miércoles, diciembre 30, 2015

THE BEATLES y 2 (desde 1966)

En junio de 1966 salió a la venta Yesterday and today, un álbum creado por Capitol Records para el mercado estadounidense. El disco causó gran impacto por su portada, al retratarlos vestidos de carniceros rodeados de piezas de carne y muñecas de plástico mutiladas. Una popular historia, aunque apócrifa, fue que la foto de la portada habría que entenderla como una respuesta satírica al modo que empleó Capitol en masacrar los álbumes originales del grupo. Ante la controversia y escándalo que la portada de este álbum despertó, decidieron cambiarla por una nueva más convencional. Una copia original sin censura fue subastada en 10.500 dólares en diciembre de 2005. Durante una gira por Filipinas, un mes después de que saliera a la venta Yesterday and today, fueron invitados a un desayuno en el Palacio Presidencial por parte de la primera dama del país, Imelda Marcos. Cuando se presentó la invitación, Epstein la rechazó cortésmente en nombre del grupo, ya que nunca había sido su política el aceptar este tipo de invitaciones oficiales. The Beatles se dieron cuenta pronto de que el régimen de Marcos no estaba acostumbrado a tomar un “no” por respuesta. Como resultado de ello, tuvieron que escapar del país a causa de los disturbios que se habían ocasionado. Inmediatamente después, los miembros de la banda visitaron la India por primera vez. Ese mismo mes tuvieron problemas para actuar en el Budokan japonés, un pabellón dedicado a la lucha. Ante los impedimentos para su actuación, Lennon expresó: “creo que es mejor tocar música que pelearse”.

Al poco tiempo, a punto de comenzar la tercera gira por Estados Unidos, se encontraron con la reacción furibunda de algunos de los religiosos y conservadores de aquel país, debido a un comentario que Lennon había hecho el mes de marzo anterior: en una entrevista con la periodista británica Maureen Cleave, opinó que la religión cristiana estaba por entonces en franco declive, y que The Beatles eran en ese momento más populares que Jesucristo. El comentario pasó prácticamente desapercibido en Inglaterra, pero cuando la revista Datebook la publicó en Estados Unidos, se creó una gran controversia entre los grupos religiosos del sur de Estados Unidos. Al mismo tiempo, ocasionó también que en Sudáfrica el gobierno prohibiera la publicación de grabaciones de The Beatles, acta que se extendió hasta 1971, y también el Vaticano formuló protestas, siendo prohibidas emisiones de canciones de los Beatles durante un tiempo en emisoras de radio de España y Holanda. Epstein criticó públicamente a Datebook, diciendo que habían interpretado las palabras de Lennon fuera de contexto. Finalmente, Lennon tuvo que disculparse públicamente por su comentario en una conferencia de prensa en Chicago en agosto de 1966.

Rubber soul había marcado un gran paso hacia adelante en la música de The Beatles; Revolver, lanzado en agosto de 1966, una semana antes de su última gira, marcaría otro paso más para el grupo. Pitchfork lo identificó como “el sonido de una banda que estaba creciendo con suprema confianza en sí misma” y “la redefinición de lo que cabía esperar de la música popular”. En Revolver destacan las sofisticadas composiciones y un repertorio muy amplio de estilos musicales, que van desde innovadores arreglos de cuerda clásica hasta el rock psicodélico. George Martin se había hecho perfecto cómplice de las inquietudes del cuarteto y se acopló maravillosamente a los nuevos paisajes que ofrecía la música de Revolver, paisajes que iban de lo clasicista a lo iconoclasta, de lo simple a lo intrincado. Abandonando la típica fotografía que hasta ese momento era norma, la portada del álbum (diseñada por Klaus Voormann, un amigo que conocían desde sus días en Hamburgo) consistía en un “collage artístico en blanco y negro que tenía caricaturizada la imagen de The Beatles en un corral de tinta al estilo de Aubrey Beardsley”. El álbum fue precedido por el single Paperback writer, con Rain en la cara B del disco. The Beatles rodaron cortometrajes promocionales para ambas canciones, que están considerados como “auténticos primeros vídeos musicales de entre los que se rodaron en aquella época”, y que fueron transmitidos en los programas Top of the Pops y The Ed Sullivan show.

Uno de los temas más experimentales de Revolver fue Tomorrow never knows, cuya letra fue inspirada por el libro The psychedelic experience: a manual based on the Tibetan Book of the Dead, de Timothy Leary. En la creación de la canción se vieron involucradas ocho pletinas distribuidas por el edificio de estudio de grabación, cada una manejada por un ingeniero o un miembro de la banda, que variaba aleatoriamente el movimiento del bucle de una cinta. Eleanor Rigby, de McCartney, contenía un uso prominente de un octeto de cuerda en la canción; el tema ha sido descrito como “un verdadero híbrido musical, ya que no es reconocible algún estilo o género concreto en la canción”. Harrison se estaba desarrollando como compositor, y tres de sus composiciones se habían ganado un lugar en el álbum. En 2003, Rolling Stone situó a Revolver como el 3º mejor álbum de todos los tiempos. En la gira que siguió en Estados Unidos, The Beatles no tocaron ninguna de las canciones del álbum.

Mientras estaban ensayando para la gira por Estados Unidos, los Beatles sabían que el público apenas podría escuchar su música. Originalmente utilizaron amplificadores Vox AC30, más tarde adquirieron más potentes amplificadores de 100 vatios, especialmente diseñados por Vox para ellos a medida que actuaban en escenarios más grandes en 1964, pero éstos eran aún insuficientes. Luchando para competir con el volumen del sonido generado por los gritos de los fans, la banda había crecido cada vez más aburrida de la rutina de interpretar en directo. Tras reconocer que sus shows se caracterizaban más por otros aspectos externos que por la música, decidieron que su gira de agosto sería la última.

The Beatles dieron su último concierto en vivo a finales de agosto de 1966 en el Candlestick Park de San Francisco. Marcó el final de un período de cuatro años dominado por giras que incluyeron cerca de 1.400 apariciones en conciertos a nivel internacional. Con su retiro de las actuaciones en directo, la “beatlemanía” se fue apagando sólo en su sentido de frenesí colectivo, aunque siguieron siendo el grupo de referencia de su tiempo y teniendo entusiastas seguidores. A partir de entonces se limitarían a hacer grabaciones en estudio. Empezaba así una nueva etapa en su carrera, con una nueva imagen y un nuevo estilo, más serio y profundo. Experimentando con avanzadas técnicas para crear innovadores efectos musicales, los registros de su música se ampliaron y dieron entrada al blues, al country, a parodias de los años veinte, a influencias orientales y a la crítica social, elementos que quedaron armónicamente integrados en un sonido propio e inconfundible.

Además, la vida privada de los cuatro se vería seriamente amenazada. Se llegó a pensar en una separación de The Beatles, cuando cada uno de ellos decidió dedicarse á proyectos personales. John Lennon hizo el papel de soldado en Cómo gané la guerra, película dirigida por Richard Lester y rodada en España y Alemania; Paul se fue de vacaciones a África, compuso la banda sonora de la película de Roy Boultin, The family way, y comenzó a producir a Peter and Gordon y a Cliff Bennett; George desapareció en la India durante dos meses, dedicándose a estudiar el sitar con Ravi Shankar y a profundizar su interés por el misticismo hindú; Ringo se dedicó a la familia volcándose en su vida privada, junto a su mujer Maureen y su pequeño Zak. Al mismo tiempo, empezaron a circular noticias sobre una inminente disolución del grupo, que parecieron confirmarse cuando en la Navidad de 1966 The Beatles faltaron a su tradicional cita con el público. A finales de 1966, se publicó un álbum recopilatorio de Parlophone llamado A collection of Beatles' oldies, en el que figuraban los éxitos antiguos de The Beatles, incluyendo un tema inédito del rockero Larry Williams, Bad boy, de la época del Cavern Club.

Sin embargo, desde noviembre estaban reunidos en el estudio de grabación y habían firmado un nuevo y ventajoso contrato con la potente EMI. Para celebrarlo, en febrero de 1967 publicaron un single que en una cara figuraba Penny lane y en la otra Strawberry fields forever. Las dos canciones debían formar parte del nuevo álbum, pero cuando en junio de 1967 se publicaba su octavo álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, finalmente no formaron parte de su listado. Emerick recordaba: “The Beatles insistieron en que todo en Sgt. Pepper tenía que ser diferente. Teníamos instalados micrófonos dentro de las campanas de los instrumentos de metal, y los auriculares se convirtieron en micrófonos unidos a los violines. Solíamos usar gigantes osciladores primitivos para variar la velocidad del sonido de los instrumentos y la voz, y teníamos cintas cortadas en pedazos y pegadas de nuevo aleatoriamente y al revés”. Algunas partes de A day in the life requirieron una orquesta de cuarenta personas. Cerca de 700 horas de tiempo de estudio se dedicaron a las sesiones.

