domingo, septiembre 28, 2014

Grandes álbumes: BALAAM AND THE ANGEL - The greatest story ever told

Balaam amp; The Angel estaban a la vanguardia del movimiento goth de los años 80, tocando junto a algunas de las bandas más importante del momento y publicando una sucesión de discos aclamados por tanto sus propios sellos Chapter 22 como por Virgin Records. The greatest story ever told fue su álbum de debut, publicado en 1987, y remasterizado años después por Anagram/Cherry, incluyendo varios de los singles más memorables de la banda, como She knows, Slow down, o Light of the world, así como la versión espectacular 12" de esta última; además de varios temas bonus seleccionados que acompañaban el lanzamiento de los singles, junto con un libreto escrito en colaboración con Des Morris, que profundiza en el álbum y el entorno en que vivían entonces. La edición en CD incluía dos canciones adicionales, una de ellas Day and night, que formaba parte del 12" Day and night que salió al mercado previamente al LP.

A pesar de su atuendo goth, los escoceses hermanos Morris (el cantante y bajista Mark, el guitarrista Jim y el baterista Des) tenían en su corazón la música pop, un hecho que les costó mucho disfrazar en sus álbumes. Durante su infancia en Motherwell, trabajaban en la industria del entretenimiento como parte de un grupo de cabaret. Los tres hermanos comenzaron su carrera mientras eran todavía muy jóvenes en Motherwell, tocando en clubes y salas de cabaret, y más adultos se trasladaron a Cannock, Staffordshire, donde formaron Balaam & The Angel, comenzaron a sonar más orientados hacia el pop, pero se encontraron etiquetados más tarde en el movimiento de rock gótico tras una serie de conciertos como teloneros de The Cult, actuando como protegidos de la banda de Ian Astbury, predicando su propia marca distintiva de música alternativa y edificante filosofía social.

Inicialmente la banda había autoeditado tres EPs (World of light de 1984, Love me de 1985 y Day and night de 1986) mediante su propio sello discográfico Chapter 22, aparecieron en televisión (fue notable su participación en The Tube de Channel 4 interpretando Love me en febrero de 1985), y habían sido teloneros de la gira de The Cult. Tras aumentar su formación con el teclista Wendy Harper y ofrecérseles numerosas ofertas de grabación, firmaron con Virgin Records, con la que publicaron su álbum The greatest story ever told en 1986, que alcanzó el puesto número 67 en las listas británicas en agosto de 1986.

The greatest story ever told tiene un indudable encanto, y las melodías del trío con demasiada frecuencia están enterradas en débiles intentos de avivar un vago aire de amenaza. Para una denominada banda goth, éste es, quizás, su disco menos goth, en el que incluso incluye trompetas. El siguiente álbum, Live free or die, producido por el antiguo miembro del equipo de The Cult, Steve Brown, está más cerca del metal AOR estilo Van Halen.

The greatest story ever told es un álbum que ha formado parte desde entonces en muchos colecciones goth, posiblemente incluso llegando a ser considerado un clásico del estilo. Los siguientes dos años estuvieron de giras, viajaron a Estados Unidos con The Mission, Kiss y su compañero de sello Iggy Pop, y estuvieron escribiendo y grabando, eventualmente dando lugar a la adición de Ian McKean de Twenty Flight Rockers previamente a su gira de 1988 por Estados Unidos y el lanzamiento de Live free or die en medio del caos y la confusión dentro de Virgin, en plena recesión por la venta del sello, perdiendo el 80% de los grupos que tenía contratados.

Con la banda ya como cuarteto, Days of madness continuaba la incursión de los Balaams en el metal, desprovisto ya incluso de la leve desviación de los ganchos pop de sus trabajos predecesores.

El álbum comienza con un buen golpe de batería para iniciar la emblemática New kind of love, construida alrededor de acordes simples y un fantástico coro. Pronto destaca el primer single del disco, She knows, con un riff de guitarra repicando con potentes tambores de Des Morris; Burn me down es un número de ritmo lento que se hace eco de los sonidos de los años 60; Warm again, una pieza impresionante estilo The Doors; Walk away muestra el lado más goth de los Balaam & The Angel; Day and night, el segundo single; y Light of the world, cuya versión en 12" es de lo mejor de la banda.

Posteriormente se editaron como singles She knows, un 7" doble que incluía dos sesiones de radio que aparecieron en el segundo álbum del grupo, y Slow down.

Fuentes: http://www.cduniverse.com, http://eil.com, http://www.trouserpress.com, http://www.terrorizer.com, http://radiovickers.blogspot.com.es, http://www.reverbnation.com, http://www.raraavisstore.com, http://www.nme.com, http://www.amazon.co.uk, http://www.swapacd.com, http://elviajesonico.blogspot.com.es, http://lasgalletasdemaria.blogspot.com.es, http://ontheroadmagazine.blogspot.com.es, http://www.razorcake.org, http://rincondesconexion.blogspot.com.es

Listado de canciones:

1.-   New kind of love
2.-   Don't look down
3.-   She knows
4.-   Burn me down
5.-   Light of the world
6.-   Slow down
7.-   The wave
8.-   Warm again
9.-   Never end
10.- Nothing there at all
11.- Walk away
12.- Day & night
13.- Dreams wide awake
14.- Travel on
15.- In the morning
16.- Light of the world (12-inch version)

Vídeos:

New kind of love - Balaam and The Angel


Don't look down - Balaam and The Angel


She knows - Balaam and The Angel


Burn me down - Balaam and The Angel


Light of the world - Balaam and The Angel


Slow down- Balaam and The Angel


The wave - Balaam and The Angel


Warm again - Balaam and The Angel


Never end - Balaam and The Angel


Walk away - Balaam and The Angel


Day & night - Balaam and The Angel

miércoles, septiembre 24, 2014

THE ANTLERS

The Antlers son una banda de rock indie actualmente con sede en Brooklyn, Nueva York. Las letras y música de la banda son escritas y cantadas por Peter Silberman, y su música la componen e interpretan Silberman, Darby Cicci (trompeta, bajo acústico y eléctrico, teclados, sintetizadores, voz) y Michael Lerner (batería). La conformación de The Antlers se ha desarrollado desde un proyecto folk lo-fi de grabaciones en dormitorio, en un grupo de rock muy exuberante y orquestado con buena aptitud para la experimentación melodiosa y en capas. La instrumentación se compone de voces, guitarra eléctrica, teclados, sintetizadores, tambores y una gran variedad de otros instrumentos, como piano, instrumentos de viento, cuerdas y elementos electrónicos. Silberman declaró que el nombre de la banda fue tomado de la canción de The Microphones, Antlers.

Inicialmente, The Antlers fue un proyecto en solitario creado por el vocalista y guitarrista Peter Silberman inmediatamente después de trasladarse a Brooklyn, Nueva York. El primer álbum de Silberman, Uprooted, contiene nueve canciones que escribió y grabó como un proyecto en solitario, y que él mismo editó en 2006. El siguiente álbum, In the attic of the universe, también fue escrito y grabado por Silberman, y lanzado en noviembre de 2007 por Fall Records.

Las siguientes publicaciones de Silberman fueron dos EP titulados Cold war y New York hospitals, el último con las colaboraciones de Michael Lerner y Sharon Van Etten como invitados. Poco después, Michael Lerner y Darby Cicci se integraron en The Antlers, transformándolo en un grupo colaborativo.

El tercer larga duración de The Antlers, Hospice, una colección de canciones en su mayor parte autobiográficas que Silberman mencionó fueron “elegidas para hacerlas desaparecer”, marcó el comienzo del cambio del proyecto en solitario de Silberman hacia su encarnación como una banda completa, con importantes aportes de Lerner y Cicci, así como voces invitadas a cargo de Sharon Van Etten. La banda lanzó el álbum en marzo de 2009, vendiendo todas las cantidades en stock. Los miembros del grupo comentaron más tarde que prometieron más de lo que podían ofrecer, y acabaron firmando con la productora Frenchkiss Recods, con sede en Nueva York, que lanzó una versión remasterizada de Hospice en agosto de 2009. Silberman describió Hospice como la historia de una relación emocionalmente abusiva, contada a través de la analogía de un trabajador de un hospicio y un paciente enfermo terminal. Los 10 distintos capítulos de Hospice resuenan en debilitantes niveles sónicos y líricos, de la hipnótica arpa y la contrucción de tenso ajuste de Two, a los coros de Bear y los picos de orador de Sylvia, una de las mejores canciones del año. El álbum recibió elogios críticos por su narrativa y musicalidad, y desde entonces apareció en varias listas de mejores álbumes del año. La portada del álbum fue diseñada por Zan Goodman.

