginger Baker, Carmine Appice y John Bonham. La incorporación de instrumentos inusuales (para baterías de la época) como cencerros, glockenspiel y campanas tubulares, junto a los elementos estándar de una batería, le ayudó a crear un estilo variado. Las baterías de Peart, constantemente remodeladas hasta hoy, le ofrecen una enorme variedad de sonidos. Durante dos décadas, Peart perfeccionó su técnica; cada nuevo álbum de Rush introducía nuevos elementos de percusión. En los años 90 reinventó su estilo junto al profesor de batería Freddie Gruber.

Peart fue fundamental en el grupo en cuanto que supo llevar el virtuosismo del jazz y la complejidad rítmica de la percusión al rock. Peart es también el letrista principal de la agrupación, gustando a lo largo de los años por su ecléctico estilo. Conocido por escribir suites conceptuales y canciones inspiradas en la literatura, las opiniones de los seguidores de la banda varían, entre cerebrales e intuitivas a pretenciosas y sermoneantes. En los primeros años de la formación, las letras de Peart eran básicamente sobre fantasía y ciencia ficción, aunque a partir de los años 80 comenzó a enfocarse más en temas sociales, emocionales y humanitarios. Las letras de Peart siguen creando división de opiniones. Por ejemplo, en 2007, se le situó en el puesto número 2 de la lista de los 40 peores letristas del rock de la revista Blender.

A lo largo de su carrera, han obtenido 24 Discos de oro y 14 Discos de platino (3 de los cuales han sido multiplatino), situándolos entre las cuatro bandas de rock que más álbumes han recibido Disco de oro de forma consecutiva. Se sitúan en el puesto número 78 de ventas en Estados Unidos según la RIAA con más de 25 millones de copias vendidas. Las ventas totales a nivel mundial son de aproximadamente 40 millones de copias.

Después de haber estado cinco años retirados (su álbum anterior al retiro Test for echo fue certificado Disco de oro y llegó al puesto número 5 en Billboard 200) han sido relegados casi exclusivamente a las emisoras de radio de rock clásico en Estados Unidos. Su regreso del retiro con el álbum Vapor trails llegó al número 6 de Billboard 200 en su primera semana de lanzamiento en 2002, con más de 108 mil copias vendidas, habiendo vendido aproximadamente 343 mil unidades hasta la fecha. La gira de promoción de Vapor trails recaudó más de 24 millones de dólares y ha sido su gira más multitudinaria hasta la fecha, con aforos repletos en sus conciertos, como por ejemplo, el de São Paulo, Brasil, con 60 mil seguidores.

No obstante, su triple CD en directo de 2003, Rush in Rio, fue certificado Disco de oro por la RIAA, siendo la cuarta década en la que habían conseguido un álbum certificado como mínimo Disco de oro. Además, en 2004, Feedback entró en el Top 20 de la lista Billboard 200 y recibió bastante radiodifusión. Su álbum Snakes & arrows, debutó en el puesto número 3 (sólo una posición por debajo del puesto más alto conseguido con su álbum de 1993, Counterparts) en Billboard 200 vendiendo aproximadamente 93 mil copias en su primera semana de lanzamiento. Esto supone su 13º álbum de estudio en llegar al Top 20 y el 27º en aparecer en la lista a lo largo de su carrera. Además, debutó en el puesto número 1 del Billboard Top Rock Albums, igual que en la lista de Top Internet Albums, cuando se lanzó en formato MVI al mes siguiente.

El equipo comparte una fuerte ética de trabajo, con el deseo de recrear las canciones de sus álbumes de la forma más fiel posible en sus actuaciones en directo. Para ello, a finales de los años 80, incluyó en su equipo de directo un rack de efectos digitales en tiempo real, para reproducir los sonidos que aparecen en sus versiones de estudio y que no se pueden conseguir en directo con instrumentos tradicionales.

En sus actuaciones en vivo, los tres músicos comparten la obligación del empleo de samplers a través de MIDI. Gracias a esta tecnología, el grupo es capaz de presentar sus arreglos en directo con la complejidad y fidelidad que aparecen en sus álbumes, sin tener que recurrir a grabaciones alternativas u otros músicos en el escenario. Este método de samplers es claramente visible en sus directos, y más específicamente en su DVD de 2005 R30: 30th Anniversary World Tour.

Un clásico en sus conciertos es el solo de batería de Peart, que se compone de una serie de rutinas coincidentes y una serie de improvisaciones, cambiando en cada gira. Desde mediados de los años 80, ha usado módulos de sonido MIDI para lanzar samplers de instrumentos de percusión, que de otra manera ocuparían mucho espacio, como marimbas, arpas, temple blocks, triángulos, glockenspiel, campanas o vibraslap, entre otros.

Rush participan de forma activa con varias causas benéficas. Fue una de las bandas que tocó en el Molson Canadian Rocks for Toronto, también llamado SARStock, en el Downsview Park de Toronto en julio de 2003, con una asistencia de más de medio millón de personas. El concierto se celebró para recaudar dinero tras la epidemia de SARS del año anterior. También ha defendido en numerosas ocasiones los derechos humanos, donando 100 mil dólares tras un concierto en Winnipeg en mayo de 2008. Rush continúan vendiendo camisetas y donando lo recaudado para el Museo canadiense de derechos humanos.

De forma individual también han tomado parte en acciones de filantropía. Lifeson ha supervisado y utilizado amplificadores Hughes & Kettner durante años. Supervisó la creación de un amplificador del cual se donan 50 dólares a UNICEF por cada unidad vendida. También aparecen en el álbum Songs for Tibet, junto a otros famosos en apoyo de la causa del Tíbet y el actual Dalái Lama Tenzin Gyatso, que puede descargarse en iTunes desde agosto de 2008 y también puede adquirirse en formato CD.