La complejidad de las grabaciones musicales, creadas usando sólo tecnología de grabación a cuatro pistas, asombró a artistas contemporáneos que buscaban superar a The Beatles. Para el líder de The Beach Boys, Brian Wilson, en medio de una crisis personal y dificultades para completar su ambicioso álbum Smile, escuchar Strawberry fields fue un duro golpe y pronto abandonó todos los intentos de competir con The Beatles. Sgt. Peppers recibió la aclamación de la crítica. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó como el Mejor álbum de todos los tiempos, y es ampliamente considerado como una obra maestra y precursor de la música psicodélica. Jonathan Gould lo describió como “una obra rica, continua y desbordante de genialidad colaborativa, cuya audaz ambición y sorprendente originalidad hacen que se amplíe notablemente sus posibilidades, aumentando así las expectativas de lo que puede ser la experiencia de escuchar la música popular en una grabación. Sobre la base de esta percepción, Sgt. Pepper devino en el catalizador de una explosión de gran entusiasmo por parte de las masas para con el formato de álbum de rock, que iba a revolucionar tanto la estética como la economía de la industria discográfica que sobrepasaría las anteriores explosiones pop provocadas por el fenómeno de Elvis en 1956 y el fenómeno de la Beatlemanía en 1963”.

También fue uno de los primeros en su género en incluir las letras de las canciones en su funda. Esas letras fueron objeto de intenso análisis; los fans especularon, por ejemplo, que el “célebre Señor K” de Being for the benefit of Mr. Kite!, de hecho podría ser el escritor de ficción surrealista Franz Kafka. El crítico literario norteamericano y profesor de inglés Richard Poirier escribió un ensayo, Aprender de The Beatles, en el que señalaba que sus estudiantes estaban “escuchando la música del cuarteto con tal grado de compromiso, que él, como maestro de Literatura, sólo podía envidiarles”. Poirier ha identificado lo que él llamó las “alusiones mixtas” del material musical: “Siempre es poco prudente asumir que sólo están haciendo una sola cosa o que se están expresando en un único estilo. Un solo tipo de sentimiento acerca de un tema no es suficiente, tiene que existir a menudo cualquier sentimiento inducido dentro del contexto de las alternativas aparentemente contradictorias”. McCartney dijo en ese momento: “nosotros escribimos canciones. Sabemos lo que queremos decir en ellas. Pero en una semana alguien más dice algo al respecto, y no lo puedes negar. Tú pones tu propio significado a tu propio nivel a nuestras canciones”.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es probablemente el álbum más famoso por su portada en la historia de la música popular. La elaborada portada de Sgt. Pepper's también atrajo un interés considerable y un profundo estudio. Un collage diseñado por los artistas pop Peter Blake y Jann Haworth, representaba al grupo como la banda ficticia a la que se refiere la canción que da título al álbum de pie delante de una multitud de famosos, de los que la compañía eliminó las imágenes de Mahatma Ghandi y de Jesucristo para no generar conflictos tanto en la India como en la comunidad cristiana. Los poblados bigotes usados por el grupo reflejaba la creciente influencia del estilo hippie, mientras que el historiador cultural Jonathan Harris describía “sus uniformes militares de parodia de colores brillantes” como una visualización cómplice “anti-autoridades y anti-establishment”.

En junio interpretaron su nuevo single, All you need is love, para los televidentes de todo el mundo a través de Our world, el primer programa transmitido vía satélite para todo el mundo. Su aparición en medio del Verano del Amor hizo que lo adoptasen como himno del flower power. Dos meses después sufrieron una pérdida que lanzó su carrera al caos. Después de ser presentados al Maharishi Mahesh Yogi, viajaron a Bangor (Gales) para retirarse a hacer meditación trascendental. Durante el retiro, el asistente de Epstein, Peter Brown, llamó para informarles de que Epstein había muerto. El médico forense dictaminó que su muerte fue ocasionada por una sobredosis accidental de anfetaminas, pero también se rumoreó que se había descubierto una nota de suicidio entre sus posesiones. Epstein se encontraba en un estado emocional frágil, tanto por cuestiones personales como por el estado de su relación de trabajo con The Beatles. Le preocupaba que no fueran a renovar su contrato de gestión con él, que expiraba en octubre, basado en el descontento que tenían con su supervisión en los asuntos de negocios. Se expresaron dudas concretas sobre Seltaeb, la empresa que manejaba los derechos de comercialización de The Beatles en Estados Unidos. La muerte de Epstein los dejó desorientados y temerosos por su futuro. Poco después, Lennon dijo: “No tuve ningún concepto erróneo acerca de nuestra capacidad para hacer otra cosa que no fuera tocar música, y tenía miedo”. Recapitulando, comprendió que la muerte de Epstein sería el comienzo del fin del grupo: “Sabía que estábamos en apuros. Entonces pensé, estamos jodidos a partir de este momento”.

El lanzamiento de Magical Mistery Tour, canción escrita en un principio para el álbum Sgt. Pepper, se retrasó hasta llegar a convertirse en un doble EP de seis temas. En Estados Unidos lo hizo como LP, en el que se incluyeron también los temas de sus últimos singles. Allmusic opinaba sobre el Magical Mystery Tour americano: “El sonido psicodélico de este disco está muy a la par de Sgt. Pepper, e incluso se encuentra más acentuado en algunas partes de él (especialmente en los collages de sonido de I am the Walrus)”, y calificaba a sus cinco canciones extraídas de los singles que publicaron en 1967 como “enormes, gloriosas e innovadoras”.

El disco también fue la base de una película parcialmente inspirada en una idéntica experiencia americana, con la idea de montar a The Beatles, a los amigos, a sus caprichos y al equipo cinematográfico en un autobús y recorrer Gran Bretaña, rodando un mínimo de secuencias preprogramadas y, principalmente, cualquier cosa que sucediera por el camino. Lo que ocurrió, sin embargo, no fue del todo mágico: desde un principio, la comitiva fue asediada por los periodistas, los enviados de televisión y los fans, el ambiente estaba tenso y la organización hecha pedazos. Cuando el trabajo, dirigido básicamente por McCartney y ya elaborado, fue transmitido por televisión, en blanco y negro, en diciembre de 1967, los críticos lo rechazaron abiertamente e incluso los fans más incondicionales manifestaron su contrariedad. Fue llamada “una indudable basura” por el Daily Express, que la describió como “una sucesión de imágenes sin editar mostrando a un grupo de gente subiendo y bajando de un autobús y viajando todo el tiempo en él”. Sin embargo, el Daily Mail la calificó como “un proyecto vanidoso”, mientras que The Guardian la calificó como “una especie de juego de fantasía moral sobre la grosería, la calidez y la estupidez de la audiencia”. Le fue tan rotundamente mal que fue cancelada en ese momento en Estados Unidos.

El doble álbum de la banda sonora llegó, de todas maneras, al 2º puesto de las listas de éxitos británicas y el single Hello goodbye, se mantuvo en el primer puesto a lo largo de siete semanas. El álbum estableció un nuevo récord en sus primeras tres semanas de venta inicial en Estados Unidos, el más alto de cualquier otro LP de Capitol, y es una recopilación de Capitol que después fue adoptada en el canon oficial de los álbumes de estudio de The Beatles.

En enero, filmaron un corto para la película animada Yellow submarine, una versión animada y fantasiosa de The Beatles. La otra y última participación que llevaron a cabo en la película fue con la contribución de varias grabaciones de estudio inéditas. Estrenada en junio de 1968, la película fue bien recibida por su innovador estilo visual y humorístico, además de su música. Sin embargo, tuvieron que pasar siete meses hasta que se publicó la banda sonora de la película.

Entre tanto, apareció lo que sería el álbum The Beatles, un doble LP popularmente conocido como White album, debido a su funda totalmente blanca. En contraposición a las anteriores fundas o portadas, White album, publicado con el plus del diseño minimalista de Richard Hamilton, contrastaba con anteriores diseños de las portadas de estilo pop-art como los que realizaba Peter Blake. La inspiración creativa para este álbum llegó desde una nueva dirección, cuando, faltando la presencia rectora de Epstein, la banda se volvió hacia el Maharishi Mahesh Yogi para hacerlo su gurú. En su ashram en Rishikesh, India, la impartición de un “curso-guía” de tres meses, al que asistieron junto al cantante Donovan, la actriz Mia Farrow, su hermana Prudence (a quien Lennon le dedicó el tema Dear Prudence) y Mike Love, componente de los Beach Boys, se convirtió en uno de sus períodos más creativos, produciendo allí un gran número de canciones, incluyendo la mayor parte de las treinta grabadas para el álbum. Starr se marchó después de diez días de estancia allí, comparando aquel lugar con un campamento familiar de verano, y McCartney finalmente se aburrió con el procedimiento de sus compañeros en aquel lugar y se fue un mes después. Para Lennon y Harrison la creatividad se tornó en cuestionamiento cuando Yanni Alexis Mardas, técnico de electrónica conocido como Magic Alex, sugirió que el Maharishi estaba tratando de manipularles. Después de que Mardas alegara que el Maharishi había hecho proposiciones sexuales a varias asistentes, Lennon quedó convencido y se fue abruptamente, llevándose a Harrison y al resto de la comitiva consigo. En su ira, Lennon escribió una canción llamada Maharishi, pero luego la modificó para evitar una demanda legal, convirtiéndola en la canción Sexy Sadie. McCartney dijo: “hemos cometido un error. Pensábamos que había algo más en el Maharishi de lo que realmente había”.