En mayo de 2011 The Antlers lanzó su cuarto álbum de estudio Burst apart a través de Frenchkiss Records en Estados Unidos y por Transgressive Records en Reino Unido, Europa y Japón. El álbum fue recibido con críticas positivas en la mayoría de publicaciones musicales (como New York Times, The Guardian, Under The Radar, y Pitchfork, que le dio el aval de la categoría 'Best new music') y fue considerado como un crecimiento exitoso desde su versión anterior Hospice, con un tono más electrónico. La portada de ilustración de Burst apart fue diseñada por Darby Cicci y Zan Goodman.

En noviembre de 2011, The Antlers lanzaron un EP titulado (together). El EP de 8 canciones consta de remixes y versiones alternativas de canciones de Burst apart, e incluye colaboraciones con varios artistas, incluyendo Bear in Heaven, Neon Indian y Nicole Atkins. Junto con las versiones alternativas de Burst apart, el EP también cuenta con un cover de VCR de The XX, un remix a cargo de PVT, y una nueva canción con Cicci en vocales. La portada de este EP fue diseñada por Darby Cicci.

En julio de 2012, The Antlers lanzó un EP de cuatro canciones titulado Undersea en ANTI- en Estados Unidos y Trangressors en Reino Unido y Europa. Este EP ha sido descrito por la banda como una imitación de "la serenidad de la deriva del sueño o de hundirse hasta el fondo del océano". El disco recibió elogios generalizados de la crítica, con Pitchfork afirmando que “la interacción mutuamente dependiente de la banda nunca ha sido más fuerte que aquí". Darby Cicci diseñó la portada del EP.

El quinto álbum de estudio del grupo, Familiars, fue publicado en junio de 2014 por ANTI- en Estados Unidos y Transgressive en Reino Unido y Europa. El álbum fue grabado y producido por la banda en sus estudios de Brooklyn y mezclado por Chris Coady. En marzo de 2014, tras editar un enigmático vídeo de adelanto la semana anterior, la banda anunció el lanzamiento del álbum de nueve canciones junto con un vídeo musical para el primer single del disco, Palace. El vídeo fue dirigido por Hana Tajima. Darby Cicci diseñó la portada del álbum.

Con un tono más esperanzador que sus trabajos predecesores, el nuevo álbum emana una liberación palpable de desesperación y un entusiasmo casi operístico en nueve canciones que tomaron forma durante un año y medio, y que fue grabado por la banda en sus estudios de Brooklyn. Familiars se mueve entre la odisea emocional y espiritual de The Antlers, junto con una paleta de sonidos que se disparan y retiran bajo un dosel de símbolos electrónicos y latidos del corazón arrítmicos constantes de los desconcertantes tambores de Lerner. Un coro de trompetas fúnebres funcionan como una segunda voz a través de las canciones.

Familiars recibió muy buenas críticas de publicaciones como Rolling Stone, quien comentaba que "Familiars encuentra a The Antlers en un nuevo y magnífico nivel de intensa composición". Muchos críticos aludían al crecimiento del enfoque artístico de The Antlers en el álbum. MOJO denominó el trabajo como “de belleza existencialnente cuidada... convirtiendo a la agonía en algo parecido al éxtasis. Familiars podría ser el trabajo definitorio del la huella de la banda en la escena moderna del rock indie. Loud and Quiet comentaba comentaba sobre el éxito del disco: “combustión lenta, ecuánime y ricamente hermoso... The Antlers han sido responsables de un puñado de los momentos más cambiantes del soul en el indie-rock basado en guitarras de los últimos años, y esto debería ver a la banda cimentar su lugar en las altas esferas del género”.

The Antlers han actuado en los mejores festivales, como el Festival Centro en Colombia y el Formoz Festival en Taipei en 2013; en Bonnaroo, Lowlands, All Tomorrow’s Parties, Untapped, End of The Road, Pukkelpop en Bélgica y OFF en Polonia, en 2012; Austin City Limits, Sasquatch y Great Escape, en 2011; Primavera Sound, Osheaga y Lollapalooza, en 2010; y apoyaron a The National en varias fechas de su gira en junio de 2010. Actualmente se encuentran de gira de promoción de Familiars, que comenzó en junio en Estados Unidos y continuará en Europa a partir de octubre.

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://es.wikipedia.org, http://www.allmusic.com, http://artists.letssingit.com, http://www.leedsmusicscene.net, http://www.axs.com, http://www.artistdirect.com, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

First field, Keys, Flash floods don't retreat, Nashua, I'm hibernating (Uprooted)

I'm hibernating (accordion) (February tape EP)

East river Berlin wall, Cold war (Cold war EP)

In the attic, On the roof, The universe is going to catch you, The carrying arms, Stairs to the attic (In the attic of the universe)

Nothing matters when we're dancing, Sylvia (an introduction) (New York hospitals EP)

Kettering, Sylvia, Atrophy, Bear, Two, Wake, Epilogue (Hospice)

I don't want love, French exit, No widows, Rolled together, Every night my teeth are falling out, Hounds, Corsicana, Putting the dog to sleep (Burst apart)

Parentheses (con PVT), Tongue tied, Hounds (con Nicole Atkins), Rolled together (con Neon Indian), Parentheses (con Bear In Heaven) (together EP)

Drift dive, Endless ladder, Zelda (Undersea EP)

Palace, Doppelgänger, Hotel, Director, Parade, Refuge (Familiars)

Vídeos:

Nashua y Flash floods don't retreat, de su primer álbum Uprooted:

Nashua - The Antlers


Flash floods don't retreat - The Antlers


East river Berlin wall, del EP Cold war:

East river Berlin wall - The Antlers


The universe is going to catch you y On the roof, del álbum In the attic of the universe:

The universe is going to catch you - The Antlers


On the roof - The Antlers


Bear, Two, Sylvia y Kettering, del álbum Hospice:

Bear - The Antlers


Two - The Antlers


Sylvia - The Antlers


Kettering - The Antlers


I don't want love, French exit, No widows y Every night my teeth are falling out, del álbum Burst apart:

I don't want love - The Antlers


French exit - The Antlers


No widows - The Antlers


Every night my teeth are falling out - The Antlers


Hounds, con Nicole Atkins, del EP (together):

Hounds - The Antlers feat. Nicole Atkins


Drift dive, del EP Undersea:

Drift dive - The Antlers


Palace, Hotel, Doppelgänger y Refuge, del álbum Familiars:

Palace - The Antlers


Hotel - The Antlers


Doppelgänger - The Antlers


Refuge - The Antlers

domingo, septiembre 21, 2014

Grandes álbumes: RED HOT CHILI PEPPERS - Blood sugar sex magik

Blood sugar sex magik es el quinto álbum de estudio de la banda estadounidense funk-rock Red Hot Chili Peppers, lanzado en septiembre de 1991. Producido por Rick Rubin, fue la primera grabación de la banda con Warner Bros. Records. Los estilos musicales de Blood sugar sex magik difieren notablemente de las técnicas empleadas en el álbum anterior de los Chili Peppers, Mother's milk, y contiene un menor uso de riffs de guitarra de heavy metal. El disco incorporó insinuaciones sexuales, referencias a las drogas y a la muerte, y temas como la lujuria y la exuberancia. En su esencia el álbum no es más que un revoltijo de estilos, una suma de sus influencias que van desde Public Enemy a Jimi Hendrix, y de Parliament/Funkadelic a X.

Blood sugar sex magik vendió más de 7 millones de copias sólo en Estados Unidos e introdujo a los Red Hot Chili Peppers a la popularidad mainstream, recibiendo la aclamación crítica. Blood sugar sex magik produjo varios singles, entre los cuales se incluyen Give it away, Under the bridge, Suck my kiss, Breaking the girl y If you have to ask. La grabación también marcó la salida del guitarrista John Frusciante en 1992, durante la gira de la banda, hasta su regreso en 1998. Blood sugar sex magik fue elogiado como el fundador del rock alternativo en los años 90, y Steve Huey de Allmusic comentó que la grabación fue "...probablemente el mejor álbum que los Chili Peppers podrán hacer". El álbum fue dedicado al californiano Mike Watt, cantante, compositor y bajista de punk. Fue certificado Disco de platino en múltiples ocasiones, estuvo en las listas Billboard durante 14 meses, y a partir de 1999 pasó a ser el segundo más vendido de la banda tras Californication.

En 1988, el guitarrista de la banda Hillel Slovak falleció por una sobredosis de heroína. El baterista Jack Irons se retiró consecuentemente, dejando al vocalista Anthony Kiedis y al bajista Flea en búsqueda de un nuevo guitarrista y baterista. Como ávido fan de los Red Hot Chili Peppers, Frusciante expresó su interés en unirse a la banda, pero el antiguo guitarrista de P-Funk, DeWayne 'Blackbyrd' McKnight ya había sido elegido para reemplazar a Slovak. Cuando se decidió que no había química entre McKnight y el resto de la banda, éste fue despedido. Durante ese tiempo, Frusciante estuvo cerca de convertirse en parte de Thelonious Monster, una banda de punk-rock formada por Bob Forrest; sin embargo, Flea lo invitó a unirse a los Chili Peppers y este aceptó rápidamente. El baterista Chad Smith se unió a la banda dos semanas antes de la preproducción de Mother's milk, tras distintas audiciones en abierto sin éxito. Mother's milk se convertiría en el segundo álbum de la banda en ingresar en el Billboard 200, alcanzando el puesto 52. Aunque la grabación fue ligeramente exitosa, la producción se vio sobrecargada por Michael Beinhorn. Éste convenció a Frusciante para tocar con un tono más pesado e inculcó a Kiedis que escribiera letras que fuesen más viables para las emisoras de radio, provocando de esta manera que la banda se sintiera creativamente más restringida.