Desde 1974 a 2012 han editado 20 álbumes de estudio, 9 álbumes en directo y 8 álbumes recopilatorios. En Estados Unidos, los álbumes con más ventas son 2112 (1976), que ha vendido 3 millones de copias, Moving pictures (1981) con 4 millones de copias vendidas, y el recopilatorio Chronicles (1990 ) con 2 millones de álbumes vendidos.

Fuentes: http://es.wikipedia.org, http://en.wikipedia.org, http://ca.wikipedia.org, http://www.rockaxis.com, http://latabernaderael.wordpress.com, http://www.lastfm.es, http://historiasderock.es.tl, http://elbusmasrock-pop.blogspot.com.es, http://rockhall.com, http://www.rollingstone.com, http://www.starpulse.com, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

Finding my way, Here again, In the mood, Before and after, Working man (Rush)

Anthem, Best I can, By-Tor & the snow dog, Fly by night, Making memories, In the end (Fly by night)

Bastille day, Lakeside Park, The necromancer, The fountain of Lamneth (Caress of steel)

2112, A passage to Bangkok, The twilight zone, Lessons, Tears, Something for nothing (2112)

A farewell to kings, Xanadu, Closer to the heart, Cinderella man, Cygnus X-1 Book I: The voyage (A farewell to kings)

Cygnus X-1 Book II: Hemispheres, The trees, La Villa Strangiato (an exercise in self-indulgence) (Hemispheres)

The spirit of radio, Freewill, Jacob's ladder, Entre nous, Natural science (Permanent waves)

Tom Sawyer, Red Barchetta, YYZ, Limelight, The camera eye, Vital signs (Moving pictures)

Subdivisions, The analog kid, Digital man, The weapon, New world man, Countdown (Signals)

Distant early warning, Afterimage, Red sector A, The enemy within, The body electric, Between the wheels (Grace under pressure)

The big money, Grand designs, Manhattan project, Marathon, Mystic rhythms (Power windows)

Force ten, Time stand still, Open secrets, Prime mover, Lock and key, Mission (Hold your fire)

Show don't tell, Chain lightning, The pass, War paint, Presto, Superconductor (Presto)

Dreamline, Bravado, Roll the bones, Where's my thing? (Part IV, "Gangster of boats" Trilogy), Heresy, Ghost of a chance (Roll the bones)

Animate, Stick it out, Cut to the chase, Nobody's hero, Leave that thing alone, Cold fire, Everyday glory (Counterparts)

Test for echo, Driven, Half the world, The color of right, Totem, Virtuality, Resist (Test for echo)

Only little victory, Ceiling unlimited, Ghost rider, Peaceable kingdom, Secret touch, Earthshine, Sweet miracle, Nocturne (Vapor trails)

Summertime blues, For what it's worth, The seeker, Shapes of things, Crossroads (Feedback)

Far cry, Armor and sword, Workin' them angels, The larger bowl (a pantoum), Spindrift, The main monkey business, Faithless, Bravest face (Snakes & arrows)

Caravan, Clockwork angels, The anarchist, Seven cities of gold, The wreckers, Headlong flight, Wish them well, The garden (Clockwork angels)

VICTOR (proyecto alternativo de Alex Lifeson)

Promise, Mr. X, At the end, Shut up, shuttin' up, Strip and go naked, The big dance (Victor)

GEDDY LEE

My favourite headache, Working at perfekt, Runaway train, The angels' share, Home on the strange, Grace to grace (My favourite headache)

Vídeos:

Working man, de su primer álbum Rush:

Working man - Rush


Fly by night, de su álbum Fly by night:

Fly by night - Rush


The necromancer, de su álbum Caress of steel:

The necromancer - Rush


2112, de su álbum 2112:

2112 - Rush


Xanadu y Closer to the heart, de su álbum A farewell to kings:

Xanadu - Rush


Closer to the heart (live) - Rush


La Villa Strangiato (an exercise in self-indulgence), del álbum Hemispheres:

La Villa Strangiato (an exercise in self-indulgence)(live) - Rush


The spirit of radio y Freewill, del álbum Permanent waves:

The spirit of radio (live) - Rush


Freewill - Rush


Tom Sawyer y The camera eye, del álbum Moving pictures:

Tom Sawyer - Rush


The camera eye - Rush


New world man y Countdown, del álbum Signals:

New world man (live) - Rush


Countdown - Rush


Red sector A, del álbum Grace under pressure:

Red sector A - Rush


The big money y Mystic rhythms, del álbum Power windows:

The big money - Rush


Mystic rhythms - Rush


Time stand still, con Aimee Mann en vocales de acompañamiento, del álbum Hold your fire:

Time stand still - Rush


The pass, del álbum Presto:

The pass - Rush


Bravado, del álbum Roll the bones:

Bravado - Rush


Animate, del álbum Counterparts:

Animate - Rush


Driven, del álbum Test for echo:

Driven - Rush


Secret touch, del álbum Vapor trails:

Secret touch - Rush


Far cry, del álbum Snakes & arrows:

Far cry - Rush


Headlong flight y The garden, del álbum Clockwork angels:

Headlong flight - Rush


The garden - Rush


De Alex Lifeson con su proyecto Victor, Promise de su álbum Victor:

Promise - Victor


De Geddy Lee en solitario, Grace to grace de su álbum My favourite headache:

Grace to grace - Geddy Lee