Durante las sesiones de grabación para el álbum, que se extendieron desde finales de mayo hasta mediados de octubre de 1968, las diferencias y los desacuerdos comenzaron a dividirlos. Starr los dejó por un tiempo, lo que hizo que siguiesen adelante con McCartney tocando la batería en Back in the U.S.S.R. (en la que Harrison y Lennon colaboraron también en la batería) y Dear Prudence. El romance de Lennon con la artista vanguardista Yoko Ono contribuyó a crearles tensiones, haciendo que Lennon perdiese el interés en escribir canciones con McCartney. Desobedeciendo el acuerdo que ellos mismos establecieron de no llevar parejas al estudio, Lennon insistió en llevar a Ono a todas las sesiones de grabación, situación que no agradaba a Harrison. También era cada vez más despectivo con los aportes creativos de McCartney, al que empezó a identificar como “autor de música para abuelitas”, calificando la canción Ob-la-di, ob-la-da como “música-basura para abuelitas”. Recordando las sesiones del White album, Lennon ofreció un curiosamente abreviado resumen de la historia que había vivido con sus compañeros a partir de ese momento, diciendo: “es como si sacaras cada tema de ahí y lo convirtieras en todo mío y todo de Paul. Solamente yo con músicos de acompañamiento por un lado, y Paul igualmente por otro; y me lo pasé bien. Entonces fue cuando nos disolvimos”. McCartney también recordó que las sesiones marcaron los comienzos de la ruptura, diciendo: “hasta ese momento, el mundo era un problema, pero nosotros no lo éramos”, lo cual siempre había sido “la mejor cosa de The Beatles”.

Publicado en noviembre, White album fue el primer álbum de The Beatles editado por Apple Records. El sello discográfico era una de las divisiones de la empresa Apple Corps, formada por el grupo a su regreso de la India, cumpliendo así un plan previo de Epstein de crear una estructura empresarial efectiva para administrar mejor los impuestos a pagar. El álbum tuvo más de dos millones de pedidos anticipados, vendiendo casi 4 millones de copias en Estados Unidos en poco más de un mes, y sus temas dominaron las listas de las emisoras de radio estadounidenses. El blues, el rock, el music-hall, el pop, el boogie, el vanguardismo, la psicodelia, el country, el folk y hasta el heavy se daban cita en un LP imprescindible para entender la música futura en cualquiera de sus vertientes estilísticas. John Lennon y Paul McCartney ofrecían su habitual genialidad en la escritura y George Harrison compondría uno de los mejores temas del doble álbum, While my guitar gently weeps, canción que contaba con la ayuda en la guitarra de Eric Clapton. A pesar de su popularidad, no recibió comentarios halagadores en su época. Según Jonathan Gould, “la respuesta de la crítica osciló entre la confusión y el desencanto. En intenso contraste con Sgt. Pepper, que había contribuido a establecer todo un género de crítica erudita del rock, White album no inspiró literatura crítica digna de mención. Incluso los recensores más simpatizantes claramente no sabían qué hacer con esta efusión amorfa de canciones. Hubert Saal, del Newsweek, citó la alta proporción de parodias, y los acusó de exceso de ironía soterrada”.

La opinión general de la crítica se decantó finalmente a favor del White album, y en 2003 la revista Rolling Stone lo consideró el 10º mejor álbum de todos los tiempos. Pitchfork describe el álbum como “grande, rebosante de ideas y lleno de una enorme variedad musical; sus defectos son tan esenciales a su carácter como sus virtudes”. Allmusic señalaba: “claramente, las dos fuerzas compositoras de The Beatles ya no estaban en la misma página, pero tampoco lo estaban George y Ringo”; a pesar de todo “Lennon crea una de sus dos mejores baladas, las letras de las canciones de McCartney son sorprendentes”, es visible que Harrison se ha convertido en “un compositor que merecía una demostración más amplia”, y la composición de Starr “es un placer”.

Para ese entonces, el interés por las letras de The Beatles estaba tomando un aspecto serio. Cuando la canción de Lennon Revolution se había publicado como single en agosto, como anticipo del White album, su mensaje parecía claro: “libera tu mente” y “no cuentes conmigo” para cualquier conversación sobre la destrucción como medio para alcanzar un fin. En un año caracterizado por protestas estudiantiles que se extendían desde Varsovia hasta París y Chicago, la respuesta de la izquierda radical fue mordaz. Sin embargo, la versión de la canción en el White album, Revolution 1, añadía una palabra extra: “count me out... in” (traducible por “no cuentes conmigo..., cuenta conmigo”), lo que implicaba un cambio de ideas desde la publicación del single. De hecho, la cronología se había invertido: la ambigua versión del álbum se había grabado antes, pero algunos creyeron que The Beatles ahora decían que la violencia política podía ser, a pesar de todo, justificable.

El LP Yellow submarine apareció finalmente en enero de 1969. Contenía sólo cuatro de sus canciones inéditas, junto a la canción Yellow submarine (ya aparecida en Revolver); All you need is love (que ya había formado parte de la edición americana del álbum Magical Mystery Tour); y siete piezas instrumentales compuestas por George Martin e interpretadas con su orquesta. Debido a la escasez de música nueva que la agrupación proporcionaba, Allmusic sugirió que quizás el álbum “no fuese esencial”, salvo por el tema It's all too much de Harrison, “la joya de las nuevas canciones, resplandecida por un mellotron envolvente, una percusión increíble, y un feedback de guitarra fastuoso; una excursión virtuosa en la, por otra parte, confusa psicodelia reinante”.

Aunque Let it be fue el último álbum que lanzaron, la mayor parte de su contenido fue grabado antes de Abbey Road. Inicialmente llamado Get back, Let it be se originó a partir de una idea que Martin atribuyó a McCartney: preparar nuevo material e interpretarlo por primera vez en un concierto, grabarlo para un nuevo álbum y filmar sus sesiones de grabación. En este caso, gran parte del contenido del disco provino del trabajo en estudio, muchas horas de las cuales fueron capturadas en película por el director Michael Lindsay-Hogg en los estudios Twickenham Film. Martin dijo que los ensayos y la grabación para el proyecto, que ocuparon gran parte de enero de 1969, “no eran en absoluto una experiencia feliz. Fue una época en la que las relaciones entre los miembros de The Beatles estaban en su punto más bajo”. Agravado por las relaciones entre McCartney y Lennon, Harrison abandonó los ensayos durante una semana. Regresó con el teclista Billy Preston, que participó en los últimos diez días de las sesiones del álbum y que fue acreditado en el single Get back, el único músico en recibir tal reconocimiento en una grabación oficial de The Beatles. Pensando en la localización para realizar el concierto, a los miembros de la banda se les agotaron todas las ideas, rechazando, entre otros escenarios, un barco en el río Támesis, el desierto de Túnez y el Coliseum de Roma. Finalmente, acompañados por Preston, llevaron a cabo y filmaron la actuación en la azotea del edificio de Apple Corps en Savile Row, Londres, en enero de 1969, ante la mirada atónita de los viandantes, convirtiéndose en la última ocasión en que los cuatro Beatles tocarían juntos en directo. Todo este suceso y las citadas sesiones de grabación quedaron recogidos en el film Let it be, un documento histórico de un grupo en pleno proceso de desintegración. El single Ballad of John and Yoko, publicado en mayo de 1969, sería su último número 1 en listas británicas de singles.

El ingeniero Glyn Johns trabajó durante meses reuniendo varias iteraciones posibles para poder publicar un álbum definitivo de Get back, mientras que ellos trataban otros asuntos. El problema llegó con la necesidad de nombrar un asesor financiero, necesidad que se había hecho evidente al no estar ya Epstein para gestionarles sus asuntos de negocio. Lennon estaba a favor de Allen Klein, que había negociado los contratos de The Rolling Stones y otras bandas de Reino Unido durante la invasión musical británica en Estados Unidos. La elección de McCartney fue John Eastman, hermano de Linda Eastman, con quien McCartney se casaría en marzo de 1969 (ocho días antes de que lo hicieran Lennon y Ono). No se pudo llegar a ningún acuerdo, así que ambos candidatos fueron nombrados para el mismo puesto. A causa del conflicto, se perdieron varias oportunidades de operaciones financieras.