Como el contrato de los Chili Peppers con EMI estaba próximo a finalizar, éstos comenzaron a buscar una nueva compañía discográfica para lanzar su siguiente álbum. El grupo llegó a un consenso con Sony BMG/Epic, con la condición de que éstos compraran su último disco con EMI. Incluso aunque la discográfica prometió que tardaría sólo unos pocos días, el proceso se demoró varios meses. Aunque ya se había realizado el acuerdo con Sony/Epic, Mo Ostin de Warner Bros. Records llamó a Kiedis para felicitarlo por el exitoso convenio y también felicitó a la compañía discográfica rival. Kiedis recuerda la situación: "La persona más genial y más auténtica que conocimos durante todas las negociaciones acababa de llamarme personalmente para animarme a hacer una exitosa grabación para una compañía rival. Ese era el tipo de individuo para el que quería estar trabajando". Kiedis llevó a cabo su idea, y finalmente abandonó el contrato con Sony para firmar con Warner Bros por 10 millones de dólares. Ostin llamó a un viejo amigo en EMI, quien inmediatamente permitió el cambio de discográfica.

Ya establecidos en Warner Bros., los Chili Peppers comenzaron a buscar un productor adecuado. Una persona en particular, Rick Rubin, famoso por haber ayudado a crear sonidos tan vanguardistas y dispares entre sí como el rap combativo de Beastie Boys y el thrash metal extremo de Slayer, se destacó debido a que tenía una mente más abierta, a diferencia de otros individuos con los que trabajaron en el pasado. Finalmente, la banda decidió que éste sería la mejor elección como productor, y de esta manera lo contrataron para producir lo que se convertiría en Blood sugar sex magik. A diferencia de los anteriores productores, Rubin fue alguien a quien los Chili Peppers consideraron confiable para pedirle consejos en tiempos difíciles. A menudo Rick ayudaría en los arreglos de batería, las melodías de guitarra y las letras.

De entrada, todo pintaba bien para los Peppers: su anterior álbum, Mother’s milk, les había servido para alcanzar cotas de popularidad nunca vistas. Además, entre aquél y este Blood sugar… la formación del grupo no había cambiado. Su nueva compañía, Warner, confiaban en su potencial y les dieron todo lo que pidieron, incluido un productor de mucho nivel como Rick Rubin, a quien ya habían pretendido para su anterior trabajo (el barbudo lo rechazó porque, según contó, había muchas drogas y poco buen rollo entre el grupo en esos momentos).

La banda buscó grabar el álbum en un marco poco convencional, confiando en aumentar su rendimiento creativo. Rubin sugirió la mansión en la que alguna vez vivió el mago Harry Houdini (y, también se dijo, Rodolfo Valentino), a lo que los miembros del grupo accedieron. Un equipo de sonido fue alquilado para montar un estudio de grabación, además de otro equipamiento requerido para la producción en la casa. La banda decidió que permanecerían dentro de la mansión durante toda la grabación, aunque Smith, convencido de que el lugar estaba embrujado, se negó a quedarse. Acordaron entonces que éste iría cada día en motocicleta a la mansión. Frusciante, Kiedis y Flea tenían cada uno su propia habitación en cada extremo de la casa. Cuando no estaba grabando con la banda, Frusciante pasaba el tiempo pintando, escuchando música, leyendo y grabando canciones que había escrito. Debido al aislamiento, Kiedis terminó grabando todas las voces en su habitación, ya que era lo suficientemente grande como para acomodar el equipo de grabación.

Durante más de treinta días, los Chili Peppers trabajaron dentro de la casa; Kiedis consideraba que era un entorno cómodo y creativo, lo que le permitió completar el resto de las letras. Durante la producción, los Chili Peppers estuvieron de acuerdo en dejar al cuñado de Flea documentar el proceso creativo en una película. Cuando la grabación del álbum finalizó, los Chili Peppers lanzaron el documental titulado Funky Monks.

Para la grabación de Blood sugar sex magik, Rick Rubin empleó técnicas muy diferentes a las utilizadas en Mother's milk, obteniendo como resultado estilos musicales extremadamente distintos, desde los duros bajos funk de Funky monks y el sonido metálico de Blood sugar sex magic hasta la fusión rap de Give it away y la armonía melódica de Under the bridge. En busca de un sonido totalmente funky, Rubin utilizó un micrófono con el que se suele grabar guitarras eléctricas para la grabación del bombo de la batería.

Blood sugar sex magik fue escrito a un paso más rápido que los álbumes previos de la banda. Antes del traslado de los Chili Peppers a la mansión, Frusciante y Kiedis colaboraron en sus casas arreglando las estructuras de las canciones y los riffs de guitarra. Después presentarían sus ideas a Flea y Smith, y la banda, en su totalidad, decidiría qué usarían para el bajo, la guitarra, las voces y la percusión.

Kiedis se centró líricamente en referencias e insinuaciones sexuales que pasaban constantemente por su mente. Canciones como Suck my kiss, If you have to ask, Sir Psycho sexy, Give it away y Blood sugar sex magik contuvieron varios enlaces sexuales, con letras como "Un estado de luz sexual / Besando su virginidad / Mi afinidad" y "Euforia gloriosa / Es mi necesidad / Shock erótico / Es una función de lujuria". El concepto detrás de The greeting song fue una petición de Rubin, que pidió a Kiedis que escribiese una canción únicamente sobre chicas y autos. Aunque a Kiedis no le gustó el concepto, escribió la canción que Rubin le pidió, pero terminó odiando casi todos los aspectos de la letra.

Kiedis también comenzó a escribir sobre la angustia y los pensamientos de automutilación que experimentaría como resultado de su adicción a la heroína y las anfetaminas; creyó que su vida había llegado al punto más bajo debajo de un puente en el centro de Los Angeles. Tras un mes, Rubin tropezó con un poema que se convertiría en la letra de Under the bridge, y sugirió a Kiedis mostrárselo al resto de la banda. Sin embargo, Kiedis estaba tímido debido a que creía que la letra era "muy blanda" y diferente al estilo de la banda. Tras cantarle el verso a Frusciante, comenzaron a estructurar la canción al día siguiente. Los dos trabajaron durante varias horas arreglando acordes y melodías hasta que ambos acordaron que estaba completa.

Blood sugar sex magik integró los típicos estilos punk y funk de la banda, pero los alejó de las canciones más melódicamente conducidas. Canciones como The righteous and the wicked, Suck my kiss, Blood sugar sex magik, Give it away y Funky monks todavía incorporan el uso de riffs de guitarra de heavy metal, pero los diferenciaba de Mother's milk en que contenían menos distorsión. La química Kiedis/Balzary/Smith/Frusciante funcionó como nunca, y para la historia quedó un compendio de música arriesgada, imaginativa y llena de magia. Flea, que había centrado su forma de tocar el bajo mediante la técnica slap, restó importancia a los riffs de guitarra pesados en favor de las líneas más tradicionales y melódicas, y adoptó una filosofía minimalista "menos es más": "estaba intentando tocar sencillo en Blood sugar sex magik porque ya había estado tocando mucho antes que eso, así que pensé, 'realmente tengo que relajarme y tocar la mitad de las notas'. Cuanto menos tocas, lo haces de manera más emocionante (hay demasiado espacio para todo). Si toco algo breve y concentrado, destaca, en lugar de que el bajo sea un ataque constante de notas. El espacio es bueno".

Kiedis pensaba que el álbum expandiría los horizontes musicales de los Chili Peppers, debido a que era distinto al material previo. Una de las canciones más melódicas de Blood sugar sex magik, Breaking the girl, trataba sobre el constante cambio de pareja de Kiedis, quien temía estar siguiendo los pasos de su padre y convertirse simplemente en un mujeriego, en vez de estar estableciendo relaciones definitivas y de largo plazo: "...Puede ser excitante y temporalmente satisfactorio este constante flujo de interesantes y hermosas chicas, pero al final del día, esa mierda se va y quedas abandonado". En la mitad de la canción, también, hay un puente compuesto de instrumentos de percusión rescatados de un basurero.

Aunque las sesiones improvisadas fueron siempre un aspecto integral de la creación de canciones para los Chili Peppers, Blood sugar sex magik contenía canciones que fueron creadas con mayor estructura. En una de estas sesiones en especial surgiría la canción más destacada del álbum: Frusciante, Flea y Smith estaban tocando juntos, mientras Kiedis los observaba desde otra parte de la habitación cuando "...Flea comenzó a tocar esta enajenada línea de bajo, y Chad lo siguió de manera alocada... Yo siempre tuve ideas de fragmentos de canciones e incluso frases aisladas en mi mente. Tomé el micrófono y canté a grito 'Give it away, give it away, give it away, give it away now". La filosofía detrás de la letra tiene su origen en una conversación que Kiedis mantuvo con Nina Hagen, respecto al altruismo y a lo insignificante que eran en su vida las posesiones materiales. De esta manera nació la canción Give it away. También recordó al difunto guitarrista Hillel Slovak, componiendo My lovely man en su memoria. Kiedis escribió Sir Psycho sexy como una versión entusiasta y demasiado exagerada de él mismo; una figura que podría conseguir cualquier mujer, y hacerle lo que quisiera para complacerse. The power of equality habla sobre temas como igualitarismo, prejuicio y sexismo.

Blood sugar sex magik fue lanzado en septiembre de 1991. Fue certificado Disco de oro en noviembre de 1991, a sólo dos meses de su lanzamiento, y posteriormente recibió la certificación de multiplatino en abril de 1992. Desde ese momento fue multiplatino cinco veces en Estados Unidos. El álbum alcanzó el puesto 3 de la lista Billboard 200. En cuanto a los singles, mientras que Under the bridge alcanzó el puesto 2 de Billboard Hot 100, Give it away alcanzó el puesto 9 del Top 40 británico y fue número 1 en Modern rock tracks de Billboard. Sin embargo, tras su lanzamiento inicial, Give it away fue rechazada por la estación de radio que le interesaba a Warner, diciéndole a la banda que "vuelvan cuando tengan una melodía en su canción". Por el contrario, KROQ (de Los Angeles) comenzó a emitir la canción varias veces al día, y eso, de acuerdo con Kiedis, "fue el comienzo de la infusión de Give it away en la conciencia de las masas".

Debido al éxito de Give it away, la banda consideraba que Under the bridge no sería igual de viable como single. Warner Bros envió a representantes a un concierto de los Chilis con el fin de averiguar el que en definitiva sería el siguiente single. Cuando Frusciante comenzó a tocar Under the bridge, y Kiedis iba a entrar en el momento justo, todo el público comenzó a cantar la canción en su lugar. Kiedis inicialmente estaba "avergonzado por haber quedado en mal lugar delante de la gente de Warner... me disculpé por el error, pero ellos dijeron, "¿error? ¿Está bromeando? Cuando todos los chavales en el show cantan una canción, ese debe ser nuestro próximo single". Under the bridge fue, por lo tanto, seleccionado como el segundo single de Blood sugar sex magik. En enero de 1992, Under the bridge ya había explotado, alcanzando un máximo en el número 2 de Billboard Hot 100.

Blood sugar sex magik se benefició enormemente de la producción de Rick Rubin. La guitarra de John Frusciante es menos distorsionante, dejando espacio para diferentes texturas y líneas más claras líneas, mientras que la banda en general es más precisa y menos indulgente, incluso aunque algunos ritmos se arrastren a veces con mucha longitud. Líricamente, Anthony Kiedis está tan preocupado con el sexo como nunca, bien invocándolo como su musa, rogando por él, o jactándose con gran detalle sobre su destreza, mejor exhibida en los singles de contagioso funk Give it away y Suck my kiss. Sin embargo, atenúa su testosterona con un lado más sensible, escribiendo sobre el lado emocional de las relaciones fallidas (Breaking the girl, I could have lied), su drogodependencia (Under the bridge, y la elegía por Hillel Slovak, My lovely man) y algunas llamadas hippie por una utopía pacífica. Tres de esas cuatro últimas canciones (excepto My lovely man) marcan el abrazo constante de la banda con las baladas acústicas cadenciosas, y, aunque no son los mejores momentos de Kiedis como vocalista, estos son algunos de los mejores momentos del álbum, variando y ampliando la gama emocional y musical del grupo.

Flea domina el bajo como un predicador relata la Biblia. En temas como If you have to ask y Mellowship slinky in B major, su bajo se desliza en alegres improvisaciones. John Frusciante continúa con su guitarra ágil y delicada, que puede cambiar entre acordes enérgicos y pop-hop en un santiamén; Chad Smith martillea esos ritmos, sólidamente, decididamente, en su equipo. Y después, Anthony Kiedis extrae su loca lengua dentada escupiendo rimas, distorsionando y trinando, arrullando en un torpe falsete o burlándose en un tono de monstruo. Aunque estas formas sónicas constituyen el núcleo de su sonido, los Chili Peppers también interpretan himnos de heavy metal como Righteous and the wicked y Suck my kiss. Poco después, una vez más, cambian de nuevo los estados de ánimo, a las emocionales Breaking the girl o Under the bridge. Este álbum es un salvaje viaje mental y una delicia esquizofrénica. Aún así, el álbum es notablemente coherente. Ocho minutos de Sir Psycho sexy convertirá a los jóvenes oyentes de RHCP en temblorosas masas de gelatina hormonal. Las líneas ninfómanas se cuelan a su manera en Apache rose peacock y Blood sugar sex magik.

Para promocionar el disco en Europa, Kiedis y Frusciante acordaron que harían una gira. Sin embargo, fue difícil para Frusciante adaptarse a la vida fuera de la mansión, tras estar casi aislado durante alrededor de un mes. Kiedis recordaba la situación: «Él tenía tal flujo de creatividad mientras estábamos haciendo el álbum, que creo que no sabía cómo vivir la vida en tándem". También fue durante este período cuando Frusciante comenzó a experimentar con la heroína comprometiendo además su estabilidad mental. La gira promocional por Europa fue muy dura para Frusciante, que decidió regresar a casa cuando junto a Kiedis llegó a Londres.

Blood sugar sex magik fue bien recibido por los críticos, que elogiaron a los Chili Peppers por no abrumar al oyente con riffs de guitarra de heavy metal, a diferencia de su anterior álbum. Tom Moon, de la revista Rolling Stone, apoyó el cambio de estilo de Rick Rubin; Rubin "cambió la dinámica de los Chilis". Llegó a elogiar el sonido afirmando que "el ritmo mostraba una curiosidad creciente sobre la textura y matiz de estudio". Steve Huey de Allmusic dijo que el álbum era "el mejor álbum de los Red Hot Chili Peppers... La guitarra de John Frusciante es menos abrumadoramente ruidosa, permitiendo diferentes texturas y líneas más claras, mientras la banda está más concentrada y menos tolerante". Afirmó que Blood sugar varía... Expande el rango musical y emocional del grupo". Devon Powters de PopMatters dijo que "en un desanimado, jodido y diabólico descenso en picada, Blood sugar sex magik reconfiguró mi relación con la música, conmigo mismo, con mi cultura e identidad, con mi raza y clase". El crítico musical Robert Christgau le dio al disco la honorable mención de dos estrellas, una de sus clasificaciones más altas. Blood sugar también fue considerado un álbum influyente, durante los años 90, convirtiéndose en uno de los fundadores del rock alternativo.

Under the bridge, que se convirtió en el corte de difusión de la banda, fue considerada la canción más destacada del álbum por varios críticos. All Music Guide criticó individualmente a la canción y la llamó un "...sentimiento conmovedor... Es evidente la guitarra que aparece en el verso introductorio, y el sentido de fragilidad que sólo es doblado por el crescendo coral del inmóvil downtempo", se "...ha convertido en una parte integral de la escena alternativa de los años 90, y permanece como uno de los diamantes más puros de los que brillan entre los ricos abismos del funk que dominaron la obra de los Peppers". Sin embargo, Entertainment Weekly criticó la seriedad que exploraron los Red Hot Chili Peppers al ser "desaprobados del usual número de la banda", y dijo que Under the bridge tenía "toques fancy-shmancy". Give it away también fue elogiada, aunque como "...una mezcla de asociación libre de vibraciones positivas, tributos a héroes musicales y amor libre", con Frusciante "...agregando a la canción dos impredecibles cambios de velocidad: un gran contraste con la hiperactividad de Kiedis a través de un lánguido solo pregrabado y doblado hacia atrás sobre el ritmo de la canción, y un riff de rock pesado que no aparece hasta el outro de la canción..." Sin embargo, canciones como Sir Psycho sexy fueron criticadas por ser demasiado explícitas. Devon Powters de Pop Matters dijo que "ocho minutos de Sir Psycho sexy convertirán a los jóvenes oyentes de los RHCP en temblorosas masas de gelatina hormonal. En Apache rose peacock aparecen líneas obsesionadas con el sexo; Blood sugar sex magik, simplemente, suena como estar follando. Incluso las vírgenes más puras salen de Blood sugar sex magik con cierto grado de madurez sexual; incluso el jugador más hábil puede aprender un par de movimiento nuevos".