Martin se sorprendió cuando McCartney se puso en contacto con él y le pidió que produjera un nuevo álbum, ya que las sesiones de Get back habían sido, según el productor, “una experiencia desagradable” y que había “pensado que era el final del camino para todos nosotros, se habían convertido en personas desagradables, para ellos mismos como para las demás personas”. Las sesiones de grabación de Abbey Road se iniciaron a finales de febrero de 1969. Lennon rechazó el formato propuesto por Martin de “una obra musical continua”, y quería que sus propias canciones y las de McCartney ocuparan partes separadas del álbum. El formato final, con canciones individuales en la primera parte y la segunda comprendiendo un largo medley, fue un concepto sugerido por McCartney. A principios de julio, mientras iba progresando el trabajo en el álbum, apareció el primer single de un miembro de The Beatles en solitario: Give peace a chance de Lennon, acreditado a la Plastic Ono Band, banda que John había formado con Yoko Ono, Eric Clapton, Klaus Voorman y Alan White. La complementación de I want you (she's so heavy), de Abbey Road, a mediados de agosto, fue la última vez que los cuatro Beatles estuvieron juntos en el mismo estudio. Lennon anunció su retirada de la formación el 20 de septiembre de 1969, pero se llegó a un acuerdo por el cual no se haría ningún anuncio público hasta que no se resolvieran algunos asuntos legales aún pendientes.

Lanzado seis días después de la declaración de Lennon, Abbey Road vendió 4 millones de copias en dos meses y encabezó las listas de Reino Unido durante 11 semanas. Su segunda canción, la balada Something, se publicó también como single, la primera y única composición de Harrison en aparecer como cara A en los singles de The Beatles. Abbey Road recibió críticas muy variadas, aunque el medley se llevó el aplauso general. Allmusic consideraba que era “un oportuno canto de cisne para el grupo” con “algunas de las mejores armonías que pueden ser oídas en cualquier disco de rock”. MacDonald lo resaltó como “errático y, a menudo hueco”: “Si no hubiera sido por la entrada de McCartney como diseñador del largo medley, Abbey Road carecería de la semblanza de unidad y coherencia que hace que parezca mejor de lo que es”. Martin lo colocó como su favorito entre todos los álbumes de The Beatles; Lennon dijo que era “competente”, pero “no tenía vida en él”, llamando a Maxwell's silver hammer “más de la música de abuela de Paul”. El ingeniero de grabación Geoff Emerick señaló que la sustitución de la válvula en la mezcladora de audio del estudio hizo que el transistorizado produjese un sonido con menos garra, dejando a los músicos frustrados por el tono más delgado y la falta de efecto.

A principios de enero de 1970 se grabó la última nueva canción de The Beatles, I me mine, de Harrison, para el aún incompleto álbum Get back. No había participado Lennon, que se encontraba entonces en Dinamarca. Para completar el álbum, ahora retitulado Let it be, Klein dio en marzo las cintas de grabación de Get back al productor estadounidense Phil Spector. Conocido por su característico “muro de sonido”, Spector había producido recientemente el single en solitario de Lennon, Instant karma!. Además de remezclar el material de Get back, Spector editó, empalmó y sobregrabó en varias de las canciones que The Beatles habían concebido como grabaciones “en vivo”. McCartney estaba insatisfecho con el tratamiento que Spector le dio al material, y particularmente con la orquestación en The long and winding road, que involucró a un conjunto de un coro y una orquesta de 34 piezas instrumentales. Por ello, intentó sin éxito detener el lanzamiento del álbum en la versión de Phil Spector. Finalmente, McCartney anunció públicamente la separación del grupo en abril de 1970, una semana antes de la publicación de su primer álbum en solitario, McCartney. Las primeras copias de su álbum debut en solitario incluían una nota de prensa con una autoentrevista explicando el final de The Beatles y sus esperanzas cara al futuro.

A principios de mayo se lanzó el álbum Let it be, con producción final de Spector. El single extraído de él, The long and winding road, fue su última publicación en Estados Unidos, ya que en Gran Bretaña no se había publicado como tal. La película documental Let it be le siguió más tarde ese mismo mes; en la ceremonia de los premios Oscar del siguiente año ganaría el Oscar a la Mejor banda sonora. The Sunday Telegraph la calificó como “una película muy mala, pero al mismo tiempo enternecedora sobre la ruptura de esta tranquila, geométricamente perfecta, y alguna vez atemporal familia de compañeros”. Más de una reseña crítica había comentado que algunas canciones de Let it be sonaban mejor en la película que en el propio álbum. Observando que Let it be es el único álbum de The Beatles que solía ocasionar reseñas negativas, incluso hostiles, Allmusic lo describió como “en conjunto, un álbum menos valorado. McCartney, en particular, ofrece algunas joyas: la canción al estilo gospel Let it be, que contiene alguna de sus mejores letras; Get back, uno de sus temas más roqueros; y la melódica The long and winding road, arruinada por la sobreproducción de Spector”. Paul McCartney presentó una demanda para la disolución de The Beatles el 31 de diciembre de 1970. Las disputas legales continuaron mucho tiempo después de la ruptura, y la disolución de la asociación no surtiría efecto hasta 1975.

Poco antes y después de su separación oficial, cada uno de ellos publicó álbumes en solitario, aunque algunos de sus discos contenían contribuciones de los otros miembros. Ringo (1973), de Ringo Starr, fue el único álbum que incluía composiciones e interpretaciones de todos ellos, aunque en canciones grabadas por separado. Harrison mostró su conciencia sociopolítica al organizar el Concierto para Bangladesh en Nueva York en agosto de 1971, junto al maestro del sitar Ravi Shankar, ganando así respeto por su contribución a la ayuda de aquel país, devastado por la guerra (con el consiguiente refugio de una parte de la población al país vecino, India), y un posterior desastre natural en forma de ciclón. Aparte de una inédita jam session de 1974 (aparecida después en el bootleg A toot and a snore in '74), Lennon y McCartney nunca más volvieron a grabar juntos.

En 1973 se lanzaron dos dobles LP que contenían los grandes éxitos de The Beatles recopilados por Allen Klein, The Beatles/1962-1966 y The Beatles/1967-1970. Comúnmente conocidos como los álbumes Red y Blue, respectivamente, cada uno obtendría con el paso del tiempo un Disco multi-platino en Estados Unidos y una certificación de Disco de platino en Reino Unido. Entre 1976 y 1982, se lanzaron, por parte de EMI/Capitol, una oleada de álbumes recopilatorios de The Beatles sin participación alguna de los miembros del grupo. El único álbum de todos ellos que incluyó material inédito fue The Beatles at the Hollywood Bowl (1977), que contenía una selección de dos conciertos de The Beatles durante sus giras de 1964 y 1965 por Estados Unidos. Todos estos discos recopilatorios fueron suprimidos del catálogo oficial de EMI (incluyendo The Beatles at the Hollywood Bowl) al reeditarse la discografía original inglesa en CD para todo el mundo en 1987.

La música y la fama perdurable de los Beatles han sido comercialmente explotadas en varias otras maneras, una vez más a menudo fuera de su control creativo. En abril de 1974, el musical John, Paul, George, Ringo... y Bert, escrito por Willy Russell y con la participación de la cantante Barbara Dickson, se estrenó en Londres. Incluía, con autorización de Northern Songs, once composiciones de Lennon-McCartney y una de Harrison, Here comes the sun. Disconforme con el uso de su canción por la producción, Harrison retiró su permiso para utilizarla. Más tarde en ese mismo año, el musical fuera del circuito de Broadway Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band on the road fue estrenada. All this and World War II (1976) fue una película de no ficción heterodoxa que combinaba material de archivo de noticiario con covers de canciones de Beatles de un abanico de artistas que iban desde Elton John y Keith Moon a la London Symphony Orchestra. El musical de Broadway, Beatlemania, una revista nostálgica no autorizada interpretada por cuatro músicos imitando a The Beatles, se estrenó a principios de 1977 y demostró ser popular, dando como resultado cinco producciones separadas para sus correspondientes giras mundiales.

En 1977 The Beatles trataron infructuosamente de evitar el lanzamiento del álbum Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962. Esta edición independiente contenía grabaciones que realizaron durante su estancia en Hamburgo, hechas con un equipo básico de grabación y un solo micrófono. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1978), una película musical protagonizada por los Bee Gees y Peter Frampton, fue un fracaso comercial y un “fiasco artístico”, según Ingham. En 1979, los cuatro músicos demandaron a los productores del musical Beatlemania, llegando a pedir varios millones de dólares de indemnización. “La gente creía que la música de The Beatles era del dominio público”, dijo Harrison. “No se puede ir por ahí hurtando el material de The Beatles”.