Años después, Blood sugar se ubicó en lo alto de las listas de kos mejores álbumes, especialmente en aquellas pertenecientes a los años 90. El álbum fue ubicado por la revista Rolling Stone en 2003 su lista de Los 500 mejores álbumes de la historia en el puesto 310, y en Los 100 mejores álbumes de los 90 en el puesto 19; por la revista alemana Visions en su lista de Los más importantes álbumes de la década de los 90 en 1999 en el puesto número 1; por la revista Guitar World en 2006 su lista de Los 100 álbumes de guitarra más grandes de todos los tiempos en el puesto 18; por la revista australiana My favourite album en 2006 en su lista Álbumes favoritos en Australia de toda la historia en el puesto 8; por el Salón de la Fama del Rock de Estados Unidos en 2007 su lista Los definitivos 200: los primeros 200 álbumes de todos los tiempos en el número 88; por la revista Spin en su lista de 1999 Los 101 álbumes de guitarra más esenciales en el puesto 58; y por la revista Q en el mismo año en su lista 90 álbumes de los 90s en el puesto 58.

Antes de que comenzara la gira Blood Sugar Sex Magik, Kiedis vio el video musical Rhinoceros de The Smashing Pumpkins en MTV. Tras esto llamó al mánager de la banda y pidió que incluyera a The Smashing Pumpkins en la gira. Varios días después de que los Pumpkins confirmaran que acompañarían a los Chili Peppers, Jack Irons llamó y le pidió permiso a la banda para que permitiesen a Pearl Jam, el nuevo grupo de su amigo, abrir en lugar de ellos durante la gira. El primer show tras el lanzamiento de Blood sugar fue en el Oscar Meyer Theater en Madison, Wisconsin. Blood sugar sex magik comenzó a sonar mucho más en la radio y a vender masivamente a mitad de su gira por Estados Unidos. Frusciante, que prefería que los Chili Peppers permanecieran en la escena musical underground, comenzó a tener un estado de negación y depresión. Según Kiedis, "él comenzó a perder todos los aspectos maníacos, despreocupados y divertidos de su personalidad. Incluso en el escenario, había una energía mucho más seria en él". Lentamente, Frusciante se fue alejando de la banda y comenzó a guardarle rencor a sus compañeros, sintiendo vergüenza por la reciente popularidad de la banda.

La tensión en el escenario comenzó a crecer entre Kiedis y Frusciante. Kiedis recuerda una discusión tras un show en Nueva Orleans: "Teníamos las localidades agotadas y John se mantuvo en un rincón, apenas tocando su guitarra. Salimos del escenario y John y yo comenzamos a discutir". Con los Peppers haciendo shows tanto en estadios como en teatros, los organizadores de la gira decidieron que Pearl Jam deberían ser reemplazados por un grupo más exitoso. Kiedis contactó con el baterista de Nirvana, Dave Grohl, y le preguntó si Nirvana podría reemplazar a Pearl Jam en la gira, oferta que Grohl aceptó. Sin embargo, Billy Corgan de The Smashing Pumpkins se negó a tocar con Nirvana, ya que había salido anteriormente con Courtney Love, esposa del líder, Kurt Cobain, por lo que los Pumpkins abandonaron el concierto junto con Pearl Jam. Su primer show con Nirvana fue en el L.A. Sports Arena. Kiedis definió su actuación como "de pura energía; su musicalidad, su selección de canciones, eran como una sierra cortando una cadena durante la noche". Cuando los Red Hot Chili Peppers finalizaron la gira con Nirvana viajaron a Europa, donde Frusciante, con la necesidad de conectar con alguien, llevó a su novia Toni Oswald. Kiedis dijo que "John rompió nuestra regla no escrita de no esposas o novias en el camino". Interrumpiendo brevemente la gira por Europa, los Chili Peppers volaron a Nueva York y actuaron en un episodio de Saturday Night Live. Los Peppers tocaron Under the bridge como segundo número, interpretación que Kiedis consideró que fue saboteada por Frusciante. "[Frusciante] estaba practicando como si estuviésemos ensayando la melodía. Bueno, pues no lo estábamos. Estábamos en TV, en vivo, frente a millones de personas y fue una tortura. Comencé a cantar en el que pensé era el tono en el que él estaba tocando. Sentí que estaba siendo apuñalado por la espalda y exprimido en frente de toda América mientras este tipo estaba fuera en un rincón, tocando algún desentonado experimento".

La banda tuvo una pausa de dos semanas, que comenzó en mayo de 1992, con un pie en Europa y otro en el tour de Japón, debido a que Frusciante se negó a entrar en escena, argumentando que abandonaba la banda. Tras media hora de persuasión, Frusciante acordó tocar en el show, aunque afirmó que éste sería el último. Kiedis recuerda la situación: "Fue el peor show que hicimos. Cualquier nota, cualquier palabra, dolía, al saber que no seríamos más una banda. Seguía observando a John y veía esa fallecida estatua de desdén... Y esa noche, John desapareció del mundo dejando patas arriba a los Red Hot Chili Peppers". La banda contrató al guitarrista Arik Marshall para completar el resto del tour, que incluyó Lollapalooza y otros festivales europeos. Sin embargo, Marshall fue despedido al final de la gira.

Frusciante se había implicado hasta tal punto en la gestación del disco, en la creación de su música, que tardó varios años en regresar al mundo real, permaneciendo durante casi toda la década de los 90 en un estado de confusión mental que recordaba al que sufrió dos décadas antes Syd Barret. En 1994, cuando dio señales de vida al publicar un disco llamado Niandra lades and usually just a T-shirt, fruto de las improvisaciones que creó mientras transitaba por la mansión de Houdini, pocos hubieran apostado por la recuperación que mostró al regresar en 1999 para grabar junto a Smith, Kiedis y Flea el exitoso Californication.

Todas las fotografías, pinturas y dirección artística de Blood sugar sex magik fueron atribuidas al director de cine Gus Van Sant. La portada del álbum muestra las caras de los cuatro miembros de la banda ubicadas alrededor de una rosa. Las letras están impresas en letras blancas en un fondo negro, escritas a mano por Kiedis. El folleto del álbum también contiene un collage de fotos montadas que resaltan los diversos tatuajes de los miembros de la banda, entre los cuales se incluyen caras de lí­deres de tribus indias americanas, animales y criaturas del mar, así­ como varios sí­mbolos y frases. También se incluyen fotografías de cada miembro de la banda y dos fotografías de la banda en su totalidad.

La presentación de los singles tiene muy poco en común con el diseño gráfico de Blood sugar. La portada Give it away es una pintura de una bebé china, rodeada de vegetales, frutas y sushi; la de Under the bridge contiene una foto del contorno de una ciudad, y un puente centrado en el medio; Suck my kiss tiene una fotografía en blanco y negro de la banda, en la que Kiedis y Flea están sosteniendo un gran pez; Breaking the girl muestra una pintura de un ser humano cubierto de magma.

Blood sugar sex magik cuenta con una primera parte en la que abunda el funk juguetón, furioso y guitarrero irresistible, marca de fábrica que venían tocando desde sus inicios (Power of equality, If you have to ask, Funky monks, Suck my kiss…), muy mejorado y evolucionado, eso sí, con textos muy trabajados, recreando los temas habituales: sexo, velocidad, influencias musicales, artísticas o deportivas (en Mellowship slinky in B major, por ejemplo, mencionan al boxeador Mike Tyson y a los escritores Mark Twain, Truman Capote o Charles Bukowsky).

En la cara A original incluyen también el archiconocido single Give it away. Merece la pena desgranar el vídeo para empaparse de la filosofía vital Pepper: esas crestas, esas poses imposibles, los cuernos del batería Chad Smith, la sensación de movimiento y dinamismo, los bailes, los tattoos, todo respira libertad y descaro.

La suave Breaking the girl contiene un sonido de mellotron de los 70, guitarras acústicas y unos textos de Kiedis muy personales y reflexivos; y la otra pieza lenta de esta primera parte, la maravillosa I could have lied, alberga uno de los mejores solos de guitarra que ha grabado John Frusciante en toda su carrera. .

El disco alcanza su cúspide con Give it away, y a partir de ahí se inicia el descenso hacia el insondable abismo de la locura, la magia y la genialidad. Tres años antes de que Trent Reznor compusiera su Downward spiral, RHCP iniciaron la bajada hacia una fosa creativa, un abismo en el que el rock aún no había morado. Un territorio virgen, inexplorado, lleno de sensualidad y de caos, capaz de generar en el oyente sensaciones inexplicadas, como ese riff metalizado y hechizante que llena de embrujo a Blood sugar sex magik, esa entrada de batería y el guitarreo final de Naked in the rain, la voz de Kiedis en los estribillos oníricos de My lovely man o Apache rose peacock, el riff desenfrenado e irresistible en The greeting song, y sobre todo la estructura de Sir Psycho sexy, ocho minutos hipnóticos en que los instrumentos suenan como el balanceo de una cobra.