John Lennon sería asesinado el 8 de diciembre de 1980, alrededor de las 22:49 h. de la noche, de cinco disparos efectuados por Mark David Chapman a la entrada del edificio Dakota, donde el músico tenía su residencia en Nueva York. Como tributo personal, George Harrison reescribió la letra de su canción All those years ago, un tema que versaba sobre su tiempo pasado con The Beatles, y que se había empezado a grabar un mes antes del asesinato de Lennon. Con McCartney y su esposa Linda aportando coros, y Starr tocando la batería, la canción fue publicada como single en mayo de 1981. En 1982, Paul McCartney publicó su álbum Tug of war, que contenía su tributo personal a Lennon en la canción Here today.

En 1988, The Beatles fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll durante su primer año de elegibilidad, en una ceremonia a la que asistieron Harrison y Starr, junto a la viuda de Lennon, Yoko Ono, y sus dos hijos, Julian y Sean. McCartney se negó a asistir, emitiendo un comunicado de prensa diciendo: “Después de 20 años, The Beatles todavía tienen algunas diferencias de negocios que yo hubiera deseado que ya hubieran sido resueltas para este momento. Desafortunadamente, no lo han sido, por lo que me sentiría como un completo hipócrita saludando y sonriendo con ellos en una falsa reunión”. El año siguiente, EMI/Capitol puso fin a una demanda de diez años de duración que tenía con The Beatles referente a las regalías, allanando el camino para poder publicar comercialmente material inédito.

Live at the BBC, la primera publicación oficial de interpretaciones inéditas de The Beatles desde hacía 17 años, apareció en 1994. Ese mismo año, McCartney, Harrison y Starr se reunieron para el proyecto Anthology, la culminación de un trabajo iniciado a finales de los años 60 por Neil Aspinall. Primero road manager y después asistente personal de The Beatles, Aspinall comenzó a reunir material para un documental después de haber llegado a director de Apple Corps en 1968. The long and winding road, como tenía titulado provisionalmente Aspinall su documento sobre The Beatles, fue archivado entonces de forma indefinida, hasta que, como productor ejecutivo del proyecto Anthology en los años 90, estuvo en condiciones de completar su trabajo. Documentando la historia de The Beatles relatada por los propios miembros, el proyecto vio surgir algunas de sus grabaciones inéditas; McCartney, Harrison y Starr añadieron también nuevas partes instrumentales y vocales a dos canciones grabadas por Lennon a finales de la década de 1970. Durante 1995 y 1996, el proyecto antológico dio lugar a un documental dividido en cinco partes destinado para la televisión; a una edición videográfica dividida en ocho volúmenes del mismo documental, en versión extendida; y a tres álbumes con dos CD cada uno. Posteriormente, en 2000, también daría lugar a un libro de gran tamaño y tapa dura con la historia de The Beatles relatada en primera persona por sus ex miembros. Las dos canciones basadas en las maquetas de Lennon, Free as a bird y Real love, con la colaboración de Jeff Lynne, fueron lanzadas cada una como single. El diseño artístico de la portada tríptica de los tres álbumes antológicos fue obra de Klaus Voormann, creador de la portada del álbum Revolver en 1966. Los lanzamientos fueron un éxito comercial y la serie de televisión fue vista por una audiencia estimada de 400 millones de personas en todo el mundo.

En noviembre de 2000 se publicó el álbum recopilatorio 1, que contenía todos los números 1 británicos y estadounidenses de The Beatles. Se convirtió en el álbum con ventas más rápidas de todos los tiempos, con 3,6 millones de unidades vendidas en su primera semana y más de 12 millones en tres semanas en todo el mundo. Fue número 1 en las listas de al menos 28 países, incluyendo Reino Unido y Estados Unidos. Hasta abril de 2009 había vendido 31 millones de copias a nivel mundial, y es el álbum más vendido de la década en Estados Unidos.

Harrison moriría de cáncer de pulmón el 29 de noviembre de 2001. McCartney y Starr fueron dos de los músicos que aparecieron en el Concert for George organizado por Eric Clapton y la viuda de Harrison, Olivia. El homenaje tuvo lugar en el Royal Albert Hall en el primer aniversario de la muerte de Harrison. Aparte de las canciones que compuso para The Beatles y para su carrera en solitario, el concierto incluyó también una celebración de la música tradicional hindú, que tanto había influido a The Beatles a través de Harrison. En 2003 se lanzó Let it be... Naked, una versión remodelada del álbum original Let it be con la producción supervisada de McCartney, que recibió reseñas diversas por parte de la crítica. Alcanzó el Top 10 tanto en Reino Unido como en Estados Unidos.

Como banda sonora para el espectáculo Love del Cirque du Soleil en Las Vegas, George Martin y su hijo Giles remezclaron y combinaron 130 grabaciones de la banda para crear “una manera de revivir toda la vida musical de The Beatles en un período muy condensado de tiempo”. El espectáculo se estrenó en junio de 2006, lanzándose el álbum Love en noviembre de ese mismo año. Atendiendo al primer aniversario del espectáculo musical, McCartney y Starr fueron entrevistados en el programa de televisión estadounidense Larry King Live junto a Yoko Ono y Olivia Harrison. Asimismo, en 2007 circuló la noticia de que McCartney esperaba completar Now and then, una tercera maqueta de Lennon en la que se trabajó durante las sesiones de Anthology. Sería acreditada como “una composición de Lennon/McCartney” con la adición de nuevos versos, y disponiendo de una nueva pista de batería a cargo de Ringo Starr y grabaciones archivadas de George Harrison tocando la guitarra.

En marzo de 2008 los abogados representantes de Apple Corps tramitaron una demanda para evitar la difusión de grabaciones inéditas supuestamente hechas durante la primera aparición de Starr con The Beatles en el Star-Club de Hamburgo en 1962. En noviembre, McCartney habló de su esperanza de que Carnival of light, una grabación experimental de 14 minutos de The Beatles realizada en los estudios de grabación de EMI en 1967, recibiera una versión oficial. En abril de 2009, McCartney encabezó un concierto caritativo en el Radio City Music Hall para la Fundación David Lynch, que incluía a Ringo Starr entre los demás invitados.

En septiembre de 2009 se publicó The Beatles: Rock band, un videojuego dentro de la serie Rock band, que estaba basado en las canciones de The Beatles. Ese mismo día salieron a la venta las versiones remasterizadas de los doce álbumes de estudio británicos del grupo, más Magical Mystery Tour y la recopilación Past masters.

Debido a un desacuerdo de muchos años con los derechos de autor, los Beatles estaban entre los últimos grandes artistas que firmaron acuerdos con con servicios de música online. Desacuerdos residuales emanaban de la disputa de Apple Corps con Apple, Inc., dueños de iTunes, sobre el uso del nombre “Apple” que fue también en parte responsable del retraso, aunque en 2008, McCartney declaró que el principal obstáculo para hacer el catálogo de Beatles disponible online fue que EMI “quiere algo que no estamos dispuestos a darles”. En 2010, el canon oficial de los trece álbumes de estudio de Beatles, Past masters y los álbumes de grandes éxitos Red y Blue se hicieron disponibles en iTunes.

En 2012, las operaciones de música grabada de EMI fueron vendidas a Universal Music Group. Debido a la adquisición de EMI por Universal Music, la Unión Europea, por razones de defensa de la competencia, obligó a EMI a girar activos incluyendo Parlophone. A Universal le fue permitido mantener el catálogo de música grabada de los Beatles, a cargo de Capitol Records bajo su división Capitol Music Group. También en 2012, todo el catálogo original de álbumes de los Beatles fue reeditado en vinilo, disponible individualmente o como boxset.

En 2013, se lanzó un segundo volumen de las grabaciones de la BBC titulado On air – Live at the BBC Volume 2. En diciembre de ese año salió al mercado un set de 59 grabaciones de Beatles en atunes titulado The Beatles bootleg recordings 1963, el cual tuvo la oportunidad de obtener una extensión de derechos de autor de 70 años condicionado a que las canciones se publicasen al menos una vez antes de finales de 2013. Apple Records publicó las grabaciones en diciembre para impedirles entrar en el dominio público y fueron bajadas de iTunes en ese mismo día. Las reacciones de los fans ante este lanzamiento fueron mezcladas.

En enero de 2014, Paul McCartney y Ringo Starr interpretaron Queenie eye de McCartney en Los Angeles en la 56 º entrega anual de los premios Grammy, celebrada en el West Hall de Los Angeles Convention Center. El día siguiente se grabó en la misma sala el especial de televisión The night that changed America: a Grammy salute to The Beatles, que sería emitido el mes siguiente en el mismo día y cadena en que lo hizo la emisión original de la primera aparición de The Beatles en la televisión de Estados Unidos en The Ed Sullivan Show, 50 años antes. El especial contó con interpretaciones de canciones de Beatles por artistas actuales, así como por McCartney y Starr, imágenes de archivo, y Paul y Ringo siendo entrevistados por David Letterman en el Ed Sullivan Theater, lugar de grabación de The Ed Sullivan Show.