Se comentó que la versión de poco más de un minuto de They´re red hot de Robert Johnson que cierra el disco fue una broma, un desahogo de los cuatro músicos, que terminaron de grabar y salieron eufóricos de la mansión, colina arriba, a tomar aire tras muchas horas de trabajo, improvisando Frusciante esa toma que inmortalizó Rick Rubin como parada final.

La balada Under the bridge, tan sobreexplotada y empleada en escenarios tan chocantes como el fondo musical de una campaña de telefonía móvil, evoca el momento más bajo en la vida de Anthony Kiedis, cuando se vio bajo un puente de hormigón en Los Angeles mendigando por una dosis de heroína. Un camello consideró insuficiente la cantidad de dinero que el vocalista llevaba encima para comprar el jaco, y le quitó unas cadenas que solía utilizar en escena. Kiedis comenzó a llorar de impotencia y el drug dealer se compadeció y le devolvió unos pocos dólares. Tal humillación llevó al cantante a hacer un lavado de conciencia.

Blood sugar sex magik es el álbum piedra angular del funk-rock. Los Red Hot Chili Peppers ya estaban familiarizados con este género, pilotando desde la década de 1980 bajo la dirección de los grandes George Clinton y Andy Gill de Gang of Four. La producción de Rick Rubin funcionó a la perfección con los Red Hot Chili Peppers. Mientras los productores anteriores los habían empujado hacia la exploración funk (Clinton) o trabajado su música desde el ángulo rock (Michael Beinhorn), Rick Rubin les lleva hacia una versión de vuelta a sus raíces y un sondeo en última instancia, más limpio y más crudo. Se acabaron las canciones dependientes del bajo slap a ráfagas de Flea. Los solos de guitarra son menos espectaculares y más conmovedores; el solo en I could have lied es un ejemplo perfecto. Todos los miembros de la banda se dan similar presencia en la mezcla, llevando a un registro más equilibrado. Ya no existe el enfoque de cautivar al oyente con la hechicería técnica de los músicos.

La pujanza de singles como Under the bridge y Give it away convirtió a los Peppers en estrellas globales un año después de la salida del disco, pero los efectos de esa fama casi destrozaron al grupo: Flea describe esa época posterior a la edición de Blood… como “la época más infeliz de mi vida”, y el guitarrista John Frusciante, que sólo tenía 22 años, abandonaría la banda en medio de la gira mundial (tardaría seis años en volver… para volver a dejar a los Peppers años después de nuevo).

Fuentes: http://es.wikipedia.org, http://en.wikipedia.org, http://ca.wikipedia.org, http://www.allmusic.com, http://www.ew.com, http://www.rollingstone.com, http://www.sputnikmusic.com, http://www.popmatters.com, http://www.fasterlouder.com.au, http://blogs.lainformacion.com, http://www.elportaldelmetal.com, http://www.lahiguera.net, http://www.bbc.co.uk, http://rincondesconexion.blogspot.com

Listado de canciones:

1.-   The power of equality
2.-   If you have to ask
3.-   Breaking the girl
4.-   Funky monks
5.-   Suck my kiss
6.-   I could have lied
7.-   Mellowship slinky in B major
8.-   The righteous & the wicked
9.-   Give it away
10.- Blood sugar sex magik
11.- Under the bridge
12.- Naked in the rain
13.- Apache rose peacock
14.- The greeting song
15.- My lovely man
16.- Sir Psycho sexy
17.- They're red hot

Vídeos:

The power of equality (live) - Red Hot Chili Peppers


If you have to ask - Red Hot Chili Peppers


Breaking the girl - Red Hot Chili Peppers


Funky monks - Red Hot Chili Peppers


Suck my kiss - Red Hot Chili Peppers


I could have lied - Red Hot Chili Peppers


Mellowship slinky in B major - Red Hot Chili Peppers


The righteous & the wicked - Red Hot Chili Peppers


Give it away - Red Hot Chili Peppers


Blood sugar sex magik - Red Hot Chili Peppers


Under the bridge - Red Hot Chili Peppers


Naked in the rain - Red Hot Chili Peppers


Apache rose peacock - Red Hot Chili Peppers


The greeting song - Red Hot Chili Peppers


My lovely man - Red Hot Chili Peppers


Sir Psycho sexy - Red Hot Chili Peppers


They're red hot - Red Hot Chili Peppers

miércoles, septiembre 17, 2014

NINA HAGEN

Catharina ‘Nina’ Hagen (Berlín Oriental, distrito de Friedrichshain, 1955) es una actriz y cantante alemana, considerada la "madrina del punk" alemán, que lleva más de 40 años de carrera, y que es famosa por su mezcla de estilo punk y canto operístico. Hija de Hans Hagen (también conocido como Hans Oliva-Hagen), guionista, y de Eva-Maria Buchholz, actriz y cantante. En el escenario, así como en público, Hagen adora las apariciones excéntricas, pero este estilo que enfatiza su creencia en la libertad individual, los ovnis y en la divinidad de los seres humanos no ha cambiado mucho durante los años, mientras que su exuberancia extrema fue reemplazada en parte por acción y declaraciones políticas.

Su abuelo paterno murió en el campo de concentración de Sachsenhausen (su padre era judío). Sus padres se divorciaron cuando ella tenía 2 años, y posteriormente vio a su padre con poca frecuencia. Cuando tenía 4 años, empezó a estudiar ballet y ya era considerada un prodigio de la ópera cuando que tenía 9 años. Cuando Hagen tenía 11 años, su madre se casó con Wolf Biermann, un cantautor y poeta anti-establishment. Los puntos de vista políticos de Biermann influenciaron más tarde a la joven Hagen. Sus ídolos musicales eran Janis Joplin, Tina Turner, Otis Redding, Lotte Lenya, James Brown y muchos otros.

Nina fue excluida de la organización de la Juventud Comunista, dejando la escuela después del décimo grado a los 16 años, y se trasladó a Polonia, donde comenzó su carrera. Poco después, volvió a Alemania y se unió a la banda de covers Fritzens Dampferband, junto con Achim Mentzel y otros, agregando canciones de Janis Joplin y Tina Turner a las listas “permitidas” durante los espectáculos. Hagen estuvo inscrita entre 1972 y 1973 en el programa del curso especializado para actuación en el Central Studio for Light Music en Berlín Oriental. Después de graduarse, formó la banda Automobil, con la que actuaría, convirtiéndose en una de las estrellas jóvenes más conocidas del país. Su canción más famosa de la primera parte de su carrera fue Du hast den Farbfilm vergessen (perdiste la película de color), una indirecta sutil burlándose del estéril y gris estado comunista, en 1974.

Su carrera musical en la RDA fue interrumpida, sin embargo, cuando ella y su madre salieron del país en 1976, tras la expulsión de su padrastro. El gobierno de Alemania Oriental advirtió a Biermann que no podría llevar a su familia con él, invitado por un programa de televisión, y se le impediría volver a la RDA si cruzaba la frontera. Pese a esto, Biermann viajó a la RFA y ejecutó su presentación televisiva; cuando las autoridades de la RDA se negaron a permitirle regresar, su esposa, Eva-Maria Hagen protestó públicamente por este impedimento. Nina Hagen, ya convertida en estrella musical juvenil, se unió a la protesta de su madre, expresando en su solicitud ser hija biológica de Biermann, y advirtió entonces que seguiría los pasos de su padrastro en lo musical y lo político, pero dentro de la RDA; ante esta situación las autoridades germano-orientales, en sólo unos pocos días otorgaron el permiso de salida a toda la familia Biermann-Hagen, pero sin opción de retorno. Nina se instaló en Hamburgo, donde firmó con un sello discográfico afiliado a CBS, ayudada por su padrastro. Su discográfica le aconsejó que se aclimatase a la cultura occidental a través de viajes, por lo que viajó a Londres durante el apogeo del movimiento punk-rock. Hagen empezó a juntarse con un círculo que incluía a The Slits y Sex Pistols, y protagonizó la película The go blue girl.

De vuelta a Alemania a mediados de 1977, Hagen formó The Nina Hagen Band en el distrito de Kreuzberg de Berlín Oeste, junto a Bernhardt Potschka (guitarra), Herwing Witeregger (batería), Reinhold Heil (teclados) y Manfred Praeker (bajo), la mayoría de ellos procedentes del grupo Lokomotive Kreuzberg. En 1978 lanzaron su álbum de debut The Nina Hagen Band, que incluía el single TV-Glotzer (una versión de White punks on dope de The Tubes, aunque con letra enteramente diferente en alemán) y Aufm Bahnhof Zoo, sobre la estación entonces notoria de Zoologischer Garten de Berlín Occidental. El álbum también incluía una versión de Rangehn, una canción que había grabado previamente en Alemania Oriental, pero con diferente música.

El álbum obtuvo considerable atención por toda Alemania y el extranjero, tanto por su sonido de rock duro, como por la voz teatral de Hagen, muy diferente de la directa voz de sus grabaciones de Alemania Oriental, y por adoptar elementos de la new wave americana utilizados por artistas como Patti Smith o Blondie. Sin embargo, las relaciones entre Hagen y los otros miembros de la banda se deterioraron en el transcurso de la posterior gira europea, y Hagen decidió dejar la banda en 1979, aunque ella estaba todavía bajo contrato para producir un segundo álbum. Este LP, Unbehagen (que en alemán significa incomodidad o malestar), eventualmente se produjo con la banda grabando sus temas en Berlín, y Hagen grabando su voz en Los Angeles. Incluía el single African reggae, Hermann hiess er y un cover de Lucky number de Lene Lovich, y llegó al número 2 en Alemania. El resto de miembros de la banda sin Hagen, pronto desarrollaron una exitosa carrera musical independiente como Spliff.

Entretanto, la cobertura de los medios europeos de Hagen se centró más en su estilo de vida escandaloso en lugar de su letra y música anti-establishment, y el personaje público de Hagen constantemente creaba confusión en los medios de comunicación. Llegó a ser famosa por su aparición en un talk show nocturno austríaco llamado Club 2 en agosto de 1979, sobre el tema de la cultura juvenil, cuando ella demostró (vestida, pero explícitamente) varias posiciones de masturbación femenina, y se vio envuelta en una discusión acalorada con otro contertulio. La presentadora tuvo que dimitir tras esta controversia. También actuó con el rockero holandés Herman Brood (con cuya banda, Wild Romance, actuó ocasionalmente) y la cantante Lene Lovich en la película de 1979 Cha Cha.

Tras cancelarse una gira europea con una nueva banda en 1980, Hagen volvió a Estados Unidos. Se lanzó el EP Nina Hagen Band de edición limitada de 10” ese verano en Estados Unidos, con dos canciones de su primer álbum Nina Hagen Band en la cara A y dos canciones de su segundo álbum Unbehagen en la cara B. Las cuatro canciones estaban cantadas en alemán, aunque dos tenían títulos en inglés y las otros dos eran covers de canciones de lengua inglesa con nuevas letras en alemán.

A finales de 1980, Hagen descubrió que estaba embarazada, rompió con su entonces pareja Ferdinand Karmelk, y se mudó a Los Angeles, donde asumió a Bennett Glotzer como manager (ex-manager de Frank Zappa). Su hija Cosma Shiva Hagen, nació en Santa Monica en mayo de 1981. En 1982, Hagen lanzó su primer disco en inglés: NunSexMonkRock, una mezcla disonante de punk, funk, reggae y ópera en que Nina mostraba su lado más personal. Después desarrolló una gira mundial con The No Problem Orchestra.

En 1983, publicó el álbum Angstlos, producido por Giorgio Moroder, y desarrolló una pequeña gira europea. En aquella época, las apariciones públicas de Hagen eran cada vez más extrañas, y con frecuencia incluían discusiones sobre Dios, los ovnis, sus creencias políticas y sociales, los derechos de los animales y la vivisección, y reclamos de avistamientos extraterrestres. La versión inglesa de Angstlos, Fearless, generó dos grandes éxitos en América, Zarah (un cover de la canción de Zarah Leander, Ich weiss, es wird einmal ein Wunder geschehen, número 45 en Estados Unidos), y la canción disco-punk-opera, New York New York (número 9 en Estados Unidos). Esta canción es diametralmente opuesta al clásico del mismo título cantado por Frank Sinatra y Liza Minnelli, y posiblemente por evitar confusiones es citada por algunas fuentes como New York, N.Y. Durante 1984, Hagen pasó mucho tiempo en Londres y Reino Unido, y produjo con el jefe y editor de la revista MusicSzene, Wilfried Rimensberger, junto con Spree Film, una primera aparición de ella y del resto de lo que quedaba del movimiento punk londinense de los 70, presentada por el artista y modelo Frankie Stein.

Su álbum de 1985, In ekstase funcionó menos bien, pero generó éxitos de clubes como Radio Universal (número 39 en Estados Unidos) y un cover de Spirit in the sky, y también figuraba una grabación de 1979 de su versión punk-hardcore de My way de Paul Anka y popularizada por Frank Sinatra, que había sido una de sus melodías en vivo habituales en años anteriores. Interpretó canciones de este álbum durante la edición de 1985 de Rock in Rio. Wilfried Rimensberger y el galardonado director de cine Lothar Spree produjeron un documental para la cadena de televisión alemana ZDF, al que siguió el lanzamiento de ropa interior de moda UFO, y un acto anti-SAFT en Zurich, donde otra vez Rimensberger se unió a ella con el icono new romantic Steve Strange actuando en el escenario. Al mismo tiempo, el fotógrafo de moda Hannes Schmid proporcionó una portada de Nina Hagen para la revista Cosmopolitan alemana. Todo ello coincidió con importantes publicaciones de música como BRAVO y MusicSzene relatando historias en las que colocaban a Hagen a la vanguardia de algo que, en retrospectiva, se convirtió en un punto álgido final del movimiento punk.

Llegando a ser políticamente más elocuente, Nina empezó a comprometerse en más causas políticas y sociales, hablando y cantando contra el apartheid en Sudáfrica y el accidente nuclear de Chernóbil, y a favor de los derechos animales. A finales de 1986, terminó su contrato con la CBS, y lanzó el EP Punk wedding de forma independiente en 1987, una celebración de su matrimonio con un punk de 17 años de edad apodado ‘Iroquois’. Previamente había salido al mercado un single independiente con Lene Lovich, Don’t kill the animals, en 1986. Tras dejar CBS, debido a que quería propagar sus mensajes sin la interferencia de su compañía discográfica, firmó contrato con la discográfica Phonogram. En 1989, Hagen lanzó el álbum Nina Hagen, que fue respaldado por otra gira alemana. Con su canción Michail, Michail (Gorbachev rap) del álbum, la cantante expresaba su aprobación de las reformas políticas que la Unión Soviética estaba experimentando en aquel momento. En 1989 tuvo una relación con el francés Frank Chevallier, con quien tuvo un hijo, Otis Chevallier-Hagen (nacido en 1990). En la primavera de 1990, Hagen actuó en un festival de mujeres en Moscú y participó en la gira Street Party Tour a través de varias ciudades europeas.

Durante la década de 1990, Hagen vivió en París con sus hijos Cosma Shiva y Otis, y reacondicionó su imagen con la ayuda del diseñador Jean-Paul Gautier, volviendo a sus raíces musicales con una serie de discos de influencia punk. En 1991 recorrió Europa en apoyo de su nuevo álbum Street. En 1992 Hagen se convirtió en conductora de un programa de televisión en RTLplus. También en el mismo año, colaboró con Adamski en el éxito europeo y éxito moderado en Reino Unido, Get your body. Al año siguiente, lanzó Revolution ballroom, producido por Dave Stewart y Phil Manzanera. En 1994, Hagen protagonizó los aclamados shows del insitituto San Francisco Goethe, "The seven addictions and five professions of Anita Berber", interpretando la versión de Anita junto con la bailarina Jennifer Pieren, quien retrataba las otras profesiones de Anita. Además, su voz de acompañamiento se pudo escuchar en el single de Freaky Fukin Weirdoz, Hit me with your rhythm stick. Durante esta etapa Hagen mantuvo su personalidad chocante con atuendos y coreografías inusuales; en 1994 acudió a un programa de televisión en España mostrando sus pechos bajo una blusa de tul y luciendo una cola a modo de caballo.

En 1995, lanzó el álbum en lengua alemana Freud Euch, grabado en inglés como BeeHappy en 1996. Nina volvió a San Francisco para protagonizar otro programa del San Francisco Goethe Institut, Hannusen, Hitler’s jewish clarvoyant. Hagen también colaboró con el compositor de música electrónica Christopher Franke, junto a Rick Palombi (acreditado como Rick Jude) en Alchemy of love, el tema principal de la película Tenchi muyo! in love. En mayo de 1996, se casó con David Lynn, quince años más joven, de quien se divorció a principios de 2000. En 1997 colaboró con el músico de hip-hop alemán Thomas D., componente de la banda Die Fantastischen Vier.

En 1998, Hagen se convirtió en conductora de un programa semanal de ciencia ficción en el canal británico Sci-Fi, además de emprender otra gira por Alemania. En 1999, lanzó el álbum devocional Om Namah Shivay, fruto de la influencia que tuvo en ella su estancia de larga duración en la India, y que fue distribuido exclusivamente por internet, e incluía una versión musical inalterada del mantra Hare Krishna (en la vida real, ella cree que la encarnación hindú de Dios conocido como Krishna, fue el rey de Jerusalén; Krishna a veces es llamado Cristo). La mitad de las ganancias del álbum fueron destinadas a causas benéficas. También aportó voz a Witness y Bereit en el álbum Adios de KMFDM. También en 1998, grabó el himno oficial del club (Eisern Unión!) FC Union Berlin, y cuatro versiones fueron emitidas en un CD single por G.I.B Music y distribuídas por GmbH. En 1999, interpretó el papel de Celia Peachum en la ópera Die Dreigroschenoper de Kurt Weill y Bertolt Brecht, junto al Ensemble Modern, Max Raabe y bajo la dirección de HK Gruber, por el que ganó su primer premio Echo. Nina también interpretaba en la película canciones de Kurt Weill, Hanns Eisler y Paul Dessau a partir de textos de Brecht. En el mismo año, Peter Sempel produjo la película Nina Hagen + Punk + Glory, en la que trataba de hacer un dibujo más profundo de la inquieta artista.