En Icons of rock: an encyclopedia of the legends who changed music forever, Scott Schinder y Andy Schwartz hablaban sobre la evolución musical de The Beatles: “En su encarnación inicial, los Fab Four revolucionaron el sonido, estilo y actitud de la música popular y abrieron las puertas del rock and roll a toda una ola de bandas del rock británico. Su impacto inicial hubiera sido suficiente para establecer a The Beatles como una de las fuerzas culturales con mayor influencia de su época, pero no se detuvieron allí. Aunque su estilo inicial fue muy original, con ritmos irresistiblemente pegadizos como el rock and roll y R&B, The Beatles pasaron el resto de la década de 1960 expandiendo las fronteras estilísticas del rock, siempre apostando a nuevos territorios musicales en cada versión. Su más sofisticada experimentación fue utilizada en una gran variedad de géneros, incluyendo el folk-rock, country, psicodelia, pop y barroco, sin sacrificar el atractivo esfuerzo de sus primeros trabajos”.

En The Beatles as musicians, Walter Everett señaló el contraste que había entre Lennon y McCartney respecto a sus motivaciones y enfoques al componer: “Se puede decir que McCartney estaba desarrollando de forma constante un concentrado talento musical (entendido como un medio para entretener) con buen oído para el contrapunto y demás aspectos del oficio, en la demostración de un lenguaje común universalmente aceptado del que él hizo mucho para enriquecer. Por el contrario, la música más madura de Lennon es mejor apreciada como audaz producto de la búsqueda (en gran parte inconsciente), aunque indisciplinada, de una sensibilidad artística”.

Ian MacDonald hizo una comparación de los dos compositores en Revolution in the head, describiendo a McCartney como “un compositor por naturaleza, un creador de melodías capaces de existir separadamente de su armonía”. Sus líneas melódicas se caracterizan principalmente como “verticales”, empleando todo, intervalos consonantes que reflejan su “extrovertida energía y optimismo”. A la inversa, “el sedentarismo y la personalidad irónica” de Lennon se refleja en un enfoque “horizontal”, intervalos disonantes y repetitivas melodías que se fían de su armonía para sacar un mayor provecho: “básicamente un realista, mantiene por instinto sus melodías cerradas para los ritmos y el progreso de su lenguaje, coloreando sus letras con un tono de blues y una armonía que crea melodías sorprendentes hechas por su propia cuenta”. MacDonald alabó la interpretación de la guitarra solista de Harrison por el papel que sus “líneas llenas de calidad y texturas colorantes” jugaron como soporte a Lennon y McCartney, y describe a Starr como “el padre de la forma de tocar la batería en el pop/rock moderno. Su estilo apenas percibido de apoyo rítmico impulsaba sutilmente a The Beatles; su afinación trajo los últimos fundamentos dentro del sonido grabado de la batería, y su distintiva excentricidad seguirá permaneciendo entre lo más memorable de la música popular”.

Las primeras influencias las obtuvieron de músicos como Elvis Presley, Little Richard y Chuck Berry, entre otros, cuyas canciones solían interpretar en numerosas ocasiones en sus actuaciones en vivo. Durante su co-residencia con Little Richard en el Star Club de Hamburgo en abril de 1962, Richard les enseñó técnicas para mejorar sus canciones. Sobre Presley, Lennon dijo: “nada me había influenciado tanto hasta que escuché la música de Elvis. Si no hubiera existido Elvis, The Beatles tampoco hubieran existido”. Otras influencias de The Beatles en sus principios incluían también a Buddy Holly, Eddie Cochran, Carl Perkins, Roy Orbison, y The Everly Brothers. The Beatles continuaron recibiendo influencias a lo largo de su carrera musical, sobre todo de artistas contemporáneos, incluyendo a Bob Dylan, Frank Zappa, The Byrds y The Beach Boys, cuyo álbum de 1966, Pet sounds, dejó sorprendido e inspirado a McCartney. Martin declaró: “sin Pet sounds, Sgt. Pepper no habría ocurrido. Sgt. Pepper fue un intento de igualar el nivel de Pet rounds”.

Originalmente The Beatles comenzaron como grupo de estilo skiffle, pero pronto se embarcaron en el rock and roll genuino de los años 50. Conforme pasó el tiempo, su repertorio se fue ampliando hasta incluir una extensa variedad de música pop. Como reflejo de la variedad de estilos que exploraron, Lennon dijo sobre Beatles for sale: “podías calificar a nuestro último álbum como un LP de The Beatles de country & western”, mientras que la banda fue acreditada por Allmusic, y en particular Rubber soul, como una de las principales influencias en el movimiento del género folk rock. Incorporaron asimismo elementos de música clásica en su música, comenzando con el uso de un cuarteto de cuerda en la canción Yesterday, del álbum Help! Sin embargo, tal y como señaló Jonathan Gould, éste no fue “ni remotamente el primer disco pop en hacer uso prominente de cuerdas, más bien ocurrió que el sonido más tradicional de las cuerdas había permitido una nueva apreciación de su talento como compositores por aquellos oyentes que en cierto modo sentían alergia al estruendo de las baterías y las guitarras eléctricas”. Hicieron uso de las cuerdas para crear distintos efectos. En She's leaving home, por ejemplo, grabada para Sgt. Pepper, escribía Gould que “está construida en el molde de una balada sentimental victoriana, sus palabras y la música se rellenan con los clichés del melodrama musical”.

El rango estilístico que promulgaban se expandió en otra dirección en 1966, con la cara B del single Paperback writer, Rain, descrita por Martin Strong en The great rock discography como “la primera grabación abiertamente psicodélica de The Beatles”. Le siguieron otras obras psicodélicas, tales como Tomorrow never knows (grabada antes de Rain), Strawberry fields forever, Lucy in the sky with diamonds, y I am the walrus. La influencia de la música clásica india fue evidente en canciones de Harrison como Love you to y Within you without you, cuya intención, escribía Gould, era “reproducir los esquemas del raga en miniatura”. Teniendo en cuenta su evolución musical, el historiador musical y pianista Michael Campbell identificaba a la innovación como la característica más llamativa de la banda, escribiendo: “A day in the life resume el arte y el logro de The Beatles de forma única. Se destacan las principales características de su música: la imaginación en el sonido, la persistencia de la melodía armoniosa, y la estrecha coordinación entre las palabras y la música. Representa una nueva categoría de canción, más sofisticada que el pop, más accesible y práctica que el pop, y excepcionalmente innovadora. Nunca antes había habido, literalmente, una canción, clásica o vernácula, que había mezclado tantos elementos dispares de una manera tan imaginativa”. El teórico musical Bruce Ellis Benson estaba de acuerdo con la opinión de Campbell: “los compositores quizás puedan concebir nuevos ritmos y progresiones en los acordes, pero generalmente son improvisaciones de ritmos y progresiones ya existentes. The Beatles nos dan un ejemplo maravilloso de cómo influencias tan remotas como la música celta, el rhythm and blues, y el country y western, pueden ser combinados de un nuevo modo diferente”.

En The songwriting secrets of The Beatles, Dominic Pedler destacó también la importancia del modo en que combinaron los géneros: “uno de los más grandes logros de The Beatles fue el malabarismo compositivo que desempeñaron durante la mayor parte de su carrera. Lejos de mudarse de un género a otro de manera secuencial (como a veces se sugiere a conveniencia), mantuvieron en paralelo su maestría del tradicional y pegadizo éxito musical, a la vez que forjaban el rock y escarceaban con un amplio espectro de influencias periféricas, que abarcaba desde el género country hasta el vodevil. Así lo hicieron también a la hora de aproximarse a la música folk, que tan esencial se volvería como base para sus posteriores encuentros con la música y filosofía hindúes”. Como las relaciones personales entre los miembros eran cada vez más tensas, sus influencias individuales se hicieron más evidentes. La portada minimalista para White album contrasta con la complejidad y diversidad de su música, que abarca Revolution 9 de John Lennon, cuya perspectiva de música concreta fue influenciada por Yoko Ono; la canción country de Starr Don't pass me by; la balada rock de Harrison While my guitar gently weeps y el “rugido proto-metal” de Helter Skelter de McCartney.