En 2000, su canción Schön ist die welt se convirtió en la canción oficial de la Expo 2000. Otro cover de una canción de Zarah Leander, Der wind hat mir ein Lied erzählt, fue un éxito menor ese mismo año. En la primavera de 2000, el libro de su madre Eva's schöne welt incitó una controversia familiar, ya que Eva-Maria Hagen tuvo que retirar el libro de las librerías después de que Nina consiguiese un edicto judicial prohibiendo su distribución, porque reclamaba que había sido invadida su esfera privada al publicarse cartas privadas y fotografías suyas. El álbum The retorn of the mother fue lanzado en febrero de 2001, acompañado por otra gira alemana. En 2001 colaboró con Rosenstolz y Marc Almond en el single Total eclipse/Die schwarze Witwe, que alcanzó el número 22 en Alemania. En octubre de 2002, Nina causó sensación en Moscú con su concierto, mientras entrevistas con la excéntrica cantante se emitieron en muchos canales de televisión.

Hagen dobló la voz de Sally en la versión alemana de Pesadilla antes de Navidad de Tim Burton, y también hizo trabajos de voz en la película Hot dogs de Michael Schoemann. Hagen ha aparecido en canciones de otras bandas, por ejemplo en la canción Fieber de Oomph! Hizo un cover de Seemann de Rammstein con Apocalyptica. En 2003 publicó Big band explosion, en el cual cantaba doce estándares de jazz con su entonces marido, el artista y cantante danés Lucas Alexander. Esto fue seguido por Heiß, un disco de grandes éxitos. Su siguiente trabajo, Journey to the Snow Queen, era semejante a un audio libro, en el que Nina leía el cuento de hadas de la Reina de la nieve con el Cascanueces de Tchaikovsky como música de fondo. En 2005, Nina Hagen encabezó el Festival Drop Dead en Nueva York. Hagen ha sido una activa manifestante contra la guerra en Irak. En 2006 y 2007 formó parte del jurado califiicador del programa televisivo Popstars.

En 2006, Nina Hagen sacó al mercado su álbum Irgendwo auf der welt, en el que hace un repaso a los grandes temas del swing de los años 30, con stardands de George Gershwin, Jimmy Van Heusen o Harry Warren. Después de un lapso de cuatro años, su siguiente álbum, Personal Jesus, fue lanzado en julio de 2010, que contaba con 13 pistas confesionales que obedientemente mezclan rock, blues, soul y gospel en un sonido claramente distintivo de Hagen, seguido de Volksbeat, lanzado en noviembre de 2011, que contiene versiones de canciones de Bob Dylan, Wolf Biermann y Curtis Mayfield.

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://es.wikipedia.org, http://de.wikipedia.org/, http://www.dw.de, http://www.buscabiografias.com, http://www.allmusic.com, http://www.mcnbiografias.com, http://www.oldies.com, http://www.nga.ch, http://www.answers.com, http://www.stars-celebrites.com, http://www.einfach-nina.de, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

TV-Glotzer, Ranghen, Unbeschreiblich weiblich, Auf’m Bahnhof Zoo, Naturträne, Heiß, Auf’m Friedhof (Nina Hagen Band)

African reggae, Alptraum, Wir Leben immer...noch (Lucky number), Herrmann hieß er, Wau wau, Suf'm rummel, Fall in love mit mir (Unbehagen)

Antiworld, Smack Jack, Dread love, Future is now, Born in Xixax, Iki Maska, Cosma Shiva (NunSexMonkRock)

New York, New York, Was es ist, Zarah, I love Paul, News flash, The change, Silent love (Angstlos / Fearless)

Universal radio, God's aquarius, Russian reggae, My way, 1985 ekstasy drive, Prima Nina in ekstasy, Vater unser (In ekstase / In ecstasy)

World now (Love)

Can you take a joke (or do you wanna have some), Punkhockzeit, Punkwedding (Punk wedding EP)

Move over, Super freak family, Love heart attack, Hold me, Las Vegas, Dope sucks, Michail, Michail (Gorbachev rap), Ave Maria (Nina Hagen)

New York/N.Y. (Ben Liebrand remix) (The very best of)

Blumen für die damen, Divine love, sex and romance, Keep it live, Berlin (is dufte!), In my world, Erfurt und Gera, Nina 4 president (Street)

Du hast den farbfilm vergessen, He, wir fahren auf's land, Wir tanzen tango, Was denn, Wenn ich an dich denk, Hatschi-waldera (Rock aus Deutschland: Nina Hagen)

So bad, Revolution ballroom, Pollution pirates, Amore, Pillow talk, Berlin, I'm gonna live the life (Revolution ballroom)

Lass mich in ruhe!, Tiere, Zero zero U.F.O., Sonntag morgen, Abgehaun, Kunst, Sternmädchen (FreuD euch / BeeHappy)

Jai Mata Kali Jai Mata Durge!, Hare Krisna Hare Rama!, He Shiva shankara, Oh Mata Haidhakandeshvari!, Hara Hara Amarntha Gange (Om Namah Shivay)

Return of the mother, Der wind hat mir ein lied erzählt, Schachtmatt, Poetenclub, Schüttel mich, Yes sir (Return of the mother)

Let me entertain you, Sugar blues, The lady loves me, Rainbow, Fever (Big Band explosion)

Ich bin da gar nicht pingelig, Kriminaltango (con Michael von der Heide), Gimmi your love (con Hermann Brood) (Heiß)

Irgendwo auf der Welt, Serenade in blue, Summertime, Means that you're grand (bei mir bist du scheen), Der wind hat mir ein Lied erzählt, Happiness (Irgendwo auf der Welt)

God's radar, I'll live again, Personal Jesus, Nobody's fault but mine, Down at the cross, Mean old world, Help me (Personal Jesus)

Killer, Bitten der kinder & an meine landsleute, Wir sind das volk, Soma koma, Keiner von uns ist frei, Nicht vergessen (Volksbeat)

Don't kill the animals (con Lene Lovich), Go ahead, Let the sunshine in (con Udo Lindenberg & Uwe Ochsenknecht), Romeo und Julia (con Udo Lindenberg), Get your body (con Adamski), Hit me with your rhythm stick (con Freaky Fukin Weirdoz), Eisern Union, Schön ist die Welt, Immer lauter, Weihnachtsnaach (con BAP), Solo (con Thomas D), Fieber (con Oomph!), Total eclipse (con Rosenstolz), Seemann (con Apocalyptica) (Singles y colaboraciones)

Vídeos:

TV-Glotzer y Auf’m Friedhof, de su primer álbum Nina Hagen Band:

TV-Glotzer (live) - Nina Hagen Band


Auf’m Friedhof - Nina Hagen Band


African reggae, Alptraum y Herrmann hieß er, de su álbum Unbehagen:

African reggae (live) - Nina Hagen


Alptraum - Nina Hagen


Herrmann hieß er - Nina Hagen


Smack Jack, Antiworld y Iki Maska, del álbum NunSexMonkRock:

Smack Jack - Nina Hagen


Antiworld - Nina Hagen


Iki Maska - Nina Hagen


New York, New York y Zarah, del álbum Angstlos:

New York, New York - Nina Hagen


Zarah - Nina Hagen


Universal radio y My way, del álbum In ecstasy:

Universal radio - Nina Hagen


My way - Nina Hagen


Hold me y Michail, Michail, del álbum Nina Hagen:

Hold me - Nina Hagen


Michail, Michail (live) - Nina Hagen


Blumen für die damen y In my world, del álbum Street:

Blumen für die damen - Nina Hagen


In my world (live) - Nina Hagen


So bad, del álbum Revolution ballroom:

So bad - Nina Hagen


Tiere, del álbum FreuD euch:

Tiere - Nina Hagen


Der wind hat mir ein lied erzählt, del álbum Return of the mother:

Der wind hat mir ein lied erzählt - Nina Hagen


Personal Jesus y God's radar, del álbum Personal Jesus:

Personal Jesus (live) - Nina Hagen


God's radar (live) - Nina Hagen


Don't kill the animals (con Lene Lovich), Get your body (con Adamski), Fieber (con Oomph!) y Seemann (con Apocalyptica):

Don't kill the animals - Nina Hagen & Lene Lovich


Get your body - Adamski feat. Nina Hagen


Fieber - Oomph! feat. Nina Hagen


Seemann - Apocalyptica feat. Nina Hagen