La estrecha relación que George Martin tuvo con los cuatro músicos en su papel de productor hizo de él uno de los principales candidatos para el título informal de “quinto Beatle”. Contribuyó a que la estructura musical clásica de la formación comenzase a evolucionar de manera diferente. La idea de incluir un cuarteto de cuerda en Yesterday fue suya. Los miembros de la banda mostraron inicialmente poco entusiasmo sobre el concepto, pero el resultado final les resultó toda una revelación. Gould describió asimismo cómo, “al volverse Lennon y McCartney cada vez más ambiciosos en sus composiciones, Martin comenzó a funcionar como un profesor informal de música para ellos”. Esto, junto con su voluntad de experimentar por indicación de los músicos (tal como agregar “algo de sonido barroco” a una grabación) les facilitó al grupo su desarrollo creativo. Además de haber dirigido los arreglos orquestales para algunas grabaciones de The Beatles, Martin también colaboró tocando instrumentos musicales como el piano, el órgano y algunos instrumentos de viento-metal.

Mirando hacia el pasado durante la creación de Sgt. Pepper, Martin declararía: “el 'Sargento Pepper' en sí no aparece hasta la mitad de la elaboración del álbum. Era una canción de Paul, sólo un ordinario tema de rock y no particularmente brillante como sí ocurre con otras canciones. Paul dijo: '¿Por qué no hacemos el álbum como si la banda de Pepper realmente existiera, como si el Sargento Pepper estuviera haciendo la grabación? Sobregrabaremos efectos de sonido y cosas por el estilo'. Amé la idea, y desde ese momento fue como si el Sargento Pepper tuviera vida propia”. Recordando cómo la canción contrastó fuertemente con las composiciones de Lennon, Martin habló por otra parte de su propia influencia de estabilizador: “en comparación con las canciones de Paul, que parecían tener algún tipo de contacto con la realidad, John tenía una psicodelia, de calidad casi mística. Las metáforas de John son una de las mejores cosas en su trabajo ('árboles de mandarina', 'cielos de mermelada', 'flores de celofán'). Siempre lo vi como una fonética de Salvador Dalí, mejor dicho, que había alguna droga detrás del artista. Por otra parte, sería tonto fingir que en ese momento las drogas no figuraron ampliamente en sus vidas. Al mismo tiempo, ellos sabían que yo, en mi papel de maestro de escuela, no las aprobaba. No sólo porque no formaban parte de mí mismo, no veía la necesidad de usarlas; y no hay duda de que si yo también hubiera estado en la droga, Pepper nunca habría sido el álbum que fue”.

Harrison se hizo eco de la descripción de Martin en su papel de estabilizador: “creo que sólo crecimos a través de los años juntos, él como el hombre recto y nosotros como los locos; pero él siempre estaba ahí para interpretar nuestras locuras, solíamos estar ligeramente vanguardistas en ciertos días de la semana, y allí estaba él como la persona de anclaje, para comunicarlo a través de los ingenieros y en las cintas”.

The Beatles hicieron un uso innovador de la tecnología, tratando al estudio como un instrumento en sí mismo. Se urgió a Martin y sus ingenieros de grabación a la constante experimentación, exigiendo regularmente usar algo nuevo porque “solamente de ese modo, algo puede sonar realmente bien”. Al mismo tiempo, la agrupación buscó nuevas maneras de crear y utilizar cosas más creativas en sus creaciones musicales, incorporando efectos tales como el eco de una botella de plástico o acomodar una cinta en el lado opuesto para que la voz se reprodujera al revés. El deseo que tenían para crear nuevos sonidos en cada grabación realizada, junto con las habilidades de organización de Martin y la experiencia de los ingenieros de estudio de EMI como Norman Smith, Ken Townsend y Geoff Emerick, contribuyeron significativamente a las grabaciones de Rubber soul y, especialmente, Revolver. Junto con los trucos de estudio, tales como efectos de sonido, emplazamientos de los micrófonos convencionales, loops de cinta, voces dobladas, variaciones de velocidad, The Beatles incluyeron en sus canciones instrumentos no convencionales para el rock de ese momento. Instrumentos de la India como el sitar en Norwegian wood (this bird has flown) y el swarmandal en Strawberry fields forever. También usaron instrumentos electrónicos como el mellotrón, con el que McCartney dio inicio al intro de Strawberry fields, y el clavioline, un teclado electrónico que creaba el inusual sonido de un oboe en Baby you're a rich man.

En 1965, la reina Isabel II nombró a los cuatro Beatles miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). La película Let it be (1970) de The Beatles, ganó un Oscar en 1971 por la Mejor banda sonora original. The Beatles han recibido 7 premios Grammy y 15 premios Ivor Novello por sus discos. Han sido certificados con 6 Discos de diamante, así como 24 Discos multi-platino, 39 Discos de platino y 45 Discos de oro en Estados Unidos, mientras que en Reino Unido tienen 4 Discos multi-platino, 4 Discos de platino, 8 Discos de oro y 1 Disco de plata. El grupo fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1988. En 2008, la revista Billboard publicó una lista de los artistas que más vendieron en el Hot 100 para celebrar el 50º aniversario de la lista estadounidense: The Beatles arrancaron en el puesto número 1. En 2009, la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos certificó que The Beatles habían logrado vender más discos en Estados Unidos que cualquier otro artista. The Beatles han tenido más álbumes número 1 en Reino Unido que cualquier otro artista musical (un total de 15 álbumes), sumando con ello un total de 174 semanas de permanencia en la primera posición de la lista musical. De forma colectiva, fueron incluidos en la recopilación de la revista Time de Las 100 personas más influyentes del siglo XX.

En 1987, EMI reeditó a nivel mundial todos los álbumes de estudio británicos de The Beatles en formato CD, incluyéndose también en el canon oficial la versión estadounidense de Magical Mystery Tour en lugar del doble EP de seis canciones que fuera publicado en Reino Unido en 1967. Todo el material restante de los singles y EP de The Beatles que no se habían publicado en los álbumes de estudio originales se juntaron en los discos recopilatorios Past masters - Volume one y Past masters - Volume two (1988).

Las configuraciones de los discos estadounidenses de 1964-65 fueron lanzados en una caja recopilatoria en 2004 y 2006 (The Capitol albums Vol. 1 y Vol. 2, respectivamente); incluían las versiones estéreo y mono basadas en las mezclas preparadas para vinilo en el momento de la publicación original estadounidense de la música de The Beatles.

En septiembre de 2009, tras un extenso proceso de remasterización digital que duró cuatro años, se volvió a publicar todo su catálogo musical. Las ediciones estereofónicas de los doce álbumes originales fueron lanzadas en CD, junto con Magical Mystery Tour y Past masters, tanto individualmente como en una caja recopilatoria. Una segunda colección incluyó todos los títulos mezclados originalmente en mono, junto a las mezclas originales estereofónicas de Help! y Rubber soul. Durante un tiempo limitado, también se incluyó un breve vídeo documental sobre la remasterización en cada CD. En la revista Mojo, el crítico musical Danny Eccleston escribió: “desde que The Beatles aparecieron por primera vez en CD en 1987, ha habido quejas sobre la calidad de sonido de su música en dicho formato”. Apoyando la opinión de que el vinilo original tenía importantes ventajas sobre los primeros CD en cuanto a claridad de sonido y dinamismo, sugirió: “compara el sonido de Paperback writer/Rain proveniente de un viejo vinilo de 45 rpm con la versión incluida en el CD de Past masters, y la diferencia está clara”. Antes de la publicación de las remasterizaciones de 2009, los estudios Abbey Road invitaron a los críticos de Mojo a escuchar una muestra del trabajo, avisando: “están a punto de sufrir una conmoción”. En su reseña sobre el producto final el día de su edición, Eccleston lo ratificó de forma “brillante, que así es cómo se siente todavía un mes después”.

The Beatles eran uno de los pocos artistas importantes cuyo catálogo musical no estaba disponible a través de servicios de música en línea como iTunes o Napster. Parte del motivo era el litigio que había entre Apple Corps y Apple Inc. (propietaria de iTunes) en el uso del nombre “Apple”, aunque en noviembre de 2008 McCartney dijo que el obstáculo principal fue que EMI “quiere algo que nosotros no estamos dispuestos a darles”. En marzo de 2009, The Guardian informó que “la perspectiva de una tienda independiente, que se especifique en la música digital de The Beatles” fue planteada por el hijo de Harrison, Dhani, quien dijo: “estamos perdiendo dinero todos los días. Así que, ¿qué hacer? Tienes que tener tu propio sistema de entrega, o tienes que hacer un buen trato con Steve Jobs. Él dijo que la descarga vale 99 centavos de dólar, y no estamos de acuerdo”. En octubre, Wired.com informó que un servicio en línea llamado Bluebeat, puso a disposición todo el catálogo de The Beatles, adquirible tanto en descargas como en libre reproducción. Ni EMI ni Apple Corps habían autorizado la distribución, y una semana después se le prohibió a Bluebeat legalmente el manejo de la música de la banda. En diciembre de 2009, el catálogo fue oficialmente lanzado en formato mp3, flac y en una edición limitada de 30 mil unidades flash USB. En diciembre de 2010, la discografía oficial de los trece álbumes de estudio, las recopilaciones Past masters y los álbumes Rojo y Azul empezaron a estar disponibles en iTunes. Un vídeo del primer concierto de la banda en Estados Unidos en 1964 también se hizo disponible para la compra como parte de un sistema digital de caja recopilatoria del catálogo y de forma gratuita a través de streaming a finales de 2010.

En 1963, Lennon, McCartney, Harrison y Starr accedieron ceder los derechos de publicación de sus canciones a Northern Songs, una empresa creada por el editor musical Dick James. Administrada por su compañía Dick James Music, Northern Songs salió al mercado público en 1965 haciendo a Lennon y McCartney poseedores cada uno del 15% de las acciones de la compañía, y James y el presidente de la compañía, Charles Silver, con un control del 37,5%. Después de un intento fallido de Lennon y McCartney de comprar la compañía, James y Silver vendieron Northern Songs en 1969 a la compañía británica de televisión Associated Television (ATV), en la que Lennon y McCartney recibieron sus acciones correspondientes. Brevemente propiedad del magnate australiano Robert Holmes à Court, ATV Music fue vendida en 1985 a Michael Jackson por una suma reportada de 47 millones (superando la oferta conjunta que habían hecho McCartney y Yoko Ono), dándole el control sobre los derechos de publicación de más de 200 canciones compuestas por Lennon y McCartney.

Jackson y el sello discográfico Sony fusionaron sus empresas de publicación de música en 1995, convirtiéndose en los copropietarios de la mayoría de las canciones de Lennon-McCartney grabadas por The Beatles, aunque los bienes de Lennon y McCartney siguen recibiendo sus respectivas cuotas de las regalías. Aunque el catálogo de Jackson-Sony incluye a la mayoría de los grandes éxitos de The Beatles, algunas de sus primeras canciones fueron publicadas por una filial de EMI, Ardmore & Beechwood, antes de que Lennon y McCartney firmaran con James. McCartney adquirió los derechos de publicación de Love me do y P.S. I love you por parte de Ardmore en la década de 1980. Harrison y Starr permitieron que el contrato de sus composiciones con Northern Songs caducara en 1968, firmando con Apple Publishing en esta ocasión. Harrison creó Harrisongs, que aún posee los derechos de sus canciones posteriores a 1967 como While my guitar gently weeps y Something, mientras que Startling Music de Starr tiene los derechos de sus propias canciones grabadas con The Beatles, Don't pass me by y Octopus's garden.

Fuentes: https://es.wikipedia.org, https://en.wikipedia.org, http://www.biografiasyvidas.com, http://www.todomusica.org, http://biografia-beatles.blogspot.com.es, http://www.alohacriticon.com, http://historiasderock.es.tl, http://masbeatles.blogspot.com.es, http://www.imdb.com, http://www.lahiguera.net, http://www.last.fm, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

We can work it out, Day tripper (Yesterday and today)

Taxman, Eleanor Rigby, Here, there and everywhere, Yellow submarine, Good day sunshine, And your bird can sing, Doctor Robert, Got to get you into my life, Tomorrow never ends (Revolver)

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, With a little help from my friends, Lucy in the sky with diamonds, Getting better, She's leaving home, Good morning good morning, A day in the life (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band)

Magical Mystery Tour, The fool on the hill, Your mother should know, I am the walrus, Hello, goodbye, Strawberry fields forever, Penny Lane, All you need is love (Magical Mystery Tour)

Back in the U.S.S.R., Dear Prudence, Ob-la-di, ob-la-da, While my guitar gently weeps, Happiness is a warm gun, Blackbird, I will, Julia, Birthday, Mother Nature's son, Helter skelter, Revolution 1, Savoy truffle, Good night (The Beatles -The white album)

Yellow submarine, All together now, Hey bulldog, All you need is love (Yellow submarine)

Two of us, Across the universe, Let it be, The long and winding road, I've got a feeling, Get back (Let it be)

Come together, Something, Oh darling!, Octopus's garden, I want you (she's so heavy), Here comes the sun, You never gime your money, Carry that weight (Abbey Road)

Paperback writer, Rain, Lady Madonna, Revolution, Hey Jude, Don't let me down, The ballad of John and Yoko (Hey Jude)

I'm down (Past masters Volume 1)

Free as a bird, Three cool cats, Live my kitten alone (Anthology 1)

Real love, That means a lot (Anthology 2)

Good night, Hey Jude, Julia, I've got a feeling, Rip it up/Shake, rattle and roll/Blue suede shoes, Come and get it (Anthology 3)

Vídeos:

We can work it out y Day tripper, del álbum Yesterday and today:

We can work it out - The Beatles


Day tripper - The Beatles


Eleanor Rigby, Yellow submarine, Here, there and everywhere y Tomorrow never ends, del álbum Revolver:

Eleanor Rigby - The Beatles


Yellow submarine - The Beatles


Here, there and everywhere - The Beatles


Tomorrow never ends - The Beatles


Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, With a little help from my friends, Lucy in the sky with diamonds, She's leaving home y A day in the life, del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band:

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band - The Beatles


With a little help from my friends - The Beatles


Lucy in the sky with diamonds - The Beatles


She's leaving home - The Beatles


A day in the life - The Beatles


All you need is love, Strawberry fields, Penny Lane, Magical Mystery Tour y Hello, goodbye, del álbum Magical Mystery Tour:

All you need is love - The Beatles


Strawberry fields - The Beatles


Penny Lane - The Beatles


Magical Mystery Tour - The Beatles


Hello, goodbye - The Beatles


Ob-la-di, ob-la-da, Dear Prudence, Revolution 1, While my guitar gently weeps y I will, del álbum The Beatles (The White album):

Ob-la-di, ob-la-da - The Beatles


Dear Prudence - The Beatles


Revolution 1 - The Beatles


While my guitar gently weeps - The Beatles


I will - The Beatles


All you need is love y All together now, del álbum Yellow submarine:

All you need is love - The Beatles


All together now - The Beatles


Let it be, Get back, Across the universe y The long and winding road, del álbum Let it be:

Let it be - The Beatles


Get back - The Beatles


Across the universe - The Beatles


The long and winding road - The Beatles


Come together, Here comes the sun y Something, del álbum Abbey Road:

Come together - The Beatles


Here comes the sun - The Beatles


Something - The Beatles


Paperback writer, Lady Madonna y Hey Jude, del álbum Hey Jude:

Paperback writer - The Beatles


Lady Madonna - The Beatles


Hey Jude - The Beatles


Free as a bird, del álbum Anthology 1:

Free as a bird - The Beatles

4 comentarios:

Eduardo García dijo...

Grande documento que has hecho.
The Beatles fueron grandes. Te pueden gustar más o menos, pero su legado quedará ahí.
A mí me gusta todo de ellos.
Sus distintas etapas fueron estupendas. Siempre unos pasos por delante de sus contemporáneos.
Más alla de la fama, lo que me gusta de ellos es su afan contínuo en la búsqueda de nuevas formas de hacer canciones.
Saludos sintéticos.

Johnny J.J. dijo...

Joer, vaya postazo, un montón de anécdotas o detalles que ignoraba. Thank you.

JL dijo...

Con los Beatles me ha pasado lo que con algunos grupos, que los descubro realmente de atrás hacia adelante. Siempre me han gustado, pero ese halo de populares, de que era un grupo del que casi todo el mundo hablaba maravillas, también siempre me había echado atrás, a pesar de que me encantaban sus canciones. Sin embargo, si hay artistas que tienen la popularidad merecida, los Beatles son, sin duda, uno de ellos.

Siempre renovándose y probando cosas nuevas, que también es el aspecto que más me ha impresionado de ellos, pero es que siempre que lo probaban les salía magnífico y el público se lo reconocía (a excepción de los instrumentales de Harrison y Lennon, que son bastante infumables, para mi gusto).

Todos ellos salieron prácticamente de la nada, técnicamente hablando, y se convirtieron juntos en virtuosos. Su fama y su calidad como músicos se incrementaron al unísono. Quizá ésa fue la causa fundamental de las tensiones que desembocaron en su disolución, que Harrison y Starr cada vez querían colaborar más en el núcleo de las composiciones, y el dúo McCartney-Lennon terminó por explotar debido a que los dos eran unos genios, y sólo Epstein sabía unir sus creatividades para sacar los mejor de los dos en beneficio del grupo.

Un saludo, Eduardo y JJ, y mis mejores deseos para vosotros y para todos de un muy buen 2016.

bernardo de andres herrero dijo...

el porque los beatles son dios se encuentran en tus frases y en su musica sobre todo de esta segunda parte Desde el hard days nighy al abbey road han relizado el meyor conjunto de obras maestras de la